A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
La vedette Montserrat Cabaré presenta un concierto tutti-frutti, en el cual la sonoridad emerge de manera muy estimulante, mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador.
El humor envuelve cada uno de los actos haciendo de éste su herramienta más fuerte.
DISFRUTA LA FRUTA, ESPECTÁCULO ÚNICO DE CABARET HECHO EN EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LAS FRUTAS
Una propuesta en tres actos, a manera de “canto sanador y reconciliador”, se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo en el Foro A Poco No
El requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”
Tres actos musicales componen el espectáculo de teatro-cabaret Disfruta la fruta, que presenta la actriz, directora y productora mexicana Montserrat Ángeles Peralta, mejor conocida como Monserrat Cabaré. Se trata de “un concierto tutti frutti”, en el que las sonoridades emergen de manera estimulante mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador, así como el humor envuelve cada uno de los actos.
Disfruta la fruta se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo (excepto el día 8), con funciones de miércoles a domingo, en el Foro A Poco No, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la musicalización de Mariana Vega “MAPO”, iluminación de Mauricio Arizona y fotografía de Cibelle Gaidus, Disfruta la fruta es una respuesta a ese “mundo de desigualdades, de constantes opresiones y de cánones de belleza inalcanzables”, en el que “la mayoría de las mujeres no encajamos”, dice la creadora escénica.
Y agrega: Ahí emerge Disfruta la fruta como “un canto sanador y reconciliador para la aceptación de nuestras cuerpas y el disfrute de nuestra sexualidad”. En la puesta se exploran cada una de las frutas, con todas sus cualidades sonoras, gustativas y visuales.
La propuesta compone una gran melodía y un concierto fuera de lo convencional que, sin duda, echa a volar la imaginación de los asistentes. Se trata –señala la actriz– de un espectáculo único de cabaret hecho en el lenguaje universal de las frutas, por lo que el requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”.
Montserrat Ángeles Peralta es una actriz, directora, cabaretera y cantante de origen mexicano. Egresada de la licenciatura en Actuación por la Escuela Nacional de Arte Teatral en México y del Máster de Creación en Artes de Calle en Cataluña. Con 26 años de experiencia en los escenarios, ha desarrollado su carrera en teatro, cine, televisión, circo, musicales, intervenciones en el espacio público, experiencias inmersivas y en cabaret, especializándose en éste por los últimos 13 años.
Primer unipersonal de Montserrat Ángeles Peralta, la puesta se presenta desde 2021 y ha sido invitada a foros y festivales realizados en Brasil, Colombia, España, Portugal y México.
Juana, la nueva de la escuela, descubre una red de acoso que amenaza a las alumnas con exponer fotografías íntimas de ellas. Ella utiliza el rap como su principal herramienta en la lucha contra la sextorsión y el ciberbullying.
Juana Cachonda busca difundir “Ley Olimpia”, que se refiere a un conjunto de reformas legislativas encaminadas a reconocer la violencia digital, las cuales fueron aprobadas en 2018 para tipificar como delito el hecho de compartir material íntimo de una persona sin su consentimiento. Esta no busca moralizar, sino alertar e informar sobre los derechos digitales.
Ciudad de México, febrero de 2024
JUANA CACHONDA RAPEA EN CONTRA DEL CIBERBULLYNG, LA SEXTORSIÓN, EL SHAMING, EL DOXING, EL GROOMING
Una puesta en escena de Teatro Bezbeco para promover y difundir la Ley Olimpia, ante la proliferación de acoso sexual a través de las redes sociales
Del 22 de febrero al 3 de marzo se escenifica en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Teatro Bezbeco regresa para presentar su puesta en escena Juana Cachonda, un texto de Josué Almanza dirigido por Ixchel Flores Machorro, en la que el teatro, la música, la danza y el rap se conjugan para promover la Ley Olimpia, serie de reformas legislativas aprobadas en los años recientes encaminadas a sancionar la violencia digital, la cual perjudica, en mayor grado, a las mujeres y niñas.
Juana Cachonda –que también pone en entredicho el significado actual de esta palabra– hace una temporada de presentaciones del 22 de febrero al 3 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La propuesta cuenta la historia de Juana, una joven estudiante que ingresa por primera vez a la escuela preparatoria. Con los días, descubre que las alumnas se enfrentan cotidianamente a prácticas de ciberbullyng, sextorsión y acoso por parte de sus compañeros, quienes todo lo justifican con el argumento del “amor romántico”.
A través del rap, Juana y sus compañeras exponen al acosador, quien convive con ellas en la misma preparatoria. La acción genera lazos profundos entre el grupo de jóvenes que se convierten en una red de apoyo solidario. De acuerdo a la crítica, la puesta visibiliza y proporciona herramientas para la prevención de situaciones de violencia de género al que se ven expuestas muchas adolescentes de nivel secundaria y preparatoria: prácticas como ciberbullyng, sextorsión, shaming, doxing, grooming (acoso sexual de adultos a menores de edad) que disfrazan de “amor”.
Igualmente, la pieza invita a reelaborar la palabra “cachonda” para nombrar a las chicas que son aguerridas y dueñas de su sensualidad, sin un enfoque moralizante, ya que consideran que todo “cuerpo merece respeto y tiene derecho a explotar su sexualidad sin recriminaciones”.
Desde el tono de comedia dramática, transcurre de manera detectivesca y vertiginosa por diversos escenarios que se crean con el movimiento de escenografía, música y la danza de los actores.
La compañía de teatro Bezbeco se fundó en 2016 en la Ciudad de México y se ha especializado en teatro para niños y niñas y jóvenes audiencias. En marzo del 2021, el Centro Cultural El Hormiguero convocó a la primera edición de su programa Larvas Creativas, con la cual ofreció residencias artísticas con el objetivo de fomentar el desarrollo y la profesionalización de los nuevos artistas mexicanos.
Para ello, las residencias incluyeron el acompañamiento y asesoría de los especialistas de la Coordinación de Talleres de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y vínculos con la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para apoyar la formación de los miembros de la compañía.
Del proyecto interinstitucional surgió la obra Juana Cachonda, con una duración de una hora, dirigida especialmente a jóvenes de 15 a 18 años de edad.
El vestuario es de Miranda López, escenografía de Abigail Puebla e iluminación de Juan Pablo Aguayo. La asesoría en rap es de Cynthia Franco y Marie V y en breaking de Raúl Ramírez. La producción ejecutiva y asistencia de dirección es de Humberto Trejo.
El performance poético-audiovisual de Soundwalk Collective con Patti Smith da inicio al festival Tiempo de Mujeres, así como celebra el vigésimo aniversario de MUTEK México.
En el espectáculo, la cantante presenta Correspondences, una experiencia envolvente que conjuga la poesía, la música, los visuales y el cine para proponer un viaje audiovisual altamente emotivo. La poesía de la artista convive con referencias fílmicas y poderosas imágenes creadas por Pedro Maia, acompañado de un ensamble que interpreta un soundtrack en tiempo real, con Lucy Ryalton, Diego Espinosa y Leonardo Heiblum, bajo la dirección de Stephan Crasneanscki y Simone Merli de Soundwalk Collective.
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
Con una vasta discografía que le ha dado prestigio internacional, la cantante española Buika regresa a México con su virtuosismo interpretativo para rendir tributo a la música romántica.
El bolero es ahora la vía de inspiración de la talentosa Buika, para fusionarlo con su novedoso repertorio y diversidad de géneros que la identifican: jazz, soul, reggae, folk, afro-pop, flamenco, copla española y hasta canción ranchera.
BUIKA ABRE SEGUNDA FECHA EN EL TEATRO DE LA CIUDAD ESPERANZA IRIS
Ofrece dos conciertos especiales: el sábado 2 y, ahora, el domingo 3 de marzo
Después de lograr localidades agotadas de su concierto del sábado 2 de marzo, Buika abre una segunda fecha (domingo 3 de marzo) para que el público mexicano se deleite con su voz y de la propuesta sonora de la cantante, quien regresa a México como parte de su gira mundial 2024.
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México es el escenario en el cual la artista de origen español vuelve a México, bajo la dirección musical de Santiago Cañada.
Con una vasta discografía que le ha dado prestigio internacional, la cantante y su virtuosismo interpretativo rinden tributo al romanticismo musical.
El bolero es ahora la vía de inspiración de la talentosa Buika, quien lo fusiona con su novedoso repertorio y diversidad de géneros que la identifican, como son el jazz, el soul, el reggae, el folk, el afro-pop, el flamenco, la copla española y la canción ranchera.
Con dos décadas de carrera, con una voz única y la intensidad de su interpretación, la cantante española es comparada con grandes figuras como Nina Simone, Chavela Vargas y Cesaria Evora.
En su trayectoria ha trabajado con Carlos Santanta, Anoushka Shankar, Charles Aznavour, Seal, Nelly Furtado, Pat Metheny, Chick Corea, Nitin Sawhney y Chavela Vargas. En 2022 y 2023 participó en el espectáculo Olé México con los cantantes Pitingo y Eugenia León, dirigidos por Alondra de la Parra.
Ganadora de un Grammy por su álbum El último trago, grabado en 2009 con el reconocido pianista cubano Chucho Valdés, Buika ha sido nominada a otros cuatro premios de la Academia de la Grabación de Estados Unidos.
En 2011 colaboró con canciones en la película La piel que habito, del director español Pedro Almódovar. En 2023 recibió otra nominación al Premio Grammy por la canción Adoro, interpretada con la Orquesta Sinfónica de Minería en una producción de Olé México, concierto dirigido y producido también por Alondra de la Parra.
Como hija de la fusión, la entrañable amalgama de estilos que Buika presenta es muestra patente de su extraordinaria y conmovedora voz que no deja a nadie indiferente. Una catarsis se vive en sus originales conciertos con grandiosos músicos que la acompañan.
Juana, la nueva de la escuela, descubre una red de acoso que amenaza a las alumnas con exponer fotografías íntimas de ellas. Ella utiliza el rap como su principal herramienta en la lucha contra la sextorsión y el ciberbullying.
Juana Cachonda busca difundir “Ley Olimpia”, que se refiere a un conjunto de reformas legislativas encaminadas a reconocer la violencia digital, las cuales fueron aprobadas en 2018 para tipificar como delito el hecho de compartir material íntimo de una persona sin su consentimiento. Esta no busca moralizar, sino alertar e informar sobre los derechos digitales.
Ciudad de México, febrero de 2024
JUANA CACHONDA RAPEA EN CONTRA DEL CIBERBULLYNG, LA SEXTORSIÓN, EL SHAMING, EL DOXING, EL GROOMING
Una puesta en escena de Teatro Bezbeco para promover y difundir la Ley Olimpia, ante la proliferación de acoso sexual a través de las redes sociales
Del 22 de febrero al 3 de marzo se escenifica en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Teatro Bezbeco regresa para presentar su puesta en escena Juana Cachonda, un texto de Josué Almanza dirigido por Ixchel Flores Machorro, en la que el teatro, la música, la danza y el rap se conjugan para promover la Ley Olimpia, serie de reformas legislativas aprobadas en los años recientes encaminadas a sancionar la violencia digital, la cual perjudica, en mayor grado, a las mujeres y niñas.
Juana Cachonda –que también pone en entredicho el significado actual de esta palabra– hace una temporada de presentaciones del 22 de febrero al 3 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La propuesta cuenta la historia de Juana, una joven estudiante que ingresa por primera vez a la escuela preparatoria. Con los días, descubre que las alumnas se enfrentan cotidianamente a prácticas de ciberbullyng, sextorsión y acoso por parte de sus compañeros, quienes todo lo justifican con el argumento del “amor romántico”.
A través del rap, Juana y sus compañeras exponen al acosador, quien convive con ellas en la misma preparatoria. La acción genera lazos profundos entre el grupo de jóvenes que se convierten en una red de apoyo solidario. De acuerdo a la crítica, la puesta visibiliza y proporciona herramientas para la prevención de situaciones de violencia de género al que se ven expuestas muchas adolescentes de nivel secundaria y preparatoria: prácticas como ciberbullyng, sextorsión, shaming, doxing, grooming (acoso sexual de adultos a menores de edad) que disfrazan de “amor”.
Igualmente, la pieza invita a reelaborar la palabra “cachonda” para nombrar a las chicas que son aguerridas y dueñas de su sensualidad, sin un enfoque moralizante, ya que consideran que todo “cuerpo merece respeto y tiene derecho a explotar su sexualidad sin recriminaciones”.
Desde el tono de comedia dramática, transcurre de manera detectivesca y vertiginosa por diversos escenarios que se crean con el movimiento de escenografía, música y la danza de los actores.
La compañía de teatro Bezbeco se fundó en 2016 en la Ciudad de México y se ha especializado en teatro para niños y niñas y jóvenes audiencias. En marzo del 2021, el Centro Cultural El Hormiguero convocó a la primera edición de su programa Larvas Creativas, con la cual ofreció residencias artísticas con el objetivo de fomentar el desarrollo y la profesionalización de los nuevos artistas mexicanos.
Para ello, las residencias incluyeron el acompañamiento y asesoría de los especialistas de la Coordinación de Talleres de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y vínculos con la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para apoyar la formación de los miembros de la compañía.
Del proyecto interinstitucional surgió la obra Juana Cachonda, con una duración de una hora, dirigida especialmente a jóvenes de 15 a 18 años de edad.
El vestuario es de Miranda López, escenografía de Abigail Puebla e iluminación de Juan Pablo Aguayo. La asesoría en rap es de Cynthia Franco y Marie V y en breaking de Raúl Ramírez. La producción ejecutiva y asistencia de dirección es de Humberto Trejo.
La vedette Montserrat Cabaré presenta un concierto tutti-frutti, en el cual la sonoridad emerge de manera muy estimulante, mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador.
El humor envuelve cada uno de los actos haciendo de éste su herramienta más fuerte.
DISFRUTA LA FRUTA, ESPECTÁCULO ÚNICO DE CABARET HECHO EN EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LAS FRUTAS
Una propuesta en tres actos, a manera de “canto sanador y reconciliador”, se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo en el Foro A Poco No
El requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”
Tres actos musicales componen el espectáculo de teatro-cabaret Disfruta la fruta, que presenta la actriz, directora y productora mexicana Montserrat Ángeles Peralta, mejor conocida como Monserrat Cabaré. Se trata de “un concierto tutti frutti”, en el que las sonoridades emergen de manera estimulante mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador, así como el humor envuelve cada uno de los actos.
Disfruta la fruta se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo (excepto el día 8), con funciones de miércoles a domingo, en el Foro A Poco No, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la musicalización de Mariana Vega “MAPO”, iluminación de Mauricio Arizona y fotografía de Cibelle Gaidus, Disfruta la fruta es una respuesta a ese “mundo de desigualdades, de constantes opresiones y de cánones de belleza inalcanzables”, en el que “la mayoría de las mujeres no encajamos”, dice la creadora escénica.
Y agrega: Ahí emerge Disfruta la fruta como “un canto sanador y reconciliador para la aceptación de nuestras cuerpas y el disfrute de nuestra sexualidad”. En la puesta se exploran cada una de las frutas, con todas sus cualidades sonoras, gustativas y visuales.
La propuesta compone una gran melodía y un concierto fuera de lo convencional que, sin duda, echa a volar la imaginación de los asistentes. Se trata –señala la actriz– de un espectáculo único de cabaret hecho en el lenguaje universal de las frutas, por lo que el requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”.
Montserrat Ángeles Peralta es una actriz, directora, cabaretera y cantante de origen mexicano. Egresada de la licenciatura en Actuación por la Escuela Nacional de Arte Teatral en México y del Máster de Creación en Artes de Calle en Cataluña. Con 26 años de experiencia en los escenarios, ha desarrollado su carrera en teatro, cine, televisión, circo, musicales, intervenciones en el espacio público, experiencias inmersivas y en cabaret, especializándose en éste por los últimos 13 años.
Primer unipersonal de Montserrat Ángeles Peralta, la puesta se presenta desde 2021 y ha sido invitada a foros y festivales realizados en Brasil, Colombia, España, Portugal y México.
La vedette Montserrat Cabaré presenta un concierto tutti-frutti, en el cual la sonoridad emerge de manera muy estimulante, mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador.
El humor envuelve cada uno de los actos haciendo de éste su herramienta más fuerte.
DISFRUTA LA FRUTA, ESPECTÁCULO ÚNICO DE CABARET HECHO EN EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LAS FRUTAS
Una propuesta en tres actos, a manera de “canto sanador y reconciliador”, se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo en el Foro A Poco No
El requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”
Tres actos musicales componen el espectáculo de teatro-cabaret Disfruta la fruta, que presenta la actriz, directora y productora mexicana Montserrat Ángeles Peralta, mejor conocida como Monserrat Cabaré. Se trata de “un concierto tutti frutti”, en el que las sonoridades emergen de manera estimulante mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador, así como el humor envuelve cada uno de los actos.
Disfruta la fruta se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo (excepto el día 8), con funciones de miércoles a domingo, en el Foro A Poco No, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la musicalización de Mariana Vega “MAPO”, iluminación de Mauricio Arizona y fotografía de Cibelle Gaidus, Disfruta la fruta es una respuesta a ese “mundo de desigualdades, de constantes opresiones y de cánones de belleza inalcanzables”, en el que “la mayoría de las mujeres no encajamos”, dice la creadora escénica.
Y agrega: Ahí emerge Disfruta la fruta como “un canto sanador y reconciliador para la aceptación de nuestras cuerpas y el disfrute de nuestra sexualidad”. En la puesta se exploran cada una de las frutas, con todas sus cualidades sonoras, gustativas y visuales.
La propuesta compone una gran melodía y un concierto fuera de lo convencional que, sin duda, echa a volar la imaginación de los asistentes. Se trata –señala la actriz– de un espectáculo único de cabaret hecho en el lenguaje universal de las frutas, por lo que el requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”.
Montserrat Ángeles Peralta es una actriz, directora, cabaretera y cantante de origen mexicano. Egresada de la licenciatura en Actuación por la Escuela Nacional de Arte Teatral en México y del Máster de Creación en Artes de Calle en Cataluña. Con 26 años de experiencia en los escenarios, ha desarrollado su carrera en teatro, cine, televisión, circo, musicales, intervenciones en el espacio público, experiencias inmersivas y en cabaret, especializándose en éste por los últimos 13 años.
Primer unipersonal de Montserrat Ángeles Peralta, la puesta se presenta desde 2021 y ha sido invitada a foros y festivales realizados en Brasil, Colombia, España, Portugal y México.
Con una vasta discografía que le ha dado prestigio internacional, la cantante española Buika regresa a México con su virtuosismo interpretativo para rendir tributo a la música romántica.
El bolero es ahora la vía de inspiración de la talentosa Buika, para fusionarlo con su novedoso repertorio y diversidad de géneros que la identifican: jazz, soul, reggae, folk, afro-pop, flamenco, copla española y hasta canción ranchera.
BUIKA ABRE SEGUNDA FECHA EN EL TEATRO DE LA CIUDAD ESPERANZA IRIS
Ofrece dos conciertos especiales: el sábado 2 y, ahora, el domingo 3 de marzo
Después de lograr localidades agotadas de su concierto del sábado 2 de marzo, Buika abre una segunda fecha (domingo 3 de marzo) para que el público mexicano se deleite con su voz y de la propuesta sonora de la cantante, quien regresa a México como parte de su gira mundial 2024.
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México es el escenario en el cual la artista de origen español vuelve a México, bajo la dirección musical de Santiago Cañada.
Con una vasta discografía que le ha dado prestigio internacional, la cantante y su virtuosismo interpretativo rinden tributo al romanticismo musical.
El bolero es ahora la vía de inspiración de la talentosa Buika, quien lo fusiona con su novedoso repertorio y diversidad de géneros que la identifican, como son el jazz, el soul, el reggae, el folk, el afro-pop, el flamenco, la copla española y la canción ranchera.
Con dos décadas de carrera, con una voz única y la intensidad de su interpretación, la cantante española es comparada con grandes figuras como Nina Simone, Chavela Vargas y Cesaria Evora.
En su trayectoria ha trabajado con Carlos Santanta, Anoushka Shankar, Charles Aznavour, Seal, Nelly Furtado, Pat Metheny, Chick Corea, Nitin Sawhney y Chavela Vargas. En 2022 y 2023 participó en el espectáculo Olé México con los cantantes Pitingo y Eugenia León, dirigidos por Alondra de la Parra.
Ganadora de un Grammy por su álbum El último trago, grabado en 2009 con el reconocido pianista cubano Chucho Valdés, Buika ha sido nominada a otros cuatro premios de la Academia de la Grabación de Estados Unidos.
En 2011 colaboró con canciones en la película La piel que habito, del director español Pedro Almódovar. En 2023 recibió otra nominación al Premio Grammy por la canción Adoro, interpretada con la Orquesta Sinfónica de Minería en una producción de Olé México, concierto dirigido y producido también por Alondra de la Parra.
Como hija de la fusión, la entrañable amalgama de estilos que Buika presenta es muestra patente de su extraordinaria y conmovedora voz que no deja a nadie indiferente. Una catarsis se vive en sus originales conciertos con grandiosos músicos que la acompañan.
Juana, la nueva de la escuela, descubre una red de acoso que amenaza a las alumnas con exponer fotografías íntimas de ellas. Ella utiliza el rap como su principal herramienta en la lucha contra la sextorsión y el ciberbullying.
Juana Cachonda busca difundir “Ley Olimpia”, que se refiere a un conjunto de reformas legislativas encaminadas a reconocer la violencia digital, las cuales fueron aprobadas en 2018 para tipificar como delito el hecho de compartir material íntimo de una persona sin su consentimiento. Esta no busca moralizar, sino alertar e informar sobre los derechos digitales.
Ciudad de México, febrero de 2024
JUANA CACHONDA RAPEA EN CONTRA DEL CIBERBULLYNG, LA SEXTORSIÓN, EL SHAMING, EL DOXING, EL GROOMING
Una puesta en escena de Teatro Bezbeco para promover y difundir la Ley Olimpia, ante la proliferación de acoso sexual a través de las redes sociales
Del 22 de febrero al 3 de marzo se escenifica en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Teatro Bezbeco regresa para presentar su puesta en escena Juana Cachonda, un texto de Josué Almanza dirigido por Ixchel Flores Machorro, en la que el teatro, la música, la danza y el rap se conjugan para promover la Ley Olimpia, serie de reformas legislativas aprobadas en los años recientes encaminadas a sancionar la violencia digital, la cual perjudica, en mayor grado, a las mujeres y niñas.
Juana Cachonda –que también pone en entredicho el significado actual de esta palabra– hace una temporada de presentaciones del 22 de febrero al 3 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La propuesta cuenta la historia de Juana, una joven estudiante que ingresa por primera vez a la escuela preparatoria. Con los días, descubre que las alumnas se enfrentan cotidianamente a prácticas de ciberbullyng, sextorsión y acoso por parte de sus compañeros, quienes todo lo justifican con el argumento del “amor romántico”.
A través del rap, Juana y sus compañeras exponen al acosador, quien convive con ellas en la misma preparatoria. La acción genera lazos profundos entre el grupo de jóvenes que se convierten en una red de apoyo solidario. De acuerdo a la crítica, la puesta visibiliza y proporciona herramientas para la prevención de situaciones de violencia de género al que se ven expuestas muchas adolescentes de nivel secundaria y preparatoria: prácticas como ciberbullyng, sextorsión, shaming, doxing, grooming (acoso sexual de adultos a menores de edad) que disfrazan de “amor”.
Igualmente, la pieza invita a reelaborar la palabra “cachonda” para nombrar a las chicas que son aguerridas y dueñas de su sensualidad, sin un enfoque moralizante, ya que consideran que todo “cuerpo merece respeto y tiene derecho a explotar su sexualidad sin recriminaciones”.
Desde el tono de comedia dramática, transcurre de manera detectivesca y vertiginosa por diversos escenarios que se crean con el movimiento de escenografía, música y la danza de los actores.
La compañía de teatro Bezbeco se fundó en 2016 en la Ciudad de México y se ha especializado en teatro para niños y niñas y jóvenes audiencias. En marzo del 2021, el Centro Cultural El Hormiguero convocó a la primera edición de su programa Larvas Creativas, con la cual ofreció residencias artísticas con el objetivo de fomentar el desarrollo y la profesionalización de los nuevos artistas mexicanos.
Para ello, las residencias incluyeron el acompañamiento y asesoría de los especialistas de la Coordinación de Talleres de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y vínculos con la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para apoyar la formación de los miembros de la compañía.
Del proyecto interinstitucional surgió la obra Juana Cachonda, con una duración de una hora, dirigida especialmente a jóvenes de 15 a 18 años de edad.
El vestuario es de Miranda López, escenografía de Abigail Puebla e iluminación de Juan Pablo Aguayo. La asesoría en rap es de Cynthia Franco y Marie V y en breaking de Raúl Ramírez. La producción ejecutiva y asistencia de dirección es de Humberto Trejo.
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
La Banda Femenil Ka´ux es una de las más ejemplares e importantes agrupaciones musicales que han surgido en el corazón de la Sierra Mixe de Oaxaca. Está formada por 25 niñas, jóvenes y madres de familia de la comunidad mixe.
La vedette Montserrat Cabaré presenta un concierto tutti-frutti, en el cual la sonoridad emerge de manera muy estimulante, mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador.
El humor envuelve cada uno de los actos haciendo de éste su herramienta más fuerte.
DISFRUTA LA FRUTA, ESPECTÁCULO ÚNICO DE CABARET HECHO EN EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LAS FRUTAS
Una propuesta en tres actos, a manera de “canto sanador y reconciliador”, se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo en el Foro A Poco No
El requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”
Tres actos musicales componen el espectáculo de teatro-cabaret Disfruta la fruta, que presenta la actriz, directora y productora mexicana Montserrat Ángeles Peralta, mejor conocida como Monserrat Cabaré. Se trata de “un concierto tutti frutti”, en el que las sonoridades emergen de manera estimulante mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador, así como el humor envuelve cada uno de los actos.
Disfruta la fruta se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo (excepto el día 8), con funciones de miércoles a domingo, en el Foro A Poco No, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la musicalización de Mariana Vega “MAPO”, iluminación de Mauricio Arizona y fotografía de Cibelle Gaidus, Disfruta la fruta es una respuesta a ese “mundo de desigualdades, de constantes opresiones y de cánones de belleza inalcanzables”, en el que “la mayoría de las mujeres no encajamos”, dice la creadora escénica.
Y agrega: Ahí emerge Disfruta la fruta como “un canto sanador y reconciliador para la aceptación de nuestras cuerpas y el disfrute de nuestra sexualidad”. En la puesta se exploran cada una de las frutas, con todas sus cualidades sonoras, gustativas y visuales.
La propuesta compone una gran melodía y un concierto fuera de lo convencional que, sin duda, echa a volar la imaginación de los asistentes. Se trata –señala la actriz– de un espectáculo único de cabaret hecho en el lenguaje universal de las frutas, por lo que el requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”.
Montserrat Ángeles Peralta es una actriz, directora, cabaretera y cantante de origen mexicano. Egresada de la licenciatura en Actuación por la Escuela Nacional de Arte Teatral en México y del Máster de Creación en Artes de Calle en Cataluña. Con 26 años de experiencia en los escenarios, ha desarrollado su carrera en teatro, cine, televisión, circo, musicales, intervenciones en el espacio público, experiencias inmersivas y en cabaret, especializándose en éste por los últimos 13 años.
Primer unipersonal de Montserrat Ángeles Peralta, la puesta se presenta desde 2021 y ha sido invitada a foros y festivales realizados en Brasil, Colombia, España, Portugal y México.
La vedette Montserrat Cabaré presenta un concierto tutti-frutti, en el cual la sonoridad emerge de manera muy estimulante, mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador.
El humor envuelve cada uno de los actos haciendo de éste su herramienta más fuerte.
DISFRUTA LA FRUTA, ESPECTÁCULO ÚNICO DE CABARET HECHO EN EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LAS FRUTAS
Una propuesta en tres actos, a manera de “canto sanador y reconciliador”, se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo en el Foro A Poco No
El requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”
Tres actos musicales componen el espectáculo de teatro-cabaret Disfruta la fruta, que presenta la actriz, directora y productora mexicana Montserrat Ángeles Peralta, mejor conocida como Monserrat Cabaré. Se trata de “un concierto tutti frutti”, en el que las sonoridades emergen de manera estimulante mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador, así como el humor envuelve cada uno de los actos.
Disfruta la fruta se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo (excepto el día 8), con funciones de miércoles a domingo, en el Foro A Poco No, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la musicalización de Mariana Vega “MAPO”, iluminación de Mauricio Arizona y fotografía de Cibelle Gaidus, Disfruta la fruta es una respuesta a ese “mundo de desigualdades, de constantes opresiones y de cánones de belleza inalcanzables”, en el que “la mayoría de las mujeres no encajamos”, dice la creadora escénica.
Y agrega: Ahí emerge Disfruta la fruta como “un canto sanador y reconciliador para la aceptación de nuestras cuerpas y el disfrute de nuestra sexualidad”. En la puesta se exploran cada una de las frutas, con todas sus cualidades sonoras, gustativas y visuales.
La propuesta compone una gran melodía y un concierto fuera de lo convencional que, sin duda, echa a volar la imaginación de los asistentes. Se trata –señala la actriz– de un espectáculo único de cabaret hecho en el lenguaje universal de las frutas, por lo que el requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”.
Montserrat Ángeles Peralta es una actriz, directora, cabaretera y cantante de origen mexicano. Egresada de la licenciatura en Actuación por la Escuela Nacional de Arte Teatral en México y del Máster de Creación en Artes de Calle en Cataluña. Con 26 años de experiencia en los escenarios, ha desarrollado su carrera en teatro, cine, televisión, circo, musicales, intervenciones en el espacio público, experiencias inmersivas y en cabaret, especializándose en éste por los últimos 13 años.
Primer unipersonal de Montserrat Ángeles Peralta, la puesta se presenta desde 2021 y ha sido invitada a foros y festivales realizados en Brasil, Colombia, España, Portugal y México.
Un monólogo nace en el teatro comunitario como una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, por la tierra, por el ecocidio que ha irrumpido nuestra casa y por las comunidades rurales.
El Coyul cuenta las historias de hombres que trabajan la tierra y de mujeres que atizan el comal de un pueblo ubicada entre el istmo y la costa del estado de Oaxaca, perteneciente a la etnia chontal baja del municipio de San Pedro Huamelula.
La actriz coyuleña llevará de viaje a su pueblo natal, entre carcajadas sabrosas, añoranzas y lágrimas que se desbordan sin permiso. El espectador olerá la comida, vivirá un domingo de beisbol y misa en el pueblo, un miércoles de tianguis, sentirá el calor y se echará una coronita.
EL COYUL, DIÁLOGO CON LA MEMORIA, LA IDENTIDAD Y LA PROTESTA
Escrita por la actriz Esmeralda Aragón y dirigida por ella misma y Gustavo Martínez, la propuesta se presenta del 7 al 17 de marzo en el Teatro Sergio Magaña
En la puesta en escena El Coyul, la compañía de teatro oaxaqueña Pelo de Gato, un ojo al teatro y otro al garabato, ofrece al público un viaje de regreso a la infancia, al origen, al barrio, a la comunidad, ahí donde se nace y forma la identidad.
Escrita y actuada por Esmeralda Aragón y dirigida por Gustavo Martínez y la propia Aragón, El Coyul se escenifica del 7 al 17 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La pieza teatral es un constante amanecer en un pueblito chontal de donde proviene precisamente Esmeralda Aragón –Huamelula, Tehuantepec, Oaxaca–, que se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una hamaca colgada, blanca como la Luna que sonríe en las noches estrelladas, para recordar cómo levitan las paisanas entre un árbol de almendra y una palmera.
“Se trata de un diálogo con la memoria, la identidad y la protesta”, define la actriz y dramaturga de la puesta en escena quien escribió dicho texto para hacer un llamado y reflejo de los problemas que viven los pueblos de Latinoamérica.
La propuesta consta de siete escenas, a manera de los siete días de la semana en la vida en El Coyul: desde un miércoles en el tianguis, un domingo en el béisbol, un día de fiesta, un día después de la tragedia, un día para recordar a quienes ya no están, “un día para recordar a las mujeres de esta localidad que han desaparecido”.
El Coyul nace de “la necesidad de sentirme cerca del lugar de donde soy, para afianzar mi origen, mi identidad. ‘Ahí mero tá enterrado mi ombligo’”, dice la actriz y directora.
“Nace en el calor y el sudor de los hombres que trabajan la tierra y de las mujeres que atizan el comal. También es una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, víctimas de feminicidio, que también nos ha alcanzado, como el rimbombante término modernidad que se nos ha vendido a los pueblos originarios regidos por los usos y costumbres”.
La pieza –informa la protagonista– se estrenó en El Coyul, bajo la sombra de un árbol de cacahuananche, ante más de ochocientas personas que por primera vez veían y sentían teatro. “Mi pueblo: El Coyul, es una hamaca colgada en una orillita del Océano Pacífico”.
Desde su estreno, la puesta en escena ha recorrido 26 estados de la República Mexicana y se ha representado más de 120 veces. Ganó la convocatoria de Producción de Teatro en la categoría de Teatro Comunitario, Oaxaca, 2018, y ha formado parte de la programación del Circuito Nacional de Artes Escénicas 2021, Programación Artística Alas y Raíces 2021, Teatro a Una Sola Voz 2022. Festival de Monólogos-Ruta Norte, y de la 42 Muestra Nacional de Teatro 2022.
Participan en el montaje Sandro y Aldo Bustamante en la música original, Italivi Elorza en la voz y arreglos, Rafael Alonso en el diseño del ambiente sonoro, y Abraham y su grupo Los Chavos en la musicalización.
Un monólogo nace en el teatro comunitario como una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, por la tierra, por el ecocidio que ha irrumpido nuestra casa y por las comunidades rurales.
El Coyul cuenta las historias de hombres que trabajan la tierra y de mujeres que atizan el comal de un pueblo ubicada entre el istmo y la costa del estado de Oaxaca, perteneciente a la etnia chontal baja del municipio de San Pedro Huamelula.
La actriz coyuleña llevará de viaje a su pueblo natal, entre carcajadas sabrosas, añoranzas y lágrimas que se desbordan sin permiso. El espectador olerá la comida, vivirá un domingo de beisbol y misa en el pueblo, un miércoles de tianguis, sentirá el calor y se echará una coronita.
EL COYUL, DIÁLOGO CON LA MEMORIA, LA IDENTIDAD Y LA PROTESTA
Escrita por la actriz Esmeralda Aragón y dirigida por ella misma y Gustavo Martínez, la propuesta se presenta del 7 al 17 de marzo en el Teatro Sergio Magaña
En la puesta en escena El Coyul, la compañía de teatro oaxaqueña Pelo de Gato, un ojo al teatro y otro al garabato, ofrece al público un viaje de regreso a la infancia, al origen, al barrio, a la comunidad, ahí donde se nace y forma la identidad.
Escrita y actuada por Esmeralda Aragón y dirigida por Gustavo Martínez y la propia Aragón, El Coyul se escenifica del 7 al 17 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La pieza teatral es un constante amanecer en un pueblito chontal de donde proviene precisamente Esmeralda Aragón –Huamelula, Tehuantepec, Oaxaca–, que se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una hamaca colgada, blanca como la Luna que sonríe en las noches estrelladas, para recordar cómo levitan las paisanas entre un árbol de almendra y una palmera.
“Se trata de un diálogo con la memoria, la identidad y la protesta”, define la actriz y dramaturga de la puesta en escena quien escribió dicho texto para hacer un llamado y reflejo de los problemas que viven los pueblos de Latinoamérica.
La propuesta consta de siete escenas, a manera de los siete días de la semana en la vida en El Coyul: desde un miércoles en el tianguis, un domingo en el béisbol, un día de fiesta, un día después de la tragedia, un día para recordar a quienes ya no están, “un día para recordar a las mujeres de esta localidad que han desaparecido”.
El Coyul nace de “la necesidad de sentirme cerca del lugar de donde soy, para afianzar mi origen, mi identidad. ‘Ahí mero tá enterrado mi ombligo’”, dice la actriz y directora.
“Nace en el calor y el sudor de los hombres que trabajan la tierra y de las mujeres que atizan el comal. También es una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, víctimas de feminicidio, que también nos ha alcanzado, como el rimbombante término modernidad que se nos ha vendido a los pueblos originarios regidos por los usos y costumbres”.
La pieza –informa la protagonista– se estrenó en El Coyul, bajo la sombra de un árbol de cacahuananche, ante más de ochocientas personas que por primera vez veían y sentían teatro. “Mi pueblo: El Coyul, es una hamaca colgada en una orillita del Océano Pacífico”.
Desde su estreno, la puesta en escena ha recorrido 26 estados de la República Mexicana y se ha representado más de 120 veces. Ganó la convocatoria de Producción de Teatro en la categoría de Teatro Comunitario, Oaxaca, 2018, y ha formado parte de la programación del Circuito Nacional de Artes Escénicas 2021, Programación Artística Alas y Raíces 2021, Teatro a Una Sola Voz 2022. Festival de Monólogos-Ruta Norte, y de la 42 Muestra Nacional de Teatro 2022.
Participan en el montaje Sandro y Aldo Bustamante en la música original, Italivi Elorza en la voz y arreglos, Rafael Alonso en el diseño del ambiente sonoro, y Abraham y su grupo Los Chavos en la musicalización.
Una fiesta feminista transincluyente, llena de Música, Standup, Cabaret, Danza, Artes Visuales y mucho más. Alejandra Ley y sus amigas toman por asalto el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con la tercera edición de La Verbena Sorora, en la cual como cada año se reúnen mujeres diversas con el fin de visibilizar es impulsar el talento femenino y producir un intercambio de saberes y miradas en escena.
¡Vamos toma mi mano, a toda marcha vamos!
MÚSICA, STANDUP, CABARET, DANZA, ARTES VISUALES Y MUCHO MÁS EN LA VERBENA SORORA, UNA FIESTA DE ALEJANDRA LEY
En su tercera edición consecutiva, la propuesta multidisciplinaria se lleva a cabo el sábado 9 de marzo
Es una fiesta feminista transincluyente
Con más de 30 años de trayectoria, Alejandra Ley es considerada una de las más destacadas y polifacéticas protagonistas de la escena mexicana, pues lo mismo se desempeña como actriz, cantante y standupera que como conductora, productora y artivista.
En esta ocasión, es la productora y figura central de La Verbena Sorora, un festival feminista y multidisciplinario, que llega a su tercera edición consecutiva. El próximo sábado 9 de marzo se lleva a cabo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
El espectáculo es un encuentro feminista transincluyente, lleno de música, standup, cabaret, danza, artes visuales y mucho más, que cuenta, en su tercera edición, con la participación de la performancera Erika Bulle, de Cuerpa Lab; de los grupos femeniles Las Pinups y Las Billies, las standuperas Paty Bacelis y La Bea, y la compañía Gordas Expansivas Burlesqueras.
Alejandra Ley y sus amigas, en la presente edición, toman nuevamente por asalto el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris para reunir a mujeres diversas en el espectáculo hecho por y para todas las personas. “Este #9M sí nos moveremos. ¡Por nosotras!, ¡las que luchamos, las que resistimos! y cantaremos por las que ya no están. ¡#NiUnaMenos!”, afirma la artista, quien es la autora de la idea original y de la curaduría del espectáculo, así como del tema musical, junto con Alba Rosas.
El elenco incluye como co-conductoras a la activista y defensora de los derechos humanos Kenya Cuevas, a la creadora de contenidos Ophelia Pastrana "La explicatriz", a la actriz y patinadora artística sobre hielo Fernanda Ley, y a Claudia Silki, actriz y escritora.
Además, suben al escenario la creadora de Cuerpa Lab, la activista y performer Érika Bulle, el grupo Gordas Expansivas Burlesqueras, quienes usan el cabaret como herramienta política, y las standuperas Paty Bacelis y La Bea, quienes manejan un humor ácido e irreverente.
También participan el reconocido ensamble Las Billies; la cantante, rapera, poeta y feminista Audry Funk, y Las Pinups, grupo integrado por Alba Rosas (dirección musical y piano), Alejandra Ley (vocalista), Andy Mora (baterista), Clau Arellano (guitarra y live looping), y Zoilé (bajo). Se destaca, la participación de la cumbia-cabaret-beat electrónico de Las Luz y Fuerza, quienes festejan 10 años de exitosa trayectoria.
Asimismo, el escenario se llena de color con el trabajo de las artistas visuales Andrea Murcia, fotógrafa ganadora del premio Walter Reuter 2021 y del Premio Nacional de Periodismo 2021; Lutrec, diseñadora oficial del Festival, así como la tatuadora e ilustradora punk Parani.
Un monólogo nace en el teatro comunitario como una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, por la tierra, por el ecocidio que ha irrumpido nuestra casa y por las comunidades rurales.
El Coyul cuenta las historias de hombres que trabajan la tierra y de mujeres que atizan el comal de un pueblo ubicada entre el istmo y la costa del estado de Oaxaca, perteneciente a la etnia chontal baja del municipio de San Pedro Huamelula.
La actriz coyuleña llevará de viaje a su pueblo natal, entre carcajadas sabrosas, añoranzas y lágrimas que se desbordan sin permiso. El espectador olerá la comida, vivirá un domingo de beisbol y misa en el pueblo, un miércoles de tianguis, sentirá el calor y se echará una coronita.
EL COYUL, DIÁLOGO CON LA MEMORIA, LA IDENTIDAD Y LA PROTESTA
Escrita por la actriz Esmeralda Aragón y dirigida por ella misma y Gustavo Martínez, la propuesta se presenta del 7 al 17 de marzo en el Teatro Sergio Magaña
En la puesta en escena El Coyul, la compañía de teatro oaxaqueña Pelo de Gato, un ojo al teatro y otro al garabato, ofrece al público un viaje de regreso a la infancia, al origen, al barrio, a la comunidad, ahí donde se nace y forma la identidad.
Escrita y actuada por Esmeralda Aragón y dirigida por Gustavo Martínez y la propia Aragón, El Coyul se escenifica del 7 al 17 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La pieza teatral es un constante amanecer en un pueblito chontal de donde proviene precisamente Esmeralda Aragón –Huamelula, Tehuantepec, Oaxaca–, que se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una hamaca colgada, blanca como la Luna que sonríe en las noches estrelladas, para recordar cómo levitan las paisanas entre un árbol de almendra y una palmera.
“Se trata de un diálogo con la memoria, la identidad y la protesta”, define la actriz y dramaturga de la puesta en escena quien escribió dicho texto para hacer un llamado y reflejo de los problemas que viven los pueblos de Latinoamérica.
La propuesta consta de siete escenas, a manera de los siete días de la semana en la vida en El Coyul: desde un miércoles en el tianguis, un domingo en el béisbol, un día de fiesta, un día después de la tragedia, un día para recordar a quienes ya no están, “un día para recordar a las mujeres de esta localidad que han desaparecido”.
El Coyul nace de “la necesidad de sentirme cerca del lugar de donde soy, para afianzar mi origen, mi identidad. ‘Ahí mero tá enterrado mi ombligo’”, dice la actriz y directora.
“Nace en el calor y el sudor de los hombres que trabajan la tierra y de las mujeres que atizan el comal. También es una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, víctimas de feminicidio, que también nos ha alcanzado, como el rimbombante término modernidad que se nos ha vendido a los pueblos originarios regidos por los usos y costumbres”.
La pieza –informa la protagonista– se estrenó en El Coyul, bajo la sombra de un árbol de cacahuananche, ante más de ochocientas personas que por primera vez veían y sentían teatro. “Mi pueblo: El Coyul, es una hamaca colgada en una orillita del Océano Pacífico”.
Desde su estreno, la puesta en escena ha recorrido 26 estados de la República Mexicana y se ha representado más de 120 veces. Ganó la convocatoria de Producción de Teatro en la categoría de Teatro Comunitario, Oaxaca, 2018, y ha formado parte de la programación del Circuito Nacional de Artes Escénicas 2021, Programación Artística Alas y Raíces 2021, Teatro a Una Sola Voz 2022. Festival de Monólogos-Ruta Norte, y de la 42 Muestra Nacional de Teatro 2022.
Participan en el montaje Sandro y Aldo Bustamante en la música original, Italivi Elorza en la voz y arreglos, Rafael Alonso en el diseño del ambiente sonoro, y Abraham y su grupo Los Chavos en la musicalización.
La vedette Montserrat Cabaré presenta un concierto tutti-frutti, en el cual la sonoridad emerge de manera muy estimulante, mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador.
El humor envuelve cada uno de los actos haciendo de éste su herramienta más fuerte.
DISFRUTA LA FRUTA, ESPECTÁCULO ÚNICO DE CABARET HECHO EN EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LAS FRUTAS
Una propuesta en tres actos, a manera de “canto sanador y reconciliador”, se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo en el Foro A Poco No
El requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”
Tres actos musicales componen el espectáculo de teatro-cabaret Disfruta la fruta, que presenta la actriz, directora y productora mexicana Montserrat Ángeles Peralta, mejor conocida como Monserrat Cabaré. Se trata de “un concierto tutti frutti”, en el que las sonoridades emergen de manera estimulante mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador, así como el humor envuelve cada uno de los actos.
Disfruta la fruta se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo (excepto el día 8), con funciones de miércoles a domingo, en el Foro A Poco No, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la musicalización de Mariana Vega “MAPO”, iluminación de Mauricio Arizona y fotografía de Cibelle Gaidus, Disfruta la fruta es una respuesta a ese “mundo de desigualdades, de constantes opresiones y de cánones de belleza inalcanzables”, en el que “la mayoría de las mujeres no encajamos”, dice la creadora escénica.
Y agrega: Ahí emerge Disfruta la fruta como “un canto sanador y reconciliador para la aceptación de nuestras cuerpas y el disfrute de nuestra sexualidad”. En la puesta se exploran cada una de las frutas, con todas sus cualidades sonoras, gustativas y visuales.
La propuesta compone una gran melodía y un concierto fuera de lo convencional que, sin duda, echa a volar la imaginación de los asistentes. Se trata –señala la actriz– de un espectáculo único de cabaret hecho en el lenguaje universal de las frutas, por lo que el requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”.
Montserrat Ángeles Peralta es una actriz, directora, cabaretera y cantante de origen mexicano. Egresada de la licenciatura en Actuación por la Escuela Nacional de Arte Teatral en México y del Máster de Creación en Artes de Calle en Cataluña. Con 26 años de experiencia en los escenarios, ha desarrollado su carrera en teatro, cine, televisión, circo, musicales, intervenciones en el espacio público, experiencias inmersivas y en cabaret, especializándose en éste por los últimos 13 años.
Primer unipersonal de Montserrat Ángeles Peralta, la puesta se presenta desde 2021 y ha sido invitada a foros y festivales realizados en Brasil, Colombia, España, Portugal y México.
La vedette Montserrat Cabaré presenta un concierto tutti-frutti, en el cual la sonoridad emerge de manera muy estimulante, mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador.
El humor envuelve cada uno de los actos haciendo de éste su herramienta más fuerte.
DISFRUTA LA FRUTA, ESPECTÁCULO ÚNICO DE CABARET HECHO EN EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LAS FRUTAS
Una propuesta en tres actos, a manera de “canto sanador y reconciliador”, se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo en el Foro A Poco No
El requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”
Tres actos musicales componen el espectáculo de teatro-cabaret Disfruta la fruta, que presenta la actriz, directora y productora mexicana Montserrat Ángeles Peralta, mejor conocida como Monserrat Cabaré. Se trata de “un concierto tutti frutti”, en el que las sonoridades emergen de manera estimulante mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador, así como el humor envuelve cada uno de los actos.
Disfruta la fruta se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo (excepto el día 8), con funciones de miércoles a domingo, en el Foro A Poco No, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la musicalización de Mariana Vega “MAPO”, iluminación de Mauricio Arizona y fotografía de Cibelle Gaidus, Disfruta la fruta es una respuesta a ese “mundo de desigualdades, de constantes opresiones y de cánones de belleza inalcanzables”, en el que “la mayoría de las mujeres no encajamos”, dice la creadora escénica.
Y agrega: Ahí emerge Disfruta la fruta como “un canto sanador y reconciliador para la aceptación de nuestras cuerpas y el disfrute de nuestra sexualidad”. En la puesta se exploran cada una de las frutas, con todas sus cualidades sonoras, gustativas y visuales.
La propuesta compone una gran melodía y un concierto fuera de lo convencional que, sin duda, echa a volar la imaginación de los asistentes. Se trata –señala la actriz– de un espectáculo único de cabaret hecho en el lenguaje universal de las frutas, por lo que el requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”.
Montserrat Ángeles Peralta es una actriz, directora, cabaretera y cantante de origen mexicano. Egresada de la licenciatura en Actuación por la Escuela Nacional de Arte Teatral en México y del Máster de Creación en Artes de Calle en Cataluña. Con 26 años de experiencia en los escenarios, ha desarrollado su carrera en teatro, cine, televisión, circo, musicales, intervenciones en el espacio público, experiencias inmersivas y en cabaret, especializándose en éste por los últimos 13 años.
Primer unipersonal de Montserrat Ángeles Peralta, la puesta se presenta desde 2021 y ha sido invitada a foros y festivales realizados en Brasil, Colombia, España, Portugal y México.
Un monólogo nace en el teatro comunitario como una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, por la tierra, por el ecocidio que ha irrumpido nuestra casa y por las comunidades rurales.
El Coyul cuenta las historias de hombres que trabajan la tierra y de mujeres que atizan el comal de un pueblo ubicada entre el istmo y la costa del estado de Oaxaca, perteneciente a la etnia chontal baja del municipio de San Pedro Huamelula.
La actriz coyuleña llevará de viaje a su pueblo natal, entre carcajadas sabrosas, añoranzas y lágrimas que se desbordan sin permiso. El espectador olerá la comida, vivirá un domingo de beisbol y misa en el pueblo, un miércoles de tianguis, sentirá el calor y se echará una coronita.
EL COYUL, DIÁLOGO CON LA MEMORIA, LA IDENTIDAD Y LA PROTESTA
Escrita por la actriz Esmeralda Aragón y dirigida por ella misma y Gustavo Martínez, la propuesta se presenta del 7 al 17 de marzo en el Teatro Sergio Magaña
En la puesta en escena El Coyul, la compañía de teatro oaxaqueña Pelo de Gato, un ojo al teatro y otro al garabato, ofrece al público un viaje de regreso a la infancia, al origen, al barrio, a la comunidad, ahí donde se nace y forma la identidad.
Escrita y actuada por Esmeralda Aragón y dirigida por Gustavo Martínez y la propia Aragón, El Coyul se escenifica del 7 al 17 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La pieza teatral es un constante amanecer en un pueblito chontal de donde proviene precisamente Esmeralda Aragón –Huamelula, Tehuantepec, Oaxaca–, que se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una hamaca colgada, blanca como la Luna que sonríe en las noches estrelladas, para recordar cómo levitan las paisanas entre un árbol de almendra y una palmera.
“Se trata de un diálogo con la memoria, la identidad y la protesta”, define la actriz y dramaturga de la puesta en escena quien escribió dicho texto para hacer un llamado y reflejo de los problemas que viven los pueblos de Latinoamérica.
La propuesta consta de siete escenas, a manera de los siete días de la semana en la vida en El Coyul: desde un miércoles en el tianguis, un domingo en el béisbol, un día de fiesta, un día después de la tragedia, un día para recordar a quienes ya no están, “un día para recordar a las mujeres de esta localidad que han desaparecido”.
El Coyul nace de “la necesidad de sentirme cerca del lugar de donde soy, para afianzar mi origen, mi identidad. ‘Ahí mero tá enterrado mi ombligo’”, dice la actriz y directora.
“Nace en el calor y el sudor de los hombres que trabajan la tierra y de las mujeres que atizan el comal. También es una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, víctimas de feminicidio, que también nos ha alcanzado, como el rimbombante término modernidad que se nos ha vendido a los pueblos originarios regidos por los usos y costumbres”.
La pieza –informa la protagonista– se estrenó en El Coyul, bajo la sombra de un árbol de cacahuananche, ante más de ochocientas personas que por primera vez veían y sentían teatro. “Mi pueblo: El Coyul, es una hamaca colgada en una orillita del Océano Pacífico”.
Desde su estreno, la puesta en escena ha recorrido 26 estados de la República Mexicana y se ha representado más de 120 veces. Ganó la convocatoria de Producción de Teatro en la categoría de Teatro Comunitario, Oaxaca, 2018, y ha formado parte de la programación del Circuito Nacional de Artes Escénicas 2021, Programación Artística Alas y Raíces 2021, Teatro a Una Sola Voz 2022. Festival de Monólogos-Ruta Norte, y de la 42 Muestra Nacional de Teatro 2022.
Participan en el montaje Sandro y Aldo Bustamante en la música original, Italivi Elorza en la voz y arreglos, Rafael Alonso en el diseño del ambiente sonoro, y Abraham y su grupo Los Chavos en la musicalización.
Hace 25 años se sembraron nuevas semillas de fe y alegría. Entusiastas soñadores, buscaron germinar el suelo de la danza. Los pies descalzos del pueblo emprendieron presurosos la encomienda. Con los vientos en contra, labraron y regaron con lágrimas la tierra. Pero ,a pesar de todo, soñaban, imaginaban. Frondosa cosecha, que al tiempo reconoce la memoria de los pasos.
Un monólogo nace en el teatro comunitario como una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, por la tierra, por el ecocidio que ha irrumpido nuestra casa y por las comunidades rurales.
El Coyul cuenta las historias de hombres que trabajan la tierra y de mujeres que atizan el comal de un pueblo ubicada entre el istmo y la costa del estado de Oaxaca, perteneciente a la etnia chontal baja del municipio de San Pedro Huamelula.
La actriz coyuleña llevará de viaje a su pueblo natal, entre carcajadas sabrosas, añoranzas y lágrimas que se desbordan sin permiso. El espectador olerá la comida, vivirá un domingo de beisbol y misa en el pueblo, un miércoles de tianguis, sentirá el calor y se echará una coronita.
EL COYUL, DIÁLOGO CON LA MEMORIA, LA IDENTIDAD Y LA PROTESTA
Escrita por la actriz Esmeralda Aragón y dirigida por ella misma y Gustavo Martínez, la propuesta se presenta del 7 al 17 de marzo en el Teatro Sergio Magaña
En la puesta en escena El Coyul, la compañía de teatro oaxaqueña Pelo de Gato, un ojo al teatro y otro al garabato, ofrece al público un viaje de regreso a la infancia, al origen, al barrio, a la comunidad, ahí donde se nace y forma la identidad.
Escrita y actuada por Esmeralda Aragón y dirigida por Gustavo Martínez y la propia Aragón, El Coyul se escenifica del 7 al 17 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La pieza teatral es un constante amanecer en un pueblito chontal de donde proviene precisamente Esmeralda Aragón –Huamelula, Tehuantepec, Oaxaca–, que se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una hamaca colgada, blanca como la Luna que sonríe en las noches estrelladas, para recordar cómo levitan las paisanas entre un árbol de almendra y una palmera.
“Se trata de un diálogo con la memoria, la identidad y la protesta”, define la actriz y dramaturga de la puesta en escena quien escribió dicho texto para hacer un llamado y reflejo de los problemas que viven los pueblos de Latinoamérica.
La propuesta consta de siete escenas, a manera de los siete días de la semana en la vida en El Coyul: desde un miércoles en el tianguis, un domingo en el béisbol, un día de fiesta, un día después de la tragedia, un día para recordar a quienes ya no están, “un día para recordar a las mujeres de esta localidad que han desaparecido”.
El Coyul nace de “la necesidad de sentirme cerca del lugar de donde soy, para afianzar mi origen, mi identidad. ‘Ahí mero tá enterrado mi ombligo’”, dice la actriz y directora.
“Nace en el calor y el sudor de los hombres que trabajan la tierra y de las mujeres que atizan el comal. También es una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, víctimas de feminicidio, que también nos ha alcanzado, como el rimbombante término modernidad que se nos ha vendido a los pueblos originarios regidos por los usos y costumbres”.
La pieza –informa la protagonista– se estrenó en El Coyul, bajo la sombra de un árbol de cacahuananche, ante más de ochocientas personas que por primera vez veían y sentían teatro. “Mi pueblo: El Coyul, es una hamaca colgada en una orillita del Océano Pacífico”.
Desde su estreno, la puesta en escena ha recorrido 26 estados de la República Mexicana y se ha representado más de 120 veces. Ganó la convocatoria de Producción de Teatro en la categoría de Teatro Comunitario, Oaxaca, 2018, y ha formado parte de la programación del Circuito Nacional de Artes Escénicas 2021, Programación Artística Alas y Raíces 2021, Teatro a Una Sola Voz 2022. Festival de Monólogos-Ruta Norte, y de la 42 Muestra Nacional de Teatro 2022.
Participan en el montaje Sandro y Aldo Bustamante en la música original, Italivi Elorza en la voz y arreglos, Rafael Alonso en el diseño del ambiente sonoro, y Abraham y su grupo Los Chavos en la musicalización.
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
Kevin Johansen y Liniers despliegan un espectáculo único en el cual la música, los dibujos, el humor y una complicidad inigualable, conviven y se potencian.
Johansen ofrece un recorrido por las canciones más reconocidas de su discografía, mientras Liniers las improvisa y recrea en dibujos en tiempo real sobre una pantalla colocada como fondo del escenario.
¿Un libro en vivo o un concierto ilustrado? una oportunidad única para apreciar y disfrutar del consumado dúo y su arte.
Un monólogo nace en el teatro comunitario como una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, por la tierra, por el ecocidio que ha irrumpido nuestra casa y por las comunidades rurales.
El Coyul cuenta las historias de hombres que trabajan la tierra y de mujeres que atizan el comal de un pueblo ubicada entre el istmo y la costa del estado de Oaxaca, perteneciente a la etnia chontal baja del municipio de San Pedro Huamelula.
La actriz coyuleña llevará de viaje a su pueblo natal, entre carcajadas sabrosas, añoranzas y lágrimas que se desbordan sin permiso. El espectador olerá la comida, vivirá un domingo de beisbol y misa en el pueblo, un miércoles de tianguis, sentirá el calor y se echará una coronita.
EL COYUL, DIÁLOGO CON LA MEMORIA, LA IDENTIDAD Y LA PROTESTA
Escrita por la actriz Esmeralda Aragón y dirigida por ella misma y Gustavo Martínez, la propuesta se presenta del 7 al 17 de marzo en el Teatro Sergio Magaña
En la puesta en escena El Coyul, la compañía de teatro oaxaqueña Pelo de Gato, un ojo al teatro y otro al garabato, ofrece al público un viaje de regreso a la infancia, al origen, al barrio, a la comunidad, ahí donde se nace y forma la identidad.
Escrita y actuada por Esmeralda Aragón y dirigida por Gustavo Martínez y la propia Aragón, El Coyul se escenifica del 7 al 17 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La pieza teatral es un constante amanecer en un pueblito chontal de donde proviene precisamente Esmeralda Aragón –Huamelula, Tehuantepec, Oaxaca–, que se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una hamaca colgada, blanca como la Luna que sonríe en las noches estrelladas, para recordar cómo levitan las paisanas entre un árbol de almendra y una palmera.
“Se trata de un diálogo con la memoria, la identidad y la protesta”, define la actriz y dramaturga de la puesta en escena quien escribió dicho texto para hacer un llamado y reflejo de los problemas que viven los pueblos de Latinoamérica.
La propuesta consta de siete escenas, a manera de los siete días de la semana en la vida en El Coyul: desde un miércoles en el tianguis, un domingo en el béisbol, un día de fiesta, un día después de la tragedia, un día para recordar a quienes ya no están, “un día para recordar a las mujeres de esta localidad que han desaparecido”.
El Coyul nace de “la necesidad de sentirme cerca del lugar de donde soy, para afianzar mi origen, mi identidad. ‘Ahí mero tá enterrado mi ombligo’”, dice la actriz y directora.
“Nace en el calor y el sudor de los hombres que trabajan la tierra y de las mujeres que atizan el comal. También es una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, víctimas de feminicidio, que también nos ha alcanzado, como el rimbombante término modernidad que se nos ha vendido a los pueblos originarios regidos por los usos y costumbres”.
La pieza –informa la protagonista– se estrenó en El Coyul, bajo la sombra de un árbol de cacahuananche, ante más de ochocientas personas que por primera vez veían y sentían teatro. “Mi pueblo: El Coyul, es una hamaca colgada en una orillita del Océano Pacífico”.
Desde su estreno, la puesta en escena ha recorrido 26 estados de la República Mexicana y se ha representado más de 120 veces. Ganó la convocatoria de Producción de Teatro en la categoría de Teatro Comunitario, Oaxaca, 2018, y ha formado parte de la programación del Circuito Nacional de Artes Escénicas 2021, Programación Artística Alas y Raíces 2021, Teatro a Una Sola Voz 2022. Festival de Monólogos-Ruta Norte, y de la 42 Muestra Nacional de Teatro 2022.
Participan en el montaje Sandro y Aldo Bustamante en la música original, Italivi Elorza en la voz y arreglos, Rafael Alonso en el diseño del ambiente sonoro, y Abraham y su grupo Los Chavos en la musicalización.
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
Entelequia es el pueblo en el que existen las niñas y niños más inteligentes. Los brujos Sulán y Beltrá de pronto se quedan sin ideas y se retan a un duelo de creatividad. Comienzan a secuestrar niños del pueblo para ganar.
¿Quién logrará rescatar a los niños?, ¿quién ganará el duelo?
Acompañado de música, canciones, títeres y más, disfruta de esta fantástica historia que pondrá en juego la creatividad.
Un monólogo nace en el teatro comunitario como una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, por la tierra, por el ecocidio que ha irrumpido nuestra casa y por las comunidades rurales.
El Coyul cuenta las historias de hombres que trabajan la tierra y de mujeres que atizan el comal de un pueblo ubicada entre el istmo y la costa del estado de Oaxaca, perteneciente a la etnia chontal baja del municipio de San Pedro Huamelula.
La actriz coyuleña llevará de viaje a su pueblo natal, entre carcajadas sabrosas, añoranzas y lágrimas que se desbordan sin permiso. El espectador olerá la comida, vivirá un domingo de beisbol y misa en el pueblo, un miércoles de tianguis, sentirá el calor y se echará una coronita.
EL COYUL, DIÁLOGO CON LA MEMORIA, LA IDENTIDAD Y LA PROTESTA
Escrita por la actriz Esmeralda Aragón y dirigida por ella misma y Gustavo Martínez, la propuesta se presenta del 7 al 17 de marzo en el Teatro Sergio Magaña
En la puesta en escena El Coyul, la compañía de teatro oaxaqueña Pelo de Gato, un ojo al teatro y otro al garabato, ofrece al público un viaje de regreso a la infancia, al origen, al barrio, a la comunidad, ahí donde se nace y forma la identidad.
Escrita y actuada por Esmeralda Aragón y dirigida por Gustavo Martínez y la propia Aragón, El Coyul se escenifica del 7 al 17 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La pieza teatral es un constante amanecer en un pueblito chontal de donde proviene precisamente Esmeralda Aragón –Huamelula, Tehuantepec, Oaxaca–, que se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una hamaca colgada, blanca como la Luna que sonríe en las noches estrelladas, para recordar cómo levitan las paisanas entre un árbol de almendra y una palmera.
“Se trata de un diálogo con la memoria, la identidad y la protesta”, define la actriz y dramaturga de la puesta en escena quien escribió dicho texto para hacer un llamado y reflejo de los problemas que viven los pueblos de Latinoamérica.
La propuesta consta de siete escenas, a manera de los siete días de la semana en la vida en El Coyul: desde un miércoles en el tianguis, un domingo en el béisbol, un día de fiesta, un día después de la tragedia, un día para recordar a quienes ya no están, “un día para recordar a las mujeres de esta localidad que han desaparecido”.
El Coyul nace de “la necesidad de sentirme cerca del lugar de donde soy, para afianzar mi origen, mi identidad. ‘Ahí mero tá enterrado mi ombligo’”, dice la actriz y directora.
“Nace en el calor y el sudor de los hombres que trabajan la tierra y de las mujeres que atizan el comal. También es una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, víctimas de feminicidio, que también nos ha alcanzado, como el rimbombante término modernidad que se nos ha vendido a los pueblos originarios regidos por los usos y costumbres”.
La pieza –informa la protagonista– se estrenó en El Coyul, bajo la sombra de un árbol de cacahuananche, ante más de ochocientas personas que por primera vez veían y sentían teatro. “Mi pueblo: El Coyul, es una hamaca colgada en una orillita del Océano Pacífico”.
Desde su estreno, la puesta en escena ha recorrido 26 estados de la República Mexicana y se ha representado más de 120 veces. Ganó la convocatoria de Producción de Teatro en la categoría de Teatro Comunitario, Oaxaca, 2018, y ha formado parte de la programación del Circuito Nacional de Artes Escénicas 2021, Programación Artística Alas y Raíces 2021, Teatro a Una Sola Voz 2022. Festival de Monólogos-Ruta Norte, y de la 42 Muestra Nacional de Teatro 2022.
Participan en el montaje Sandro y Aldo Bustamante en la música original, Italivi Elorza en la voz y arreglos, Rafael Alonso en el diseño del ambiente sonoro, y Abraham y su grupo Los Chavos en la musicalización.
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
Entelequia es el pueblo en el que existen las niñas y niños más inteligentes. Los brujos Sulán y Beltrá de pronto se quedan sin ideas y se retan a un duelo de creatividad. Comienzan a secuestrar niños del pueblo para ganar.
¿Quién logrará rescatar a los niños?, ¿quién ganará el duelo?
Acompañado de música, canciones, títeres y más, disfruta de esta fantástica historia que pondrá en juego la creatividad.
Un monólogo nace en el teatro comunitario como una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, por la tierra, por el ecocidio que ha irrumpido nuestra casa y por las comunidades rurales.
El Coyul cuenta las historias de hombres que trabajan la tierra y de mujeres que atizan el comal de un pueblo ubicada entre el istmo y la costa del estado de Oaxaca, perteneciente a la etnia chontal baja del municipio de San Pedro Huamelula.
La actriz coyuleña llevará de viaje a su pueblo natal, entre carcajadas sabrosas, añoranzas y lágrimas que se desbordan sin permiso. El espectador olerá la comida, vivirá un domingo de beisbol y misa en el pueblo, un miércoles de tianguis, sentirá el calor y se echará una coronita.
EL COYUL, DIÁLOGO CON LA MEMORIA, LA IDENTIDAD Y LA PROTESTA
Escrita por la actriz Esmeralda Aragón y dirigida por ella misma y Gustavo Martínez, la propuesta se presenta del 7 al 17 de marzo en el Teatro Sergio Magaña
En la puesta en escena El Coyul, la compañía de teatro oaxaqueña Pelo de Gato, un ojo al teatro y otro al garabato, ofrece al público un viaje de regreso a la infancia, al origen, al barrio, a la comunidad, ahí donde se nace y forma la identidad.
Escrita y actuada por Esmeralda Aragón y dirigida por Gustavo Martínez y la propia Aragón, El Coyul se escenifica del 7 al 17 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La pieza teatral es un constante amanecer en un pueblito chontal de donde proviene precisamente Esmeralda Aragón –Huamelula, Tehuantepec, Oaxaca–, que se pinta de día, de noche, de fuego y añoranzas. Es una hamaca colgada, blanca como la Luna que sonríe en las noches estrelladas, para recordar cómo levitan las paisanas entre un árbol de almendra y una palmera.
“Se trata de un diálogo con la memoria, la identidad y la protesta”, define la actriz y dramaturga de la puesta en escena quien escribió dicho texto para hacer un llamado y reflejo de los problemas que viven los pueblos de Latinoamérica.
La propuesta consta de siete escenas, a manera de los siete días de la semana en la vida en El Coyul: desde un miércoles en el tianguis, un domingo en el béisbol, un día de fiesta, un día después de la tragedia, un día para recordar a quienes ya no están, “un día para recordar a las mujeres de esta localidad que han desaparecido”.
El Coyul nace de “la necesidad de sentirme cerca del lugar de donde soy, para afianzar mi origen, mi identidad. ‘Ahí mero tá enterrado mi ombligo’”, dice la actriz y directora.
“Nace en el calor y el sudor de los hombres que trabajan la tierra y de las mujeres que atizan el comal. También es una protesta por la vida, por las compañeras desaparecidas, víctimas de feminicidio, que también nos ha alcanzado, como el rimbombante término modernidad que se nos ha vendido a los pueblos originarios regidos por los usos y costumbres”.
La pieza –informa la protagonista– se estrenó en El Coyul, bajo la sombra de un árbol de cacahuananche, ante más de ochocientas personas que por primera vez veían y sentían teatro. “Mi pueblo: El Coyul, es una hamaca colgada en una orillita del Océano Pacífico”.
Desde su estreno, la puesta en escena ha recorrido 26 estados de la República Mexicana y se ha representado más de 120 veces. Ganó la convocatoria de Producción de Teatro en la categoría de Teatro Comunitario, Oaxaca, 2018, y ha formado parte de la programación del Circuito Nacional de Artes Escénicas 2021, Programación Artística Alas y Raíces 2021, Teatro a Una Sola Voz 2022. Festival de Monólogos-Ruta Norte, y de la 42 Muestra Nacional de Teatro 2022.
Participan en el montaje Sandro y Aldo Bustamante en la música original, Italivi Elorza en la voz y arreglos, Rafael Alonso en el diseño del ambiente sonoro, y Abraham y su grupo Los Chavos en la musicalización.
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
Una experiencia performática, inmersiva y multisensorial, en la cual el cuerpo del espectador es la pantalla. Con los ojos cerrados recibe una secuencia de activaciones perceptuales y una película experimental creada en vivo (live media) que se proyecta sobre sus párpados, mientras recibe otros estímulos que inducen un viaje al interior del cuerpo que se da a través de la percepción del público y que busca que afloren ciertas narrativas latentes desde la memoria que guardan los órganos internos.
ALU*CINE O CINE DE PÁRPADOS, EXPERIENCIA MULTISENSORIAL EN LA QUE EL CUERPO HUMANO SE CONVIERTE EN UNA PANTALLA
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña
La creadora artista, científica y luchadora social Minerva H. Trejo produce y dirige el proyecto transdisciplinario Alu*Cine o Cine de Párpados, una experiencia multisensorial en la que el espectador es la pantalla en la que se proyectan una serie de emociones que invitan a un viaje al interior de la consciencia.
Con los ojos cerrados, los asistentes al espectáculo reciben como estímulo una película experimental creada en vivo (live media), la cual se proyecta sobre su cuerpo y párpados, al tiempo que reciben otros estímulos a través de todos sus sentidos, que lo inducen a un viaje al interior de su cuerpo y, por lo tanto, a la propia conciencia.
La experiencia inmersiva a través de la percepción busca que afloren y se desarrollen ciertas narrativas que surgen desde la memoria que guardan los órganos internos del cuerpo humano, dice la directora y productora Minerva H. Trejo, quien es autora de una serie de creaciones escénicas y telemáticas que giran en torno a la relación entre cuerpo, percepción, vitalidad, empatía, ciencia y tecnología.
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, el espectáculo Alu*Cine o Cine de Párpados se presenta en cuatro únicas funciones, del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Alu*Cine o Cine de Párpados es producto de una investigación artístico-científica que comenzó en 2002, en la que se buscaba convertir la frecuencia cardiaca del espectador en estímulos cromáticos con el fin de generar un dispositivo que permitiera la auto-sanación.
La cenestesia es un concepto asociado principalmente a la psicología, que se explica como la capacidad de percibir y sentir (hacer consciente) los órganos internos del cuerpo, afirman los integrantes del grupo. Esa posibilidad –agregan– es lo que abre una amplia gama de líneas de investigación artística y escénica que incluyen, por ejemplo, la metaforización del cuerpo físico, el cuerpo individual y/o colectivo, el cuerpo social, el cuerpo del sueño y el cuerpo digital, para entender a cada individuo como un órgano en sí mismo y/o como parte de algo más complejo, integrados a un todo.
“Nos aproximamos a este concepto y sus posibilidades –comentan los integrantes de la compañía– a partir de la lectura del artículo Kinestesia y cenestesia. Las dimensiones olvidadas. Apuntes para una antropología de las sensaciones, de Héctor Darío Aguirre Arvizu.”
Por otra parte, expilca la directora de la compañía: “Lo pensamos desde cómo se relaciona lo emocional con el color, al tomar como ejemplo a Goethe, que buscó aportar humanidad a la fría ciencia de Newton y en su libro Zur Farbenlehre (Teoría de los colores, 1810) desarrolló una teoría subjetiva, asociando un color diferente a cada sensación”.
En la propuesta participan los co-creadores y performers: Ezequiel Steinman, Myriam Beutelspacher, Alejandro Ortiz González y Nayla Altamirano, con la colaboración de Roberto Rojas Madrid. La música en vivo es de Vania Fortuna y la live media es de la propia Minerva H. Trejo.
La puesta en escena cuenta con el apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) de la Secretaría de Cultura, a través del programa México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA).
Construido desde una estructura de circo contemporáneo con una estética afro-mexicana y nutrido de un lenguaje dancístico y teatral, el espectáculo multidisciplinario permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento.
Transita por nuestros secretos y ausencias, a través de la acrobacia, la música y el movimiento. Los tambores y los pies golpeando el piso representan la resistencia, el trabajo y la perseverancia para presenciar el día que llueva en el desierto, ser el fruto de nuestra lucha y convertirnos en mujer de tierra, mujer árbol, mujer baobab.
“Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza.”
TEATRO, DANZA Y ACROBACIA REFLEXIONAN SOBRE LA MIGRACIÓN EN BAOBAB
A partir de una idea de su directora Sabina León, el espectáculo se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Benito Juárez
Proyecto Espoir es el nombre de la compañía escénica e interdisciplinaria que busca convertirse en un espacio de refugio artístico, en el que las mujeres puedan expresarse, cuestionarse, responderse y hablar de lo que han callado siempre.
En el idioma francés, "espoir" significa esperanza, “pero muy lejos de romantizar la palabra, lo nuestro es tan solo la intención irónica de recordar constantemente, de aferrarnos a ella cuando ya no existe”, afirman sus integrantes.
En una mezcla de teatro, danza, música, artes circenses y más, Proyecto Espoir ha construido el espectáculo multidisciplinario Baobab, a partir de una idea original y dirección de Sabina León, el cual se presenta del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Benito Juárez de la colonia Cuauhtémoc, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En Baobab participan la acróbata y bailarina mexicana Sabina León, la compositora e intérprete suiza-mexicana Hai von Son y la bailarina y coreógrafa italiana Nicoletta Bonanni. Las tres han creado un espectáculo multidisciplinario a partir de una estructura de circo contemporáneo, con una estética afro-mexicana, nutrida de un lenguaje dancístico y teatral, pero también con una sólida base musical.
En escena, Sabina León y Heidi Von Son de Fernex (con su música) entretejen un lenguaje propio entre acrodanza, suspensión capilar, danza afroantillana y contemporánea, texto libre, percusiones africanas, música popular mexicana y percusión corporal.
Todas esas expresiones están referidas a a la resistencia, el trabajo y a la perseverancia. “A través de la representación del mar, del gran océano y de barcos, el espectáculo hace alusión a la migración, al hecho de dejar la tierra natal y a los cercanos en busca de nuevos mundos y vivencias”, considera León.
Al emprender un viaje a lo desconocido –dice por su parte la compositora Hai von Son– nos preguntamos ¿qué raíces suelto y cuáles me llevo conmigo?, ¿cuáles me construyen?
En ese sentido, Baobab “permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento: no tengo nada, sólo fe”.
Por su parte, la bailarina y coreógrafa Nicoletta Bonanni subraya que “la fuerza de la danza africana, los tambores y los pies que golpean el piso, representan el trabajo de la tierra; a su vez, la dura labor del campo es una metáfora de las dificultades que vivimos los seres humanos cada día, y aun así decimos continuar”.
A veces –agregan– la insistencia de cambiar nuestro entorno nos hace sentir que “sembramos semillas en un desierto…”, sin embargo, “el día que llueve lo vemos reflejado en pequeños o grandes triunfos personales o sociales y en ese momento nos convertirnos en el fruto de nuestra lucha, en mujer-tierra, mujer-árbol: mujer baobab. Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza”.
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
ÚNICAMENTE QUEDAN EN TAQUILLA DESCUENTOS DEL 20%, EN VENTA LOS DÍAS JUEVES, PARA LAS PRESENTACIONES DE 26, 27 Y 28 DE MARZO.
Construido desde una estructura de circo contemporáneo con una estética afro-mexicana y nutrido de un lenguaje dancístico y teatral, el espectáculo multidisciplinario permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento.
Transita por nuestros secretos y ausencias, a través de la acrobacia, la música y el movimiento. Los tambores y los pies golpeando el piso representan la resistencia, el trabajo y la perseverancia para presenciar el día que llueva en el desierto, ser el fruto de nuestra lucha y convertirnos en mujer de tierra, mujer árbol, mujer baobab.
“Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza.”
TEATRO, DANZA Y ACROBACIA REFLEXIONAN SOBRE LA MIGRACIÓN EN BAOBAB
A partir de una idea de su directora Sabina León, el espectáculo se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Benito Juárez
Proyecto Espoir es el nombre de la compañía escénica e interdisciplinaria que busca convertirse en un espacio de refugio artístico, en el que las mujeres puedan expresarse, cuestionarse, responderse y hablar de lo que han callado siempre.
En el idioma francés, "espoir" significa esperanza, “pero muy lejos de romantizar la palabra, lo nuestro es tan solo la intención irónica de recordar constantemente, de aferrarnos a ella cuando ya no existe”, afirman sus integrantes.
En una mezcla de teatro, danza, música, artes circenses y más, Proyecto Espoir ha construido el espectáculo multidisciplinario Baobab, a partir de una idea original y dirección de Sabina León, el cual se presenta del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Benito Juárez de la colonia Cuauhtémoc, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En Baobab participan la acróbata y bailarina mexicana Sabina León, la compositora e intérprete suiza-mexicana Hai von Son y la bailarina y coreógrafa italiana Nicoletta Bonanni. Las tres han creado un espectáculo multidisciplinario a partir de una estructura de circo contemporáneo, con una estética afro-mexicana, nutrida de un lenguaje dancístico y teatral, pero también con una sólida base musical.
En escena, Sabina León y Heidi Von Son de Fernex (con su música) entretejen un lenguaje propio entre acrodanza, suspensión capilar, danza afroantillana y contemporánea, texto libre, percusiones africanas, música popular mexicana y percusión corporal.
Todas esas expresiones están referidas a a la resistencia, el trabajo y a la perseverancia. “A través de la representación del mar, del gran océano y de barcos, el espectáculo hace alusión a la migración, al hecho de dejar la tierra natal y a los cercanos en busca de nuevos mundos y vivencias”, considera León.
Al emprender un viaje a lo desconocido –dice por su parte la compositora Hai von Son– nos preguntamos ¿qué raíces suelto y cuáles me llevo conmigo?, ¿cuáles me construyen?
En ese sentido, Baobab “permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento: no tengo nada, sólo fe”.
Por su parte, la bailarina y coreógrafa Nicoletta Bonanni subraya que “la fuerza de la danza africana, los tambores y los pies que golpean el piso, representan el trabajo de la tierra; a su vez, la dura labor del campo es una metáfora de las dificultades que vivimos los seres humanos cada día, y aun así decimos continuar”.
A veces –agregan– la insistencia de cambiar nuestro entorno nos hace sentir que “sembramos semillas en un desierto…”, sin embargo, “el día que llueve lo vemos reflejado en pequeños o grandes triunfos personales o sociales y en ese momento nos convertirnos en el fruto de nuestra lucha, en mujer-tierra, mujer-árbol: mujer baobab. Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza”.
Una experiencia performática, inmersiva y multisensorial, en la cual el cuerpo del espectador es la pantalla. Con los ojos cerrados recibe una secuencia de activaciones perceptuales y una película experimental creada en vivo (live media) que se proyecta sobre sus párpados, mientras recibe otros estímulos que inducen un viaje al interior del cuerpo que se da a través de la percepción del público y que busca que afloren ciertas narrativas latentes desde la memoria que guardan los órganos internos.
ALU*CINE O CINE DE PÁRPADOS, EXPERIENCIA MULTISENSORIAL EN LA QUE EL CUERPO HUMANO SE CONVIERTE EN UNA PANTALLA
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña
La creadora artista, científica y luchadora social Minerva H. Trejo produce y dirige el proyecto transdisciplinario Alu*Cine o Cine de Párpados, una experiencia multisensorial en la que el espectador es la pantalla en la que se proyectan una serie de emociones que invitan a un viaje al interior de la consciencia.
Con los ojos cerrados, los asistentes al espectáculo reciben como estímulo una película experimental creada en vivo (live media), la cual se proyecta sobre su cuerpo y párpados, al tiempo que reciben otros estímulos a través de todos sus sentidos, que lo inducen a un viaje al interior de su cuerpo y, por lo tanto, a la propia conciencia.
La experiencia inmersiva a través de la percepción busca que afloren y se desarrollen ciertas narrativas que surgen desde la memoria que guardan los órganos internos del cuerpo humano, dice la directora y productora Minerva H. Trejo, quien es autora de una serie de creaciones escénicas y telemáticas que giran en torno a la relación entre cuerpo, percepción, vitalidad, empatía, ciencia y tecnología.
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, el espectáculo Alu*Cine o Cine de Párpados se presenta en cuatro únicas funciones, del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Alu*Cine o Cine de Párpados es producto de una investigación artístico-científica que comenzó en 2002, en la que se buscaba convertir la frecuencia cardiaca del espectador en estímulos cromáticos con el fin de generar un dispositivo que permitiera la auto-sanación.
La cenestesia es un concepto asociado principalmente a la psicología, que se explica como la capacidad de percibir y sentir (hacer consciente) los órganos internos del cuerpo, afirman los integrantes del grupo. Esa posibilidad –agregan– es lo que abre una amplia gama de líneas de investigación artística y escénica que incluyen, por ejemplo, la metaforización del cuerpo físico, el cuerpo individual y/o colectivo, el cuerpo social, el cuerpo del sueño y el cuerpo digital, para entender a cada individuo como un órgano en sí mismo y/o como parte de algo más complejo, integrados a un todo.
“Nos aproximamos a este concepto y sus posibilidades –comentan los integrantes de la compañía– a partir de la lectura del artículo Kinestesia y cenestesia. Las dimensiones olvidadas. Apuntes para una antropología de las sensaciones, de Héctor Darío Aguirre Arvizu.”
Por otra parte, expilca la directora de la compañía: “Lo pensamos desde cómo se relaciona lo emocional con el color, al tomar como ejemplo a Goethe, que buscó aportar humanidad a la fría ciencia de Newton y en su libro Zur Farbenlehre (Teoría de los colores, 1810) desarrolló una teoría subjetiva, asociando un color diferente a cada sensación”.
En la propuesta participan los co-creadores y performers: Ezequiel Steinman, Myriam Beutelspacher, Alejandro Ortiz González y Nayla Altamirano, con la colaboración de Roberto Rojas Madrid. La música en vivo es de Vania Fortuna y la live media es de la propia Minerva H. Trejo.
La puesta en escena cuenta con el apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) de la Secretaría de Cultura, a través del programa México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA).
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
ÚNICAMENTE QUEDAN EN TAQUILLA DESCUENTOS DEL 20%, EN VENTA LOS DÍAS JUEVES, PARA LAS PRESENTACIONES DE 26, 27 Y 28 DE MARZO.
Ante la extraña y repentina ausencia de su padre, Simón y Lolo siguen las pistas que han encontrado en una carta y comienzan un viaje con destino a la Luna para descubrir ¿por qué el amor es invisible?
Serán los lunáticos, habitantes de la roca de plata, quienes le ayudarán a encontrar a su padre y les enseñarán por qué el amor es el gran motor oculto del planeta Tierra.
Una experiencia performática, inmersiva y multisensorial, en la cual el cuerpo del espectador es la pantalla. Con los ojos cerrados recibe una secuencia de activaciones perceptuales y una película experimental creada en vivo (live media) que se proyecta sobre sus párpados, mientras recibe otros estímulos que inducen un viaje al interior del cuerpo que se da a través de la percepción del público y que busca que afloren ciertas narrativas latentes desde la memoria que guardan los órganos internos.
ALU*CINE O CINE DE PÁRPADOS, EXPERIENCIA MULTISENSORIAL EN LA QUE EL CUERPO HUMANO SE CONVIERTE EN UNA PANTALLA
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña
La creadora artista, científica y luchadora social Minerva H. Trejo produce y dirige el proyecto transdisciplinario Alu*Cine o Cine de Párpados, una experiencia multisensorial en la que el espectador es la pantalla en la que se proyectan una serie de emociones que invitan a un viaje al interior de la consciencia.
Con los ojos cerrados, los asistentes al espectáculo reciben como estímulo una película experimental creada en vivo (live media), la cual se proyecta sobre su cuerpo y párpados, al tiempo que reciben otros estímulos a través de todos sus sentidos, que lo inducen a un viaje al interior de su cuerpo y, por lo tanto, a la propia conciencia.
La experiencia inmersiva a través de la percepción busca que afloren y se desarrollen ciertas narrativas que surgen desde la memoria que guardan los órganos internos del cuerpo humano, dice la directora y productora Minerva H. Trejo, quien es autora de una serie de creaciones escénicas y telemáticas que giran en torno a la relación entre cuerpo, percepción, vitalidad, empatía, ciencia y tecnología.
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, el espectáculo Alu*Cine o Cine de Párpados se presenta en cuatro únicas funciones, del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Alu*Cine o Cine de Párpados es producto de una investigación artístico-científica que comenzó en 2002, en la que se buscaba convertir la frecuencia cardiaca del espectador en estímulos cromáticos con el fin de generar un dispositivo que permitiera la auto-sanación.
La cenestesia es un concepto asociado principalmente a la psicología, que se explica como la capacidad de percibir y sentir (hacer consciente) los órganos internos del cuerpo, afirman los integrantes del grupo. Esa posibilidad –agregan– es lo que abre una amplia gama de líneas de investigación artística y escénica que incluyen, por ejemplo, la metaforización del cuerpo físico, el cuerpo individual y/o colectivo, el cuerpo social, el cuerpo del sueño y el cuerpo digital, para entender a cada individuo como un órgano en sí mismo y/o como parte de algo más complejo, integrados a un todo.
“Nos aproximamos a este concepto y sus posibilidades –comentan los integrantes de la compañía– a partir de la lectura del artículo Kinestesia y cenestesia. Las dimensiones olvidadas. Apuntes para una antropología de las sensaciones, de Héctor Darío Aguirre Arvizu.”
Por otra parte, expilca la directora de la compañía: “Lo pensamos desde cómo se relaciona lo emocional con el color, al tomar como ejemplo a Goethe, que buscó aportar humanidad a la fría ciencia de Newton y en su libro Zur Farbenlehre (Teoría de los colores, 1810) desarrolló una teoría subjetiva, asociando un color diferente a cada sensación”.
En la propuesta participan los co-creadores y performers: Ezequiel Steinman, Myriam Beutelspacher, Alejandro Ortiz González y Nayla Altamirano, con la colaboración de Roberto Rojas Madrid. La música en vivo es de Vania Fortuna y la live media es de la propia Minerva H. Trejo.
La puesta en escena cuenta con el apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) de la Secretaría de Cultura, a través del programa México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA).
Construido desde una estructura de circo contemporáneo con una estética afro-mexicana y nutrido de un lenguaje dancístico y teatral, el espectáculo multidisciplinario permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento.
Transita por nuestros secretos y ausencias, a través de la acrobacia, la música y el movimiento. Los tambores y los pies golpeando el piso representan la resistencia, el trabajo y la perseverancia para presenciar el día que llueva en el desierto, ser el fruto de nuestra lucha y convertirnos en mujer de tierra, mujer árbol, mujer baobab.
“Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza.”
TEATRO, DANZA Y ACROBACIA REFLEXIONAN SOBRE LA MIGRACIÓN EN BAOBAB
A partir de una idea de su directora Sabina León, el espectáculo se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Benito Juárez
Proyecto Espoir es el nombre de la compañía escénica e interdisciplinaria que busca convertirse en un espacio de refugio artístico, en el que las mujeres puedan expresarse, cuestionarse, responderse y hablar de lo que han callado siempre.
En el idioma francés, "espoir" significa esperanza, “pero muy lejos de romantizar la palabra, lo nuestro es tan solo la intención irónica de recordar constantemente, de aferrarnos a ella cuando ya no existe”, afirman sus integrantes.
En una mezcla de teatro, danza, música, artes circenses y más, Proyecto Espoir ha construido el espectáculo multidisciplinario Baobab, a partir de una idea original y dirección de Sabina León, el cual se presenta del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Benito Juárez de la colonia Cuauhtémoc, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En Baobab participan la acróbata y bailarina mexicana Sabina León, la compositora e intérprete suiza-mexicana Hai von Son y la bailarina y coreógrafa italiana Nicoletta Bonanni. Las tres han creado un espectáculo multidisciplinario a partir de una estructura de circo contemporáneo, con una estética afro-mexicana, nutrida de un lenguaje dancístico y teatral, pero también con una sólida base musical.
En escena, Sabina León y Heidi Von Son de Fernex (con su música) entretejen un lenguaje propio entre acrodanza, suspensión capilar, danza afroantillana y contemporánea, texto libre, percusiones africanas, música popular mexicana y percusión corporal.
Todas esas expresiones están referidas a a la resistencia, el trabajo y a la perseverancia. “A través de la representación del mar, del gran océano y de barcos, el espectáculo hace alusión a la migración, al hecho de dejar la tierra natal y a los cercanos en busca de nuevos mundos y vivencias”, considera León.
Al emprender un viaje a lo desconocido –dice por su parte la compositora Hai von Son– nos preguntamos ¿qué raíces suelto y cuáles me llevo conmigo?, ¿cuáles me construyen?
En ese sentido, Baobab “permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento: no tengo nada, sólo fe”.
Por su parte, la bailarina y coreógrafa Nicoletta Bonanni subraya que “la fuerza de la danza africana, los tambores y los pies que golpean el piso, representan el trabajo de la tierra; a su vez, la dura labor del campo es una metáfora de las dificultades que vivimos los seres humanos cada día, y aun así decimos continuar”.
A veces –agregan– la insistencia de cambiar nuestro entorno nos hace sentir que “sembramos semillas en un desierto…”, sin embargo, “el día que llueve lo vemos reflejado en pequeños o grandes triunfos personales o sociales y en ese momento nos convertirnos en el fruto de nuestra lucha, en mujer-tierra, mujer-árbol: mujer baobab. Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza”.
La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
ÚNICAMENTE QUEDAN EN TAQUILLA DESCUENTOS DEL 20%, EN VENTA LOS DÍAS JUEVES, PARA LAS PRESENTACIONES DE 26, 27 Y 28 DE MARZO.
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
ÚNICAMENTE QUEDAN EN TAQUILLA DESCUENTOS DEL 20%, EN VENTA LOS DÍAS JUEVES, PARA LAS PRESENTACIONES DE 26, 27 Y 28 DE MARZO.
Construido desde una estructura de circo contemporáneo con una estética afro-mexicana y nutrido de un lenguaje dancístico y teatral, el espectáculo multidisciplinario permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento.
Transita por nuestros secretos y ausencias, a través de la acrobacia, la música y el movimiento. Los tambores y los pies golpeando el piso representan la resistencia, el trabajo y la perseverancia para presenciar el día que llueva en el desierto, ser el fruto de nuestra lucha y convertirnos en mujer de tierra, mujer árbol, mujer baobab.
“Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza.”
TEATRO, DANZA Y ACROBACIA REFLEXIONAN SOBRE LA MIGRACIÓN EN BAOBAB
A partir de una idea de su directora Sabina León, el espectáculo se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Benito Juárez
Proyecto Espoir es el nombre de la compañía escénica e interdisciplinaria que busca convertirse en un espacio de refugio artístico, en el que las mujeres puedan expresarse, cuestionarse, responderse y hablar de lo que han callado siempre.
En el idioma francés, "espoir" significa esperanza, “pero muy lejos de romantizar la palabra, lo nuestro es tan solo la intención irónica de recordar constantemente, de aferrarnos a ella cuando ya no existe”, afirman sus integrantes.
En una mezcla de teatro, danza, música, artes circenses y más, Proyecto Espoir ha construido el espectáculo multidisciplinario Baobab, a partir de una idea original y dirección de Sabina León, el cual se presenta del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Benito Juárez de la colonia Cuauhtémoc, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En Baobab participan la acróbata y bailarina mexicana Sabina León, la compositora e intérprete suiza-mexicana Hai von Son y la bailarina y coreógrafa italiana Nicoletta Bonanni. Las tres han creado un espectáculo multidisciplinario a partir de una estructura de circo contemporáneo, con una estética afro-mexicana, nutrida de un lenguaje dancístico y teatral, pero también con una sólida base musical.
En escena, Sabina León y Heidi Von Son de Fernex (con su música) entretejen un lenguaje propio entre acrodanza, suspensión capilar, danza afroantillana y contemporánea, texto libre, percusiones africanas, música popular mexicana y percusión corporal.
Todas esas expresiones están referidas a a la resistencia, el trabajo y a la perseverancia. “A través de la representación del mar, del gran océano y de barcos, el espectáculo hace alusión a la migración, al hecho de dejar la tierra natal y a los cercanos en busca de nuevos mundos y vivencias”, considera León.
Al emprender un viaje a lo desconocido –dice por su parte la compositora Hai von Son– nos preguntamos ¿qué raíces suelto y cuáles me llevo conmigo?, ¿cuáles me construyen?
En ese sentido, Baobab “permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento: no tengo nada, sólo fe”.
Por su parte, la bailarina y coreógrafa Nicoletta Bonanni subraya que “la fuerza de la danza africana, los tambores y los pies que golpean el piso, representan el trabajo de la tierra; a su vez, la dura labor del campo es una metáfora de las dificultades que vivimos los seres humanos cada día, y aun así decimos continuar”.
A veces –agregan– la insistencia de cambiar nuestro entorno nos hace sentir que “sembramos semillas en un desierto…”, sin embargo, “el día que llueve lo vemos reflejado en pequeños o grandes triunfos personales o sociales y en ese momento nos convertirnos en el fruto de nuestra lucha, en mujer-tierra, mujer-árbol: mujer baobab. Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza”.
Una experiencia performática, inmersiva y multisensorial, en la cual el cuerpo del espectador es la pantalla. Con los ojos cerrados recibe una secuencia de activaciones perceptuales y una película experimental creada en vivo (live media) que se proyecta sobre sus párpados, mientras recibe otros estímulos que inducen un viaje al interior del cuerpo que se da a través de la percepción del público y que busca que afloren ciertas narrativas latentes desde la memoria que guardan los órganos internos.
ALU*CINE O CINE DE PÁRPADOS, EXPERIENCIA MULTISENSORIAL EN LA QUE EL CUERPO HUMANO SE CONVIERTE EN UNA PANTALLA
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña
La creadora artista, científica y luchadora social Minerva H. Trejo produce y dirige el proyecto transdisciplinario Alu*Cine o Cine de Párpados, una experiencia multisensorial en la que el espectador es la pantalla en la que se proyectan una serie de emociones que invitan a un viaje al interior de la consciencia.
Con los ojos cerrados, los asistentes al espectáculo reciben como estímulo una película experimental creada en vivo (live media), la cual se proyecta sobre su cuerpo y párpados, al tiempo que reciben otros estímulos a través de todos sus sentidos, que lo inducen a un viaje al interior de su cuerpo y, por lo tanto, a la propia conciencia.
La experiencia inmersiva a través de la percepción busca que afloren y se desarrollen ciertas narrativas que surgen desde la memoria que guardan los órganos internos del cuerpo humano, dice la directora y productora Minerva H. Trejo, quien es autora de una serie de creaciones escénicas y telemáticas que giran en torno a la relación entre cuerpo, percepción, vitalidad, empatía, ciencia y tecnología.
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, el espectáculo Alu*Cine o Cine de Párpados se presenta en cuatro únicas funciones, del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Alu*Cine o Cine de Párpados es producto de una investigación artístico-científica que comenzó en 2002, en la que se buscaba convertir la frecuencia cardiaca del espectador en estímulos cromáticos con el fin de generar un dispositivo que permitiera la auto-sanación.
La cenestesia es un concepto asociado principalmente a la psicología, que se explica como la capacidad de percibir y sentir (hacer consciente) los órganos internos del cuerpo, afirman los integrantes del grupo. Esa posibilidad –agregan– es lo que abre una amplia gama de líneas de investigación artística y escénica que incluyen, por ejemplo, la metaforización del cuerpo físico, el cuerpo individual y/o colectivo, el cuerpo social, el cuerpo del sueño y el cuerpo digital, para entender a cada individuo como un órgano en sí mismo y/o como parte de algo más complejo, integrados a un todo.
“Nos aproximamos a este concepto y sus posibilidades –comentan los integrantes de la compañía– a partir de la lectura del artículo Kinestesia y cenestesia. Las dimensiones olvidadas. Apuntes para una antropología de las sensaciones, de Héctor Darío Aguirre Arvizu.”
Por otra parte, expilca la directora de la compañía: “Lo pensamos desde cómo se relaciona lo emocional con el color, al tomar como ejemplo a Goethe, que buscó aportar humanidad a la fría ciencia de Newton y en su libro Zur Farbenlehre (Teoría de los colores, 1810) desarrolló una teoría subjetiva, asociando un color diferente a cada sensación”.
En la propuesta participan los co-creadores y performers: Ezequiel Steinman, Myriam Beutelspacher, Alejandro Ortiz González y Nayla Altamirano, con la colaboración de Roberto Rojas Madrid. La música en vivo es de Vania Fortuna y la live media es de la propia Minerva H. Trejo.
La puesta en escena cuenta con el apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) de la Secretaría de Cultura, a través del programa México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA).
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
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La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
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La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
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“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
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La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
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