Construido desde una estructura de circo contemporáneo con una estética afro-mexicana y nutrido de un lenguaje dancístico y teatral, el espectáculo multidisciplinario permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento.
Transita por nuestros secretos y ausencias, a través de la acrobacia, la música y el movimiento. Los tambores y los pies golpeando el piso representan la resistencia, el trabajo y la perseverancia para presenciar el día que llueva en el desierto, ser el fruto de nuestra lucha y convertirnos en mujer de tierra, mujer árbol, mujer baobab.
“Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza.”
TEATRO, DANZA Y ACROBACIA REFLEXIONAN SOBRE LA MIGRACIÓN EN BAOBAB
A partir de una idea de su directora Sabina León, el espectáculo se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Benito Juárez
Proyecto Espoir es el nombre de la compañía escénica e interdisciplinaria que busca convertirse en un espacio de refugio artístico, en el que las mujeres puedan expresarse, cuestionarse, responderse y hablar de lo que han callado siempre.
En el idioma francés, "espoir" significa esperanza, “pero muy lejos de romantizar la palabra, lo nuestro es tan solo la intención irónica de recordar constantemente, de aferrarnos a ella cuando ya no existe”, afirman sus integrantes.
En una mezcla de teatro, danza, música, artes circenses y más, Proyecto Espoir ha construido el espectáculo multidisciplinario Baobab, a partir de una idea original y dirección de Sabina León, el cual se presenta del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Benito Juárez de la colonia Cuauhtémoc, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En Baobab participan la acróbata y bailarina mexicana Sabina León, la compositora e intérprete suiza-mexicana Hai von Son y la bailarina y coreógrafa italiana Nicoletta Bonanni. Las tres han creado un espectáculo multidisciplinario a partir de una estructura de circo contemporáneo, con una estética afro-mexicana, nutrida de un lenguaje dancístico y teatral, pero también con una sólida base musical.
En escena, Sabina León y Heidi Von Son de Fernex (con su música) entretejen un lenguaje propio entre acrodanza, suspensión capilar, danza afroantillana y contemporánea, texto libre, percusiones africanas, música popular mexicana y percusión corporal.
Todas esas expresiones están referidas a a la resistencia, el trabajo y a la perseverancia. “A través de la representación del mar, del gran océano y de barcos, el espectáculo hace alusión a la migración, al hecho de dejar la tierra natal y a los cercanos en busca de nuevos mundos y vivencias”, considera León.
Al emprender un viaje a lo desconocido –dice por su parte la compositora Hai von Son– nos preguntamos ¿qué raíces suelto y cuáles me llevo conmigo?, ¿cuáles me construyen?
En ese sentido, Baobab “permite navegar por cada color del duelo y sus matices, desde un amanecer nostálgico y juguetón hasta una bruma muy densa, siempre al límite del sentimiento: no tengo nada, sólo fe”.
Por su parte, la bailarina y coreógrafa Nicoletta Bonanni subraya que “la fuerza de la danza africana, los tambores y los pies que golpean el piso, representan el trabajo de la tierra; a su vez, la dura labor del campo es una metáfora de las dificultades que vivimos los seres humanos cada día, y aun así decimos continuar”.
A veces –agregan– la insistencia de cambiar nuestro entorno nos hace sentir que “sembramos semillas en un desierto…”, sin embargo, “el día que llueve lo vemos reflejado en pequeños o grandes triunfos personales o sociales y en ese momento nos convertirnos en el fruto de nuestra lucha, en mujer-tierra, mujer-árbol: mujer baobab. Esto no es una oda a la esperanza, es un recordatorio para aferrarme a la pinche esperanza”.
Una experiencia performática, inmersiva y multisensorial, en la cual el cuerpo del espectador es la pantalla. Con los ojos cerrados recibe una secuencia de activaciones perceptuales y una película experimental creada en vivo (live media) que se proyecta sobre sus párpados, mientras recibe otros estímulos que inducen un viaje al interior del cuerpo que se da a través de la percepción del público y que busca que afloren ciertas narrativas latentes desde la memoria que guardan los órganos internos.
ALU*CINE O CINE DE PÁRPADOS, EXPERIENCIA MULTISENSORIAL EN LA QUE EL CUERPO HUMANO SE CONVIERTE EN UNA PANTALLA
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, se presenta del 21 al 24 de marzo, en el Teatro Sergio Magaña
La creadora artista, científica y luchadora social Minerva H. Trejo produce y dirige el proyecto transdisciplinario Alu*Cine o Cine de Párpados, una experiencia multisensorial en la que el espectador es la pantalla en la que se proyectan una serie de emociones que invitan a un viaje al interior de la consciencia.
Con los ojos cerrados, los asistentes al espectáculo reciben como estímulo una película experimental creada en vivo (live media), la cual se proyecta sobre su cuerpo y párpados, al tiempo que reciben otros estímulos a través de todos sus sentidos, que lo inducen a un viaje al interior de su cuerpo y, por lo tanto, a la propia conciencia.
La experiencia inmersiva a través de la percepción busca que afloren y se desarrollen ciertas narrativas que surgen desde la memoria que guardan los órganos internos del cuerpo humano, dice la directora y productora Minerva H. Trejo, quien es autora de una serie de creaciones escénicas y telemáticas que giran en torno a la relación entre cuerpo, percepción, vitalidad, empatía, ciencia y tecnología.
A cargo de la compañía Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina, el espectáculo Alu*Cine o Cine de Párpados se presenta en cuatro únicas funciones, del 21 al 24 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Alu*Cine o Cine de Párpados es producto de una investigación artístico-científica que comenzó en 2002, en la que se buscaba convertir la frecuencia cardiaca del espectador en estímulos cromáticos con el fin de generar un dispositivo que permitiera la auto-sanación.
La cenestesia es un concepto asociado principalmente a la psicología, que se explica como la capacidad de percibir y sentir (hacer consciente) los órganos internos del cuerpo, afirman los integrantes del grupo. Esa posibilidad –agregan– es lo que abre una amplia gama de líneas de investigación artística y escénica que incluyen, por ejemplo, la metaforización del cuerpo físico, el cuerpo individual y/o colectivo, el cuerpo social, el cuerpo del sueño y el cuerpo digital, para entender a cada individuo como un órgano en sí mismo y/o como parte de algo más complejo, integrados a un todo.
“Nos aproximamos a este concepto y sus posibilidades –comentan los integrantes de la compañía– a partir de la lectura del artículo Kinestesia y cenestesia. Las dimensiones olvidadas. Apuntes para una antropología de las sensaciones, de Héctor Darío Aguirre Arvizu.”
Por otra parte, expilca la directora de la compañía: “Lo pensamos desde cómo se relaciona lo emocional con el color, al tomar como ejemplo a Goethe, que buscó aportar humanidad a la fría ciencia de Newton y en su libro Zur Farbenlehre (Teoría de los colores, 1810) desarrolló una teoría subjetiva, asociando un color diferente a cada sensación”.
En la propuesta participan los co-creadores y performers: Ezequiel Steinman, Myriam Beutelspacher, Alejandro Ortiz González y Nayla Altamirano, con la colaboración de Roberto Rojas Madrid. La música en vivo es de Vania Fortuna y la live media es de la propia Minerva H. Trejo.
La puesta en escena cuenta con el apoyo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) de la Secretaría de Cultura, a través del programa México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA).
Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres. Esa es una vida millenial.
Now Playing es un álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenas de música pop y pequeños instantes que ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas y toneladas de PET.
NOW PLAYING, TEATRO A MANERA DE UN CD CON EL SET-LIST DE LOS MOMENTOS MÁS SIGNIFICATIVOS DE UNA VIDA MILLENIAL
Escrita por Jimena Eme Vázquez y con actuación de Emmanuel Lapin, la propuesta teatral se presenta del 14 al 24 de marzo, de jueves a domingo
Bajo la dirección de Renée Sabina, se escenifica en el Foro A Poco No
La joven dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez escribió para el actor Emmanuel Lapin la obra Now Playing, que bajo la dirección escénica de Renée Sabina, hace el recuento de una vida a través de la música: “Naces, creces, escuchas a Kiss, a Shakira, miras la televisión, twitteas, lloras, ves videos de gatitos, quizá te reproduces e invariablemente, algún día, mueres”.
Dicha puesta en escena está basada en un soundtrack que acompaña la vida de un millenial, “es el álbum que reúne varios momentos de una de esas existencias. Tristes, no lo podemos negar, pero también llenos de música pop y pequeños instantes que nos ayudan a mantenernos vivos y dejar a nuestro paso por el mundo algo más que toneladas de PET”, afirma la autora.
Now Playing se presenta del 14 al 24 de marzo, con funciones de jueves a domingo, en el Foro A Poco No, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
En la puesta en escena, su protagonista (Emmanuel) nació a finales de la década de los ochenta y pertenece al grupo de millenials, que vivieron el cambio de época: de los diccionarios impresos al internet, de los discos a los archivos de música, del grupo de amigos a los seguidores en las redes sociales, mientras en el aire se respiraban los presagios del fin del mundo y en las noticias se veían caer las Torres Gemelas de Nueva York, Estados Unidos.
La música se vuelve un hilo conductor para plantear cuestiones como la memoria, el amor, la tristeza, la incomprensión y la falta de certeza. Esa música que, además, es producto de su época y lo definen a él.
Now Playing cuenta con los referentes de su protagonista, el actor Emmanuel Lapin, quien se sumergió en un mar de experiencias e inquietudes que años después lo llevan a reflexionar sobre la vulnerabilidad, la incomprensión, la música pop, la danza, la familia, los amigos y la generación del nuevo milenio, a la cual pertenece.
La dirección corre a cargo de Renée Sabina, quien potencia el monólogo con números musicales en una puesta en escena de pequeño formato. El trabajo teatral lleva al público a sentir de nuevo “aquella emoción” que se da en un concierto en vivo, solo que ahora cuenta una historia: la de su propia vida y la de su generación.
Se transita, en la puesta en escena, entre el niño que estudia a Gene Simmons, el que internaliza lo que ofrece Televisa en los dosmiles y el que se imagina como una estrella pop para no reventar de tristeza. También habita crudamente en la ofrenda de una canción nerviosa al primer enamorado y en el último baile.
En conjunto la propuesta se convierte en un tour, un concierto, un CD con el set-list de los momentos más significativos de una vida millenial, la comedia teatral no falta, pero la angustia existencial tampoco, al final lo único que queda es bailar.
La historia de The Silence of Sound es la historia de la vida, que sucede en el borde entre el sueño y la pesadilla; entre confeti de notas y colores. A través de piezas sinfónicas de Debussy, Stravinsky y Brahms, entre muchos otros, y acompañado de una composición visual majestuosa.
“Chula” viaja a través del mundo de la música de Alondra de la Parra, deseando, buscando, arriesgando y llevándonos al límite, sin saber qué logrará descubrir en el camino.
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