Cuando sube la renta del departamento donde viven Epigmenio, José Rodolfo y Saúl, los tres amigos tienen que idear cómo generar más ingresos mientras trabajan y estudian… ya si alcanza la vida, arreglar sus problemas personales.
Un espectáculo que por medio del humor cuestiona lo que significa ser hombre en la actualidad.
EN SÍ WEY TODO BIEN SE DESAFÍA LA CONSIGNA DE “EL DEBER SER DE LOS HOMBRES”
Con actuaciones de Bernardo Camarena, Alejandro León y Diego Aviña, la puesta en escena aborda la masculinidad tóxica, la asexualidad y el machismo en la comunidad gay, entre otros temas
Las funciones se llevan a cabo de jueves a domingo, del 25 de enero al 4 de febrero en el Foro A Poco No
¿Cómo reconocer la violencia que los hombres ejercen contra otros individuos, quienes luego repiten los mismos patrones?, ¿cómo romper con ese pacto impuesto y del cual se forma parte inevitable?, estas son algunas de las interrogantes que se plantean en la puesta en escena Sí wey todo bien, coproducción de Sagredo Producciones y Alusiones Teatro.
Con apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, la propuesta llega al Foro A Poco No, donde ofrece una temporada del 25 de enero al 4 de febrero, con funciones de jueves a domingo.
Se cuenta con la dramaturgia de Diego Aviña y la coordinación de escena de Alan Uribe Villarruel, con las actuaciones de Bernardo Camarena, Alejandro León y el propio Diego Aviña, quienes se enfrentan a sí mismos, a las ideas de la masculinidad tradicional y a confrontar a otros hombres a través del humor.
A partir del momento en que sube la renta de su departamento, tres amigos-roomies (Epigmenio, José Rodolfo y Saúl) tienen que idear cómo generar más ingresos mientras trabajan, estudian y tratan de arreglar sus problemas personales.
Con un diseño de iluminación, escenografía y vestuario de Ela Estrello, el propósito original de Sí wey todo bien –coinciden los actores– es desafiar la consigna de “el deber ser de los hombres”. Para el elenco, la masculinidad es esa zona de peligro en la que sólo existe la dicotomía oprimir o ser oprimido.
“Ser hombre en nuestros tiempos significa convertir el dolor en rabia, en un coraje que se vuelca contra todos los que están a nuestro alrededor, todo con tal de no enfrentar lo que nos lastima”, afirma la producción.
En Sí wey todo bien “escarbamos en nosotros mismos para traer a la mesa temas como la masculinidad tóxica, la asexualidad en los hombres, el machismo en la comunidad gay, cómo actuar cuando un amigo violenta a su novia, así como el abuso sexual hacia los hombres”.
Y subrayan: “Señalamos nuestras propias faltas, dolores y violencia para así también encarar a nuestros amigos y modificar-sanar lo que significa realmente ser hombre (…), asomarnos detrás de ese muro infranqueable que es la masculinidad, pero sin caer en los señalamientos morales más obvios cuando hablamos de violencia, masculinidad y roles de género”.
En el espectáculo, la magia se convierte en un espejo que refleja la verdadera maravilla de la existencia. El cómico espectáculo de cabaret fusiona la magia clásica con una narrativa tan enigmática como la vida misma.
¿Es la magia algo real o un truco del destino?, ¿qué queda cuando la magia abandona al mago?, lo anterior se pregunta el personaje cuando termina su espectáculo. Ahora tiene que recordar pasajes de su vida para descubrirse a sí mismo y desentrañar el misterio de la desaparición del asombro, acompañado de hipnótica música en vivo.
¡Prepárense para sumergirse en un mundo en el que la ilusión se encuentra con la realidad y descubran la auténtica magia que late en el corazón de cada momento!
LA DESILUSIÓN DE LA ILUSIÓN FUSIONA TEATRO, MÚSICA, CLOWN Y MAGIA PARA AHONDAR EN LOS PROFUNDOS SECRETOS DEL SER HUMANO
Escrito y dirigido por Javier y Carlos Rendón Tovar, el espectáculo se presenta del 25 de enero al 4 de febrero, en el Teatro Sergio Magaña
La desilusión de la ilusión es una propuesta de teatro, un espectáculo de música y de buen humor con una intrigante historia: al cerrar el telón, la magia se termina en la vida de un prestidigitador, quien tiene que recordar pasajes de su vida para descubrirse a sí mismo.
Escrita y dirigida por los artistas de la magia Javier Rendón Tovar y Carlos Rendón Tovar, con la actuación del propio Javier, la propuesta hurga en los misterios de la vida de un mago en un aparente mundo de fantasía e ilusión llamado “presente”.
Con música original, interpretada en vivo por sus autores, Fores Basura, David Almaga y Carolina Ome Tochtli, La desilusión de la ilusión se presenta del 25 de enero al 4 de febrero, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Javier Rendón Tovar (conocido también como el mago Javy Poker) y su hermano, llevan al escenario momentos de la vida cotidiana de un ilusionista que anhela encontrar su magia y descubrirse a través de sus recuerdos –situaciones familiares como la carencia de alimento, los secretos y las decepciones por no ser o hacer lo que otros desean–.
"Seguro ustedes afirman –comenta Javier– que la vida de un mago debe ser fascinante. En el espectáculo mostramos cómo los personajes de la historia, aún con poderes sobrenaturales, necesitan un poco más que magia para vivir plenos y felices".
Durante el espectáculo, el público aprecia una variedad de efectos mágicos, desde la prestidigitación (rapidez de los dedos), apariciones, desapariciones y transformaciones, entre otros.
“El desafío del mago es asombrar al público. Nuestro personaje recuerda que las más grandes ilusiones ocurren en la simpleza de la vida. Al mostrar el truco bajo la manga se crea un personaje empático… sin ser magos todos tenemos un poco de magia”.
El diseño de dirección apela a elementos técnicos del clown que permiten al ejecutante crear planos entre la ficción, la magia y la respuesta del público ante la acción escénica, además de la visualización del acto mágico como la unidad mínima de representación del mago-actor.
La comedia es tanto física como verbal. Además, estéticamente se propone un mobiliario del siglo XIX, música clásica y barroca en versiones de jazz, así como iluminación incandescente y led, mensajes de texto y cartas, realidad y ficción.
Producción de Teatro de la Ilusión –con el apoyo del Sistema de Apoyo a la Creación y Proyectos Culturales–, la propuesta cuenta con un diseño de iluminación de Alfredo Márquez y diseño de vestuario de Christian Aquino.
Cuando sube la renta del departamento donde viven Epigmenio, José Rodolfo y Saúl, los tres amigos tienen que idear cómo generar más ingresos mientras trabajan y estudian… ya si alcanza la vida, arreglar sus problemas personales.
Un espectáculo que por medio del humor cuestiona lo que significa ser hombre en la actualidad.
EN SÍ WEY TODO BIEN SE DESAFÍA LA CONSIGNA DE “EL DEBER SER DE LOS HOMBRES”
Con actuaciones de Bernardo Camarena, Alejandro León y Diego Aviña, la puesta en escena aborda la masculinidad tóxica, la asexualidad y el machismo en la comunidad gay, entre otros temas
Las funciones se llevan a cabo de jueves a domingo, del 25 de enero al 4 de febrero en el Foro A Poco No
¿Cómo reconocer la violencia que los hombres ejercen contra otros individuos, quienes luego repiten los mismos patrones?, ¿cómo romper con ese pacto impuesto y del cual se forma parte inevitable?, estas son algunas de las interrogantes que se plantean en la puesta en escena Sí wey todo bien, coproducción de Sagredo Producciones y Alusiones Teatro.
Con apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, la propuesta llega al Foro A Poco No, donde ofrece una temporada del 25 de enero al 4 de febrero, con funciones de jueves a domingo.
Se cuenta con la dramaturgia de Diego Aviña y la coordinación de escena de Alan Uribe Villarruel, con las actuaciones de Bernardo Camarena, Alejandro León y el propio Diego Aviña, quienes se enfrentan a sí mismos, a las ideas de la masculinidad tradicional y a confrontar a otros hombres a través del humor.
A partir del momento en que sube la renta de su departamento, tres amigos-roomies (Epigmenio, José Rodolfo y Saúl) tienen que idear cómo generar más ingresos mientras trabajan, estudian y tratan de arreglar sus problemas personales.
Con un diseño de iluminación, escenografía y vestuario de Ela Estrello, el propósito original de Sí wey todo bien –coinciden los actores– es desafiar la consigna de “el deber ser de los hombres”. Para el elenco, la masculinidad es esa zona de peligro en la que sólo existe la dicotomía oprimir o ser oprimido.
“Ser hombre en nuestros tiempos significa convertir el dolor en rabia, en un coraje que se vuelca contra todos los que están a nuestro alrededor, todo con tal de no enfrentar lo que nos lastima”, afirma la producción.
En Sí wey todo bien “escarbamos en nosotros mismos para traer a la mesa temas como la masculinidad tóxica, la asexualidad en los hombres, el machismo en la comunidad gay, cómo actuar cuando un amigo violenta a su novia, así como el abuso sexual hacia los hombres”.
Y subrayan: “Señalamos nuestras propias faltas, dolores y violencia para así también encarar a nuestros amigos y modificar-sanar lo que significa realmente ser hombre (…), asomarnos detrás de ese muro infranqueable que es la masculinidad, pero sin caer en los señalamientos morales más obvios cuando hablamos de violencia, masculinidad y roles de género”.
The Mexico City Experiment celebra la escena de la música creativa en la capital del país con una serie de conciertos de jazz, rock, música tradicional y poesía, que se combinan para crear una experiencia única y poderosa, explorando el sonido actual de la urbe, en transformación constante, con un pulso y energía incansable, tradiciones profundas y una nueva ola de colaboración entre culturas, nacionalidades y visiones.
THE MEXICO CITY EXPERIMENT, TRES NOCHES QUE DOCUMENTAN LA MÚSICA HECHA EN LA CIUDAD DE MÉXICO
Bajo la dirección de Todd Clouser, los conciertos cuentan con la participación de destacados músicos de la escena contemporánea de la capital del país
Cada día un cartel diferente en el recinto de Villalongín
Los días 2, 3 y 4 de febrero, en el Teatro Benito Juárez de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, se lleva a cabo el ciclo de conciertos The Mexico City Experiment, bajo la dirección del cantante y guitarrista Todd Clouser, acompañado de un destacado grupo de músicos mexicanos de la escena actual.
Ropeadope X y Ropeadope SUR (multifacéticas empresas discografías) organizan la serie de conciertos, únicos e irrepetibles, como una celebración por la aparición del disco The Mexico City Experiment, creación y producción de Todd Clouser y Jerónimo González.
El álbum se grabó en los Estudios Noviembre, en mayo de 2022, y se lanzó al público el 9 de junio de 2023 con las canciones Bored Folks, De buche, I Feel Love, Interludio, Jarocho Street, Kooks, Optimist, Poza Rica, Swan Song y Talkin' Mexico City.
Para los tres conciertos que se realizan se cuenta con la participación de los músicos radicados en Mexico: Germán Bringas (saxofón y voz), Jerónimo González (bajo, jarana y samples), Guadalupe Galván (poesía), Jorge Servín (batería) y Agustín Ayala (teclados), así como Alex Ataola, Joaquín García e invitados de PYL Studio, y el propio Todd Clouser.
El concepto Experiment comenzó en junio de 2001 con el proyecto The Philadelphia Experiment, ampliamente conocido como un sello distintivo del jazz progresivo que estableció un estándar. Posteriormente surgieron The Detroit Experiment y The Harlem Experiment. En 2022, Greg Spero produjo The Chicago Experiment y The Chicago Experiment Revisited.
“Cuando vi que Ropeadope continuaba la serie Experiment con el disco radical The Chicago Experiment, pensé que ahora sería el momento de hacer The Mexico City Experiment”, dice Clouser.
Por tal razón y en concordancia con el legado de The Experiment Series, la disquera Ropeadope (asentada en Filadelfia, Estados Unidos) se asoció en nuestro país con su colaborador y director de Ropeadope SUR, Todd Clouser (integrante del trio A Love Electric), para documentar la vibrante escena musical de la Ciudad de México.
Clouser eligió a un grupo de espíritus aventureros para integrar el proyecto The Mexico City Experiment. Se trata de artistas del ambiente de la canción moderna, free jazz, groove/funk, spoken word y de la poesía para “crear tres noches inolvidables que documentan y provocan la música hecha en la Ciudad de México”.
Y agrega: “Para mí, dicho con completa parcialidad, la Ciudad de México es el centro del nuevo mundo creativo. El cine, la literatura, las artes sonoras vuelan en México. Esperaba que pudiéramos hacer algo para honrar a la ciudad que me ha dado todo”.
El viernes 2 de febrero se presenta Guadalupe Galván, Rodrio de Leo, Ramsés Luna, Aguas Ayala y Jacobo Guerrero, acompañados de visuales creados por Morris Trujillo. Al día siguiente, sábado 3, sube al escenario Joaquín García e invitados de PYL Studio. Finalmente, el domingo 4, ofrece su música Germán Bringas, Alda Arita, Adriana Camacho, Eli Piña, Mariane Yunes y Juan Pantoja.
The Mexico City Experiment celebra la escena de la música creativa en la capital del país con una serie de conciertos de jazz, rock, música tradicional y poesía, que se combinan para crear una experiencia única y poderosa, explorando el sonido actual de la urbe, en transformación constante, con un pulso y energía incansable, tradiciones profundas y una nueva ola de colaboración entre culturas, nacionalidades y visiones.
THE MEXICO CITY EXPERIMENT, TRES NOCHES QUE DOCUMENTAN LA MÚSICA HECHA EN LA CIUDAD DE MÉXICO
Bajo la dirección de Todd Clouser, los conciertos cuentan con la participación de destacados músicos de la escena contemporánea de la capital del país
Cada día un cartel diferente en el recinto de Villalongín
Los días 2, 3 y 4 de febrero, en el Teatro Benito Juárez de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, se lleva a cabo el ciclo de conciertos The Mexico City Experiment, bajo la dirección del cantante y guitarrista Todd Clouser, acompañado de un destacado grupo de músicos mexicanos de la escena actual.
Ropeadope X y Ropeadope SUR (multifacéticas empresas discografías) organizan la serie de conciertos, únicos e irrepetibles, como una celebración por la aparición del disco The Mexico City Experiment, creación y producción de Todd Clouser y Jerónimo González.
El álbum se grabó en los Estudios Noviembre, en mayo de 2022, y se lanzó al público el 9 de junio de 2023 con las canciones Bored Folks, De buche, I Feel Love, Interludio, Jarocho Street, Kooks, Optimist, Poza Rica, Swan Song y Talkin' Mexico City.
Para los tres conciertos que se realizan se cuenta con la participación de los músicos radicados en Mexico: Germán Bringas (saxofón y voz), Jerónimo González (bajo, jarana y samples), Guadalupe Galván (poesía), Jorge Servín (batería) y Agustín Ayala (teclados), así como Alex Ataola, Joaquín García e invitados de PYL Studio, y el propio Todd Clouser.
El concepto Experiment comenzó en junio de 2001 con el proyecto The Philadelphia Experiment, ampliamente conocido como un sello distintivo del jazz progresivo que estableció un estándar. Posteriormente surgieron The Detroit Experiment y The Harlem Experiment. En 2022, Greg Spero produjo The Chicago Experiment y The Chicago Experiment Revisited.
“Cuando vi que Ropeadope continuaba la serie Experiment con el disco radical The Chicago Experiment, pensé que ahora sería el momento de hacer The Mexico City Experiment”, dice Clouser.
Por tal razón y en concordancia con el legado de The Experiment Series, la disquera Ropeadope (asentada en Filadelfia, Estados Unidos) se asoció en nuestro país con su colaborador y director de Ropeadope SUR, Todd Clouser (integrante del trio A Love Electric), para documentar la vibrante escena musical de la Ciudad de México.
Clouser eligió a un grupo de espíritus aventureros para integrar el proyecto The Mexico City Experiment. Se trata de artistas del ambiente de la canción moderna, free jazz, groove/funk, spoken word y de la poesía para “crear tres noches inolvidables que documentan y provocan la música hecha en la Ciudad de México”.
Y agrega: “Para mí, dicho con completa parcialidad, la Ciudad de México es el centro del nuevo mundo creativo. El cine, la literatura, las artes sonoras vuelan en México. Esperaba que pudiéramos hacer algo para honrar a la ciudad que me ha dado todo”.
El viernes 2 de febrero se presenta Guadalupe Galván, Rodrio de Leo, Ramsés Luna, Aguas Ayala y Jacobo Guerrero, acompañados de visuales creados por Morris Trujillo. Al día siguiente, sábado 3, sube al escenario Joaquín García e invitados de PYL Studio. Finalmente, el domingo 4, ofrece su música Germán Bringas, Alda Arita, Adriana Camacho, Eli Piña, Mariane Yunes y Juan Pantoja.
En el espectáculo, la magia se convierte en un espejo que refleja la verdadera maravilla de la existencia. El cómico espectáculo de cabaret fusiona la magia clásica con una narrativa tan enigmática como la vida misma.
¿Es la magia algo real o un truco del destino?, ¿qué queda cuando la magia abandona al mago?, lo anterior se pregunta el personaje cuando termina su espectáculo. Ahora tiene que recordar pasajes de su vida para descubrirse a sí mismo y desentrañar el misterio de la desaparición del asombro, acompañado de hipnótica música en vivo.
¡Prepárense para sumergirse en un mundo en el que la ilusión se encuentra con la realidad y descubran la auténtica magia que late en el corazón de cada momento!
LA DESILUSIÓN DE LA ILUSIÓN FUSIONA TEATRO, MÚSICA, CLOWN Y MAGIA PARA AHONDAR EN LOS PROFUNDOS SECRETOS DEL SER HUMANO
Escrito y dirigido por Javier y Carlos Rendón Tovar, el espectáculo se presenta del 25 de enero al 4 de febrero, en el Teatro Sergio Magaña
La desilusión de la ilusión es una propuesta de teatro, un espectáculo de música y de buen humor con una intrigante historia: al cerrar el telón, la magia se termina en la vida de un prestidigitador, quien tiene que recordar pasajes de su vida para descubrirse a sí mismo.
Escrita y dirigida por los artistas de la magia Javier Rendón Tovar y Carlos Rendón Tovar, con la actuación del propio Javier, la propuesta hurga en los misterios de la vida de un mago en un aparente mundo de fantasía e ilusión llamado “presente”.
Con música original, interpretada en vivo por sus autores, Fores Basura, David Almaga y Carolina Ome Tochtli, La desilusión de la ilusión se presenta del 25 de enero al 4 de febrero, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Javier Rendón Tovar (conocido también como el mago Javy Poker) y su hermano, llevan al escenario momentos de la vida cotidiana de un ilusionista que anhela encontrar su magia y descubrirse a través de sus recuerdos –situaciones familiares como la carencia de alimento, los secretos y las decepciones por no ser o hacer lo que otros desean–.
"Seguro ustedes afirman –comenta Javier– que la vida de un mago debe ser fascinante. En el espectáculo mostramos cómo los personajes de la historia, aún con poderes sobrenaturales, necesitan un poco más que magia para vivir plenos y felices".
Durante el espectáculo, el público aprecia una variedad de efectos mágicos, desde la prestidigitación (rapidez de los dedos), apariciones, desapariciones y transformaciones, entre otros.
“El desafío del mago es asombrar al público. Nuestro personaje recuerda que las más grandes ilusiones ocurren en la simpleza de la vida. Al mostrar el truco bajo la manga se crea un personaje empático… sin ser magos todos tenemos un poco de magia”.
El diseño de dirección apela a elementos técnicos del clown que permiten al ejecutante crear planos entre la ficción, la magia y la respuesta del público ante la acción escénica, además de la visualización del acto mágico como la unidad mínima de representación del mago-actor.
La comedia es tanto física como verbal. Además, estéticamente se propone un mobiliario del siglo XIX, música clásica y barroca en versiones de jazz, así como iluminación incandescente y led, mensajes de texto y cartas, realidad y ficción.
Producción de Teatro de la Ilusión –con el apoyo del Sistema de Apoyo a la Creación y Proyectos Culturales–, la propuesta cuenta con un diseño de iluminación de Alfredo Márquez y diseño de vestuario de Christian Aquino.
En la selva de Yucatán ha nacido Pingüica, una niña verde que tiene la inocencia de aquellos que pueden comunicarse con los animales y la inteligencia y sensibilidad de una digna gobernante.
Pingüica descubrirá su grandeza pero para convertirse en lo que está destinada a ser antes deberá competir con el Señor Venado.
¿Podrá Pingüica vencer al Gran Gobernante de Uxmal y compartir un sueño tan grande con el pueblo?
INVITA EL TEATRO SERGIO MAGAÑA A DISFRUTAR DE LA MARAVILLOSA HISTORIA DE CHIQUITA PINGÜICA
Con funciones los sábados y domingos, la propuesta cuenta con una temporada del 13 de enero al 4 de febrero
Escrito por Sabina Berman, el texto se basa en un cuento de la tradición maya
El Teatro Sergio Magaña invita al público familiar a comenzar 2024 con la puesta en escena La maravillosa historia de Chiquita Pingüica, un texto de Sabina Berman, a partir de un cuento maya, que destaca la valentía y el honor de los jóvenes.
Bajo la dirección de Gabriela Núñez y actuaciones de la compañía Coliseo Colectivo –formada por egresados de CasAzul–, la propuesta se escenifica del 13 de enero al 4 de febrero, los sábados y domingos a las 13:00 horas, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La maravillosa historia de Chiquita Pingüica relata la vida cotidiana de uno de los grandes señoríos mayas que florecieron en lo que actualmente es Yucatán. Ahí, una anciana sin hijos cuida con mucho esmero un huevo. Una mañana descubre que de éste nació una criatura muy parecida a un ser humano y, según ella, está predestinada a ser “el gran Señor de Uxmal”.
Pingüica, como lo nombró la mujer, sufre el rechazo de otros niños, debido a que es baja de estatura y el color de su piel es verde como una esmeralda. Por eso, la solitaria pequeña se adentra por largas horas en la selva y es ahí donde conoce a criaturas que no la juzgan, por el contrario, la valoran y apoyan.
Con la ayuda de los animales, con quienes comparte un sueño en común, combaten al “Señor Venado”, quien impone sus ideas por medio de la fuerza y la manipulación, y juntos convierten un sueño en realidad.
El equipo de artistas que ha trabajado intensamente para llevar a cabo el presente montaje, considera que al tratarse de un texto inspirado en una leyenda de la tradición maya “puede abordarse con elementos prehispánicos que pertenezcan a esta cultura, tanto en el vestuario como en la utilería”.
De igual forma, al tratarse de una propuesta en la que se trabajan diferentes elementos míticos, “la actoralidad podía abordarse desde un estilo no realista, en consecuencia al uso de tocados como dispositivos de máscaras. Los intérpretes que personifican a animales adoptan las posturas, ruidos y forma de caminar de éstos, aunque también se recurre a gestos y voces distintas para interpretar a los personajes humanos que hacen referencia a figuras mayas”.
Las máscaras que se usan, creadas con papel y diseñadas exclusivamente para el montaje por el artista plástico Benjamín Barrios, representan la pieza principal del vestuario, que se complementa por detalles mayas dibujados con maquillaje corporal y una base neutra (ropa negra) para los animales y huipiles de manta para los humanos.
También se propone música en vivo para algunas escenas y el uso de instrumentos prehispánicos para hacer sonidos específicos como la lluvia, el llanto, los golpes o sonidos más abstractos para el uso de "magia" o en la aparición de ciertos personajes.
En la pieza participan los actores: Gris Alba, Gala Audelo, Andrea Chacón, Diego Collazo, Brandon Cornejo, Paulina Flores, Sofía Gómez, Denisse Guevara, Danniela Kapellmann, Erik Loaiza, Arturo Mendoza, Ilu Morales, Montserrat Pomares, Cristina Rodríguez, Fabiola Rojo, Valeria Téllez, Aitana Valle, Armando Aguirre y Santiago Clay.
Completan el equipo creativo: en el diseño sonoro y acompañamiento musical: Arturo Mendoza, en la música: Brandon Cornejo, en el diseño coreográfico: Luis Arturo Rodríguez y en la asesoría en máscara: Mauricio Pimentel, todos bajo la dirección de Gabriela Núñez.
Adaptación para la escena del aclamado poema de la gran escritora novohispana Sor Juana Inés de la Cruz. Se trata de una interpretación multidisciplinaria, declamación bilingüe en Lengua de Señas Mexicana y español.
La puesta consiste en una selección de fragmentos del poema, dividida en nueve segmentos con ocho interludios de música, danza y video-animaciones, realizadas en técnica de rotoscopía, sobre videos de actores sordos interpretando narraciones poéticas originales en señas, creadas ex-profeso para el espectáculo.
SEÑA Y VERBO CUMPLE 30 AÑOS DE HACER UN TEATRO PROFESIONAL QUE ROMPE BARRERAS DE COMUNICACIÓN ENTRE OYENTES Y SORDOS
El sábado 3 de febrero se escenifica el espectáculo multidisciplinario Yo Despierta, basado en el poema Primero sueño de Sor Juana Inés de la Cruz, bajo la dirección de Alberto Lomnitz y Eduardo Domínguez
Con la participación de la compañía LY se lleva a cabo una única función en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Seña y Verbo, compañía mexicana de teatro para sordos y oyentes, integrada por actores profesionales sordos, celebra su 30 aniversario con una función especial del espectáculo multidisciplinario Yo Despierta, basado en el poema Primero sueño, de Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695).
A cargo de Socorro Casillas (actriz sorda) y Haydeé Boetto (actriz oyente), la propuesta presenta una única función, el próximo sábado 3 de febrero, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la dirección de escena de Alberto Lomnitz y Eduardo Domínguez, así como la dramaturgia de Ingrid Solana, Yo Despierta se trata de una novedosa adaptación multidisciplinaria, ya que recurre a la declamación bilingüe –en Lengua de Señas Mexicana (LSM) y en idioma español–, la música original, la danza y el videoarte.
El proyecto contó con un arduo trabajo que emprendió la reconocida compañía con el objetivo de acercar a todo el público a uno de los más complejos y hermosos textos barrocos. Además, la pieza tiene la particularidad de incluir a un ensamble dancístico que enriquece la experiencia escénica.
Para su estreno en el 51 Festival Internacional Cervantino, Seña y Verbo colaboró con la compañía de danza El Circo ContemporáNEO y, en esta ocasión, para celebrar su 30 aniversario, cuenta con el trabajo coreográfico de LY, agrupación con la que continuará presentándose en futuras funciones.
Destaca también que el diseño escénico se apoya fuertemente en paisajes sonoros, en música original y en una gran pantalla de proyección de video, que sirve de telón de fondo a toda la puesta en escena.
Yo Despierta es un proyecto que presenta una selección de fragmentos del extenso poema de Sor Juana, que se divide en nueve secciones, y debido a la complejidad del español virreinal de La Décima Musa, al inicio de cada sección se proyecta una sinopsis de su contenido. Al término de cada segmento se presenta un interludio con una reinterpretación con imágenes complementarias, música, danza y videoarte.
Las video-animaciones que sirven de telón de fondo fueron realizadas por ocho artistas visuales en técnica de rotoscopia sobre videos de actores sordos quienes interpretan narraciones poéticas originales en señas, creadas ex-profeso para el espectáculo.
El trabajo de videoarte es de Línea 2 Productora (El arribo de la noche), Alejandra Lomnitz (La llegada del sueño), Andrea Gudiño (El dormir humano), Miguel Velasco (Las partes del cuerpo), Julia Granillo Tostado (La fantasía), Victoria Karmín (El entendimiento discurre sobre el todo), Santiago Rosas (El entendimiento humilde) y Güicho Núñez (La flaca razón se enfrenta a la máquina del cosmos).
Completan el equipo creativo: Sara Salomón en el diseño de vestuario, Patricia Gutiérrez Arriaga en la iluminación, Ricardo Lomnitz en la música, y Alejandra Lomnitz en la coordinación de rotoscopia.
Única en Latinoamérica, la agrupación Seña y Verbo fue fundada en 1993 originalmente con el propósito de promover la lengua y la cultura de los sordos a través puestas en escena profesionales dirigidas a sordos y oyentes. Al detectar la falta de acceso a la educación artística para la comunidad sorda en México, su vocación también se enfocó en proveer talleres de actuación para sordos y con el paso del tiempo se consolidó como un referente del quehacer escénico nacional, dentro y fuera del país.
Durante tres décadas, ha producido más de 20 entrañables puestas en escena como El misterio del circo donde nadie oyó nada, ¡PAAH! Tres historias para ser escuchadas, ¡¿Quién te entiende?!, Uga, La vuelta al mundo en 80 días, Silencio, Romeo y Murmullos, entre muchas otras. Asimismo, han realizado 17 giras internacionales y alrededor de 4 mil 500 representaciones.
En 2017 se convirtió en la primera compañía de teatro profesional en toda Iberoamérica en ser dirigida por una persona sorda: Eduardo Domínguez, y con ello ha iniciado una nueva etapa que la afianza como una empresa cultural que además de hacer teatro, se dedica a ofrecer multiples talleres y conferencias en torno a la actuación para sordos y la Lengua de Señas Mexicana, así como a asesorar y participar de otros proyectos culturales, como reciententemente lo hizo con la película Todo el silencio, ópera prima de Diego del Río, que debutó en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia.
The Mexico City Experiment celebra la escena de la música creativa en la capital del país con una serie de conciertos de jazz, rock, música tradicional y poesía, que se combinan para crear una experiencia única y poderosa, explorando el sonido actual de la urbe, en transformación constante, con un pulso y energía incansable, tradiciones profundas y una nueva ola de colaboración entre culturas, nacionalidades y visiones.
THE MEXICO CITY EXPERIMENT, TRES NOCHES QUE DOCUMENTAN LA MÚSICA HECHA EN LA CIUDAD DE MÉXICO
Bajo la dirección de Todd Clouser, los conciertos cuentan con la participación de destacados músicos de la escena contemporánea de la capital del país
Cada día un cartel diferente en el recinto de Villalongín
Los días 2, 3 y 4 de febrero, en el Teatro Benito Juárez de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, se lleva a cabo el ciclo de conciertos The Mexico City Experiment, bajo la dirección del cantante y guitarrista Todd Clouser, acompañado de un destacado grupo de músicos mexicanos de la escena actual.
Ropeadope X y Ropeadope SUR (multifacéticas empresas discografías) organizan la serie de conciertos, únicos e irrepetibles, como una celebración por la aparición del disco The Mexico City Experiment, creación y producción de Todd Clouser y Jerónimo González.
El álbum se grabó en los Estudios Noviembre, en mayo de 2022, y se lanzó al público el 9 de junio de 2023 con las canciones Bored Folks, De buche, I Feel Love, Interludio, Jarocho Street, Kooks, Optimist, Poza Rica, Swan Song y Talkin' Mexico City.
Para los tres conciertos que se realizan se cuenta con la participación de los músicos radicados en Mexico: Germán Bringas (saxofón y voz), Jerónimo González (bajo, jarana y samples), Guadalupe Galván (poesía), Jorge Servín (batería) y Agustín Ayala (teclados), así como Alex Ataola, Joaquín García e invitados de PYL Studio, y el propio Todd Clouser.
El concepto Experiment comenzó en junio de 2001 con el proyecto The Philadelphia Experiment, ampliamente conocido como un sello distintivo del jazz progresivo que estableció un estándar. Posteriormente surgieron The Detroit Experiment y The Harlem Experiment. En 2022, Greg Spero produjo The Chicago Experiment y The Chicago Experiment Revisited.
“Cuando vi que Ropeadope continuaba la serie Experiment con el disco radical The Chicago Experiment, pensé que ahora sería el momento de hacer The Mexico City Experiment”, dice Clouser.
Por tal razón y en concordancia con el legado de The Experiment Series, la disquera Ropeadope (asentada en Filadelfia, Estados Unidos) se asoció en nuestro país con su colaborador y director de Ropeadope SUR, Todd Clouser (integrante del trio A Love Electric), para documentar la vibrante escena musical de la Ciudad de México.
Clouser eligió a un grupo de espíritus aventureros para integrar el proyecto The Mexico City Experiment. Se trata de artistas del ambiente de la canción moderna, free jazz, groove/funk, spoken word y de la poesía para “crear tres noches inolvidables que documentan y provocan la música hecha en la Ciudad de México”.
Y agrega: “Para mí, dicho con completa parcialidad, la Ciudad de México es el centro del nuevo mundo creativo. El cine, la literatura, las artes sonoras vuelan en México. Esperaba que pudiéramos hacer algo para honrar a la ciudad que me ha dado todo”.
El viernes 2 de febrero se presenta Guadalupe Galván, Rodrio de Leo, Ramsés Luna, Aguas Ayala y Jacobo Guerrero, acompañados de visuales creados por Morris Trujillo. Al día siguiente, sábado 3, sube al escenario Joaquín García e invitados de PYL Studio. Finalmente, el domingo 4, ofrece su música Germán Bringas, Alda Arita, Adriana Camacho, Eli Piña, Mariane Yunes y Juan Pantoja.
Adaptación para la escena del aclamado poema de la gran escritora novohispana Sor Juana Inés de la Cruz. Se trata de una interpretación multidisciplinaria, declamación bilingüe en Lengua de Señas Mexicana y español.
La puesta consiste en una selección de fragmentos del poema, dividida en nueve segmentos con ocho interludios de música, danza y video-animaciones, realizadas en técnica de rotoscopía, sobre videos de actores sordos interpretando narraciones poéticas originales en señas, creadas ex-profeso para el espectáculo.
SEÑA Y VERBO CUMPLE 30 AÑOS DE HACER UN TEATRO PROFESIONAL QUE ROMPE BARRERAS DE COMUNICACIÓN ENTRE OYENTES Y SORDOS
El sábado 3 de febrero se escenifica el espectáculo multidisciplinario Yo Despierta, basado en el poema Primero sueño de Sor Juana Inés de la Cruz, bajo la dirección de Alberto Lomnitz y Eduardo Domínguez
Con la participación de la compañía LY se lleva a cabo una única función en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Seña y Verbo, compañía mexicana de teatro para sordos y oyentes, integrada por actores profesionales sordos, celebra su 30 aniversario con una función especial del espectáculo multidisciplinario Yo Despierta, basado en el poema Primero sueño, de Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695).
A cargo de Socorro Casillas (actriz sorda) y Haydeé Boetto (actriz oyente), la propuesta presenta una única función, el próximo sábado 3 de febrero, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la dirección de escena de Alberto Lomnitz y Eduardo Domínguez, así como la dramaturgia de Ingrid Solana, Yo Despierta se trata de una novedosa adaptación multidisciplinaria, ya que recurre a la declamación bilingüe –en Lengua de Señas Mexicana (LSM) y en idioma español–, la música original, la danza y el videoarte.
El proyecto contó con un arduo trabajo que emprendió la reconocida compañía con el objetivo de acercar a todo el público a uno de los más complejos y hermosos textos barrocos. Además, la pieza tiene la particularidad de incluir a un ensamble dancístico que enriquece la experiencia escénica.
Para su estreno en el 51 Festival Internacional Cervantino, Seña y Verbo colaboró con la compañía de danza El Circo ContemporáNEO y, en esta ocasión, para celebrar su 30 aniversario, cuenta con el trabajo coreográfico de LY, agrupación con la que continuará presentándose en futuras funciones.
Destaca también que el diseño escénico se apoya fuertemente en paisajes sonoros, en música original y en una gran pantalla de proyección de video, que sirve de telón de fondo a toda la puesta en escena.
Yo Despierta es un proyecto que presenta una selección de fragmentos del extenso poema de Sor Juana, que se divide en nueve secciones, y debido a la complejidad del español virreinal de La Décima Musa, al inicio de cada sección se proyecta una sinopsis de su contenido. Al término de cada segmento se presenta un interludio con una reinterpretación con imágenes complementarias, música, danza y videoarte.
Las video-animaciones que sirven de telón de fondo fueron realizadas por ocho artistas visuales en técnica de rotoscopia sobre videos de actores sordos quienes interpretan narraciones poéticas originales en señas, creadas ex-profeso para el espectáculo.
El trabajo de videoarte es de Línea 2 Productora (El arribo de la noche), Alejandra Lomnitz (La llegada del sueño), Andrea Gudiño (El dormir humano), Miguel Velasco (Las partes del cuerpo), Julia Granillo Tostado (La fantasía), Victoria Karmín (El entendimiento discurre sobre el todo), Santiago Rosas (El entendimiento humilde) y Güicho Núñez (La flaca razón se enfrenta a la máquina del cosmos).
Completan el equipo creativo: Sara Salomón en el diseño de vestuario, Patricia Gutiérrez Arriaga en la iluminación, Ricardo Lomnitz en la música, y Alejandra Lomnitz en la coordinación de rotoscopia.
Única en Latinoamérica, la agrupación Seña y Verbo fue fundada en 1993 originalmente con el propósito de promover la lengua y la cultura de los sordos a través puestas en escena profesionales dirigidas a sordos y oyentes. Al detectar la falta de acceso a la educación artística para la comunidad sorda en México, su vocación también se enfocó en proveer talleres de actuación para sordos y con el paso del tiempo se consolidó como un referente del quehacer escénico nacional, dentro y fuera del país.
Durante tres décadas, ha producido más de 20 entrañables puestas en escena como El misterio del circo donde nadie oyó nada, ¡PAAH! Tres historias para ser escuchadas, ¡¿Quién te entiende?!, Uga, La vuelta al mundo en 80 días, Silencio, Romeo y Murmullos, entre muchas otras. Asimismo, han realizado 17 giras internacionales y alrededor de 4 mil 500 representaciones.
En 2017 se convirtió en la primera compañía de teatro profesional en toda Iberoamérica en ser dirigida por una persona sorda: Eduardo Domínguez, y con ello ha iniciado una nueva etapa que la afianza como una empresa cultural que además de hacer teatro, se dedica a ofrecer multiples talleres y conferencias en torno a la actuación para sordos y la Lengua de Señas Mexicana, así como a asesorar y participar de otros proyectos culturales, como reciententemente lo hizo con la película Todo el silencio, ópera prima de Diego del Río, que debutó en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia.
En el espectáculo, la magia se convierte en un espejo que refleja la verdadera maravilla de la existencia. El cómico espectáculo de cabaret fusiona la magia clásica con una narrativa tan enigmática como la vida misma.
¿Es la magia algo real o un truco del destino?, ¿qué queda cuando la magia abandona al mago?, lo anterior se pregunta el personaje cuando termina su espectáculo. Ahora tiene que recordar pasajes de su vida para descubrirse a sí mismo y desentrañar el misterio de la desaparición del asombro, acompañado de hipnótica música en vivo.
¡Prepárense para sumergirse en un mundo en el que la ilusión se encuentra con la realidad y descubran la auténtica magia que late en el corazón de cada momento!
LA DESILUSIÓN DE LA ILUSIÓN FUSIONA TEATRO, MÚSICA, CLOWN Y MAGIA PARA AHONDAR EN LOS PROFUNDOS SECRETOS DEL SER HUMANO
Escrito y dirigido por Javier y Carlos Rendón Tovar, el espectáculo se presenta del 25 de enero al 4 de febrero, en el Teatro Sergio Magaña
La desilusión de la ilusión es una propuesta de teatro, un espectáculo de música y de buen humor con una intrigante historia: al cerrar el telón, la magia se termina en la vida de un prestidigitador, quien tiene que recordar pasajes de su vida para descubrirse a sí mismo.
Escrita y dirigida por los artistas de la magia Javier Rendón Tovar y Carlos Rendón Tovar, con la actuación del propio Javier, la propuesta hurga en los misterios de la vida de un mago en un aparente mundo de fantasía e ilusión llamado “presente”.
Con música original, interpretada en vivo por sus autores, Fores Basura, David Almaga y Carolina Ome Tochtli, La desilusión de la ilusión se presenta del 25 de enero al 4 de febrero, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Javier Rendón Tovar (conocido también como el mago Javy Poker) y su hermano, llevan al escenario momentos de la vida cotidiana de un ilusionista que anhela encontrar su magia y descubrirse a través de sus recuerdos –situaciones familiares como la carencia de alimento, los secretos y las decepciones por no ser o hacer lo que otros desean–.
"Seguro ustedes afirman –comenta Javier– que la vida de un mago debe ser fascinante. En el espectáculo mostramos cómo los personajes de la historia, aún con poderes sobrenaturales, necesitan un poco más que magia para vivir plenos y felices".
Durante el espectáculo, el público aprecia una variedad de efectos mágicos, desde la prestidigitación (rapidez de los dedos), apariciones, desapariciones y transformaciones, entre otros.
“El desafío del mago es asombrar al público. Nuestro personaje recuerda que las más grandes ilusiones ocurren en la simpleza de la vida. Al mostrar el truco bajo la manga se crea un personaje empático… sin ser magos todos tenemos un poco de magia”.
El diseño de dirección apela a elementos técnicos del clown que permiten al ejecutante crear planos entre la ficción, la magia y la respuesta del público ante la acción escénica, además de la visualización del acto mágico como la unidad mínima de representación del mago-actor.
La comedia es tanto física como verbal. Además, estéticamente se propone un mobiliario del siglo XIX, música clásica y barroca en versiones de jazz, así como iluminación incandescente y led, mensajes de texto y cartas, realidad y ficción.
Producción de Teatro de la Ilusión –con el apoyo del Sistema de Apoyo a la Creación y Proyectos Culturales–, la propuesta cuenta con un diseño de iluminación de Alfredo Márquez y diseño de vestuario de Christian Aquino.
Cuando sube la renta del departamento donde viven Epigmenio, José Rodolfo y Saúl, los tres amigos tienen que idear cómo generar más ingresos mientras trabajan y estudian… ya si alcanza la vida, arreglar sus problemas personales.
Un espectáculo que por medio del humor cuestiona lo que significa ser hombre en la actualidad.
EN SÍ WEY TODO BIEN SE DESAFÍA LA CONSIGNA DE “EL DEBER SER DE LOS HOMBRES”
Con actuaciones de Bernardo Camarena, Alejandro León y Diego Aviña, la puesta en escena aborda la masculinidad tóxica, la asexualidad y el machismo en la comunidad gay, entre otros temas
Las funciones se llevan a cabo de jueves a domingo, del 25 de enero al 4 de febrero en el Foro A Poco No
¿Cómo reconocer la violencia que los hombres ejercen contra otros individuos, quienes luego repiten los mismos patrones?, ¿cómo romper con ese pacto impuesto y del cual se forma parte inevitable?, estas son algunas de las interrogantes que se plantean en la puesta en escena Sí wey todo bien, coproducción de Sagredo Producciones y Alusiones Teatro.
Con apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, la propuesta llega al Foro A Poco No, donde ofrece una temporada del 25 de enero al 4 de febrero, con funciones de jueves a domingo.
Se cuenta con la dramaturgia de Diego Aviña y la coordinación de escena de Alan Uribe Villarruel, con las actuaciones de Bernardo Camarena, Alejandro León y el propio Diego Aviña, quienes se enfrentan a sí mismos, a las ideas de la masculinidad tradicional y a confrontar a otros hombres a través del humor.
A partir del momento en que sube la renta de su departamento, tres amigos-roomies (Epigmenio, José Rodolfo y Saúl) tienen que idear cómo generar más ingresos mientras trabajan, estudian y tratan de arreglar sus problemas personales.
Con un diseño de iluminación, escenografía y vestuario de Ela Estrello, el propósito original de Sí wey todo bien –coinciden los actores– es desafiar la consigna de “el deber ser de los hombres”. Para el elenco, la masculinidad es esa zona de peligro en la que sólo existe la dicotomía oprimir o ser oprimido.
“Ser hombre en nuestros tiempos significa convertir el dolor en rabia, en un coraje que se vuelca contra todos los que están a nuestro alrededor, todo con tal de no enfrentar lo que nos lastima”, afirma la producción.
En Sí wey todo bien “escarbamos en nosotros mismos para traer a la mesa temas como la masculinidad tóxica, la asexualidad en los hombres, el machismo en la comunidad gay, cómo actuar cuando un amigo violenta a su novia, así como el abuso sexual hacia los hombres”.
Y subrayan: “Señalamos nuestras propias faltas, dolores y violencia para así también encarar a nuestros amigos y modificar-sanar lo que significa realmente ser hombre (…), asomarnos detrás de ese muro infranqueable que es la masculinidad, pero sin caer en los señalamientos morales más obvios cuando hablamos de violencia, masculinidad y roles de género”.
En la selva de Yucatán ha nacido Pingüica, una niña verde que tiene la inocencia de aquellos que pueden comunicarse con los animales y la inteligencia y sensibilidad de una digna gobernante.
Pingüica descubrirá su grandeza pero para convertirse en lo que está destinada a ser antes deberá competir con el Señor Venado.
¿Podrá Pingüica vencer al Gran Gobernante de Uxmal y compartir un sueño tan grande con el pueblo?
INVITA EL TEATRO SERGIO MAGAÑA A DISFRUTAR DE LA MARAVILLOSA HISTORIA DE CHIQUITA PINGÜICA
Con funciones los sábados y domingos, la propuesta cuenta con una temporada del 13 de enero al 4 de febrero
Escrito por Sabina Berman, el texto se basa en un cuento de la tradición maya
El Teatro Sergio Magaña invita al público familiar a comenzar 2024 con la puesta en escena La maravillosa historia de Chiquita Pingüica, un texto de Sabina Berman, a partir de un cuento maya, que destaca la valentía y el honor de los jóvenes.
Bajo la dirección de Gabriela Núñez y actuaciones de la compañía Coliseo Colectivo –formada por egresados de CasAzul–, la propuesta se escenifica del 13 de enero al 4 de febrero, los sábados y domingos a las 13:00 horas, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La maravillosa historia de Chiquita Pingüica relata la vida cotidiana de uno de los grandes señoríos mayas que florecieron en lo que actualmente es Yucatán. Ahí, una anciana sin hijos cuida con mucho esmero un huevo. Una mañana descubre que de éste nació una criatura muy parecida a un ser humano y, según ella, está predestinada a ser “el gran Señor de Uxmal”.
Pingüica, como lo nombró la mujer, sufre el rechazo de otros niños, debido a que es baja de estatura y el color de su piel es verde como una esmeralda. Por eso, la solitaria pequeña se adentra por largas horas en la selva y es ahí donde conoce a criaturas que no la juzgan, por el contrario, la valoran y apoyan.
Con la ayuda de los animales, con quienes comparte un sueño en común, combaten al “Señor Venado”, quien impone sus ideas por medio de la fuerza y la manipulación, y juntos convierten un sueño en realidad.
El equipo de artistas que ha trabajado intensamente para llevar a cabo el presente montaje, considera que al tratarse de un texto inspirado en una leyenda de la tradición maya “puede abordarse con elementos prehispánicos que pertenezcan a esta cultura, tanto en el vestuario como en la utilería”.
De igual forma, al tratarse de una propuesta en la que se trabajan diferentes elementos míticos, “la actoralidad podía abordarse desde un estilo no realista, en consecuencia al uso de tocados como dispositivos de máscaras. Los intérpretes que personifican a animales adoptan las posturas, ruidos y forma de caminar de éstos, aunque también se recurre a gestos y voces distintas para interpretar a los personajes humanos que hacen referencia a figuras mayas”.
Las máscaras que se usan, creadas con papel y diseñadas exclusivamente para el montaje por el artista plástico Benjamín Barrios, representan la pieza principal del vestuario, que se complementa por detalles mayas dibujados con maquillaje corporal y una base neutra (ropa negra) para los animales y huipiles de manta para los humanos.
También se propone música en vivo para algunas escenas y el uso de instrumentos prehispánicos para hacer sonidos específicos como la lluvia, el llanto, los golpes o sonidos más abstractos para el uso de "magia" o en la aparición de ciertos personajes.
En la pieza participan los actores: Gris Alba, Gala Audelo, Andrea Chacón, Diego Collazo, Brandon Cornejo, Paulina Flores, Sofía Gómez, Denisse Guevara, Danniela Kapellmann, Erik Loaiza, Arturo Mendoza, Ilu Morales, Montserrat Pomares, Cristina Rodríguez, Fabiola Rojo, Valeria Téllez, Aitana Valle, Armando Aguirre y Santiago Clay.
Completan el equipo creativo: en el diseño sonoro y acompañamiento musical: Arturo Mendoza, en la música: Brandon Cornejo, en el diseño coreográfico: Luis Arturo Rodríguez y en la asesoría en máscara: Mauricio Pimentel, todos bajo la dirección de Gabriela Núñez.
El Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández vuelve a una de las sedes principales de toda su trayectoria: el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Bajo la dirección general de Salvador López López y la dirección artística de Viviana Basanta Hernández se ofrecerá un programa especial que incluye Pinotepan, La danza del venado y Fiesta de Jalisco, las cuales son las obras más representativas de Amalia Hernández.
En esta única función, el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández presentará un programa especial que celebra lo mexicano a través de sus bailes, sonidos y colorida diversidad en un viaje por el tiempo y las diferentes regiones del país.
En el espectáculo, la magia se convierte en un espejo que refleja la verdadera maravilla de la existencia. El cómico espectáculo de cabaret fusiona la magia clásica con una narrativa tan enigmática como la vida misma.
¿Es la magia algo real o un truco del destino?, ¿qué queda cuando la magia abandona al mago?, lo anterior se pregunta el personaje cuando termina su espectáculo. Ahora tiene que recordar pasajes de su vida para descubrirse a sí mismo y desentrañar el misterio de la desaparición del asombro, acompañado de hipnótica música en vivo.
¡Prepárense para sumergirse en un mundo en el que la ilusión se encuentra con la realidad y descubran la auténtica magia que late en el corazón de cada momento!
LA DESILUSIÓN DE LA ILUSIÓN FUSIONA TEATRO, MÚSICA, CLOWN Y MAGIA PARA AHONDAR EN LOS PROFUNDOS SECRETOS DEL SER HUMANO
Escrito y dirigido por Javier y Carlos Rendón Tovar, el espectáculo se presenta del 25 de enero al 4 de febrero, en el Teatro Sergio Magaña
La desilusión de la ilusión es una propuesta de teatro, un espectáculo de música y de buen humor con una intrigante historia: al cerrar el telón, la magia se termina en la vida de un prestidigitador, quien tiene que recordar pasajes de su vida para descubrirse a sí mismo.
Escrita y dirigida por los artistas de la magia Javier Rendón Tovar y Carlos Rendón Tovar, con la actuación del propio Javier, la propuesta hurga en los misterios de la vida de un mago en un aparente mundo de fantasía e ilusión llamado “presente”.
Con música original, interpretada en vivo por sus autores, Fores Basura, David Almaga y Carolina Ome Tochtli, La desilusión de la ilusión se presenta del 25 de enero al 4 de febrero, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Javier Rendón Tovar (conocido también como el mago Javy Poker) y su hermano, llevan al escenario momentos de la vida cotidiana de un ilusionista que anhela encontrar su magia y descubrirse a través de sus recuerdos –situaciones familiares como la carencia de alimento, los secretos y las decepciones por no ser o hacer lo que otros desean–.
"Seguro ustedes afirman –comenta Javier– que la vida de un mago debe ser fascinante. En el espectáculo mostramos cómo los personajes de la historia, aún con poderes sobrenaturales, necesitan un poco más que magia para vivir plenos y felices".
Durante el espectáculo, el público aprecia una variedad de efectos mágicos, desde la prestidigitación (rapidez de los dedos), apariciones, desapariciones y transformaciones, entre otros.
“El desafío del mago es asombrar al público. Nuestro personaje recuerda que las más grandes ilusiones ocurren en la simpleza de la vida. Al mostrar el truco bajo la manga se crea un personaje empático… sin ser magos todos tenemos un poco de magia”.
El diseño de dirección apela a elementos técnicos del clown que permiten al ejecutante crear planos entre la ficción, la magia y la respuesta del público ante la acción escénica, además de la visualización del acto mágico como la unidad mínima de representación del mago-actor.
La comedia es tanto física como verbal. Además, estéticamente se propone un mobiliario del siglo XIX, música clásica y barroca en versiones de jazz, así como iluminación incandescente y led, mensajes de texto y cartas, realidad y ficción.
Producción de Teatro de la Ilusión –con el apoyo del Sistema de Apoyo a la Creación y Proyectos Culturales–, la propuesta cuenta con un diseño de iluminación de Alfredo Márquez y diseño de vestuario de Christian Aquino.
Cuando sube la renta del departamento donde viven Epigmenio, José Rodolfo y Saúl, los tres amigos tienen que idear cómo generar más ingresos mientras trabajan y estudian… ya si alcanza la vida, arreglar sus problemas personales.
Un espectáculo que por medio del humor cuestiona lo que significa ser hombre en la actualidad.
EN SÍ WEY TODO BIEN SE DESAFÍA LA CONSIGNA DE “EL DEBER SER DE LOS HOMBRES”
Con actuaciones de Bernardo Camarena, Alejandro León y Diego Aviña, la puesta en escena aborda la masculinidad tóxica, la asexualidad y el machismo en la comunidad gay, entre otros temas
Las funciones se llevan a cabo de jueves a domingo, del 25 de enero al 4 de febrero en el Foro A Poco No
¿Cómo reconocer la violencia que los hombres ejercen contra otros individuos, quienes luego repiten los mismos patrones?, ¿cómo romper con ese pacto impuesto y del cual se forma parte inevitable?, estas son algunas de las interrogantes que se plantean en la puesta en escena Sí wey todo bien, coproducción de Sagredo Producciones y Alusiones Teatro.
Con apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, la propuesta llega al Foro A Poco No, donde ofrece una temporada del 25 de enero al 4 de febrero, con funciones de jueves a domingo.
Se cuenta con la dramaturgia de Diego Aviña y la coordinación de escena de Alan Uribe Villarruel, con las actuaciones de Bernardo Camarena, Alejandro León y el propio Diego Aviña, quienes se enfrentan a sí mismos, a las ideas de la masculinidad tradicional y a confrontar a otros hombres a través del humor.
A partir del momento en que sube la renta de su departamento, tres amigos-roomies (Epigmenio, José Rodolfo y Saúl) tienen que idear cómo generar más ingresos mientras trabajan, estudian y tratan de arreglar sus problemas personales.
Con un diseño de iluminación, escenografía y vestuario de Ela Estrello, el propósito original de Sí wey todo bien –coinciden los actores– es desafiar la consigna de “el deber ser de los hombres”. Para el elenco, la masculinidad es esa zona de peligro en la que sólo existe la dicotomía oprimir o ser oprimido.
“Ser hombre en nuestros tiempos significa convertir el dolor en rabia, en un coraje que se vuelca contra todos los que están a nuestro alrededor, todo con tal de no enfrentar lo que nos lastima”, afirma la producción.
En Sí wey todo bien “escarbamos en nosotros mismos para traer a la mesa temas como la masculinidad tóxica, la asexualidad en los hombres, el machismo en la comunidad gay, cómo actuar cuando un amigo violenta a su novia, así como el abuso sexual hacia los hombres”.
Y subrayan: “Señalamos nuestras propias faltas, dolores y violencia para así también encarar a nuestros amigos y modificar-sanar lo que significa realmente ser hombre (…), asomarnos detrás de ese muro infranqueable que es la masculinidad, pero sin caer en los señalamientos morales más obvios cuando hablamos de violencia, masculinidad y roles de género”.
The Mexico City Experiment celebra la escena de la música creativa en la capital del país con una serie de conciertos de jazz, rock, música tradicional y poesía, que se combinan para crear una experiencia única y poderosa, explorando el sonido actual de la urbe, en transformación constante, con un pulso y energía incansable, tradiciones profundas y una nueva ola de colaboración entre culturas, nacionalidades y visiones.
THE MEXICO CITY EXPERIMENT, TRES NOCHES QUE DOCUMENTAN LA MÚSICA HECHA EN LA CIUDAD DE MÉXICO
Bajo la dirección de Todd Clouser, los conciertos cuentan con la participación de destacados músicos de la escena contemporánea de la capital del país
Cada día un cartel diferente en el recinto de Villalongín
Los días 2, 3 y 4 de febrero, en el Teatro Benito Juárez de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, se lleva a cabo el ciclo de conciertos The Mexico City Experiment, bajo la dirección del cantante y guitarrista Todd Clouser, acompañado de un destacado grupo de músicos mexicanos de la escena actual.
Ropeadope X y Ropeadope SUR (multifacéticas empresas discografías) organizan la serie de conciertos, únicos e irrepetibles, como una celebración por la aparición del disco The Mexico City Experiment, creación y producción de Todd Clouser y Jerónimo González.
El álbum se grabó en los Estudios Noviembre, en mayo de 2022, y se lanzó al público el 9 de junio de 2023 con las canciones Bored Folks, De buche, I Feel Love, Interludio, Jarocho Street, Kooks, Optimist, Poza Rica, Swan Song y Talkin' Mexico City.
Para los tres conciertos que se realizan se cuenta con la participación de los músicos radicados en Mexico: Germán Bringas (saxofón y voz), Jerónimo González (bajo, jarana y samples), Guadalupe Galván (poesía), Jorge Servín (batería) y Agustín Ayala (teclados), así como Alex Ataola, Joaquín García e invitados de PYL Studio, y el propio Todd Clouser.
El concepto Experiment comenzó en junio de 2001 con el proyecto The Philadelphia Experiment, ampliamente conocido como un sello distintivo del jazz progresivo que estableció un estándar. Posteriormente surgieron The Detroit Experiment y The Harlem Experiment. En 2022, Greg Spero produjo The Chicago Experiment y The Chicago Experiment Revisited.
“Cuando vi que Ropeadope continuaba la serie Experiment con el disco radical The Chicago Experiment, pensé que ahora sería el momento de hacer The Mexico City Experiment”, dice Clouser.
Por tal razón y en concordancia con el legado de The Experiment Series, la disquera Ropeadope (asentada en Filadelfia, Estados Unidos) se asoció en nuestro país con su colaborador y director de Ropeadope SUR, Todd Clouser (integrante del trio A Love Electric), para documentar la vibrante escena musical de la Ciudad de México.
Clouser eligió a un grupo de espíritus aventureros para integrar el proyecto The Mexico City Experiment. Se trata de artistas del ambiente de la canción moderna, free jazz, groove/funk, spoken word y de la poesía para “crear tres noches inolvidables que documentan y provocan la música hecha en la Ciudad de México”.
Y agrega: “Para mí, dicho con completa parcialidad, la Ciudad de México es el centro del nuevo mundo creativo. El cine, la literatura, las artes sonoras vuelan en México. Esperaba que pudiéramos hacer algo para honrar a la ciudad que me ha dado todo”.
El viernes 2 de febrero se presenta Guadalupe Galván, Rodrio de Leo, Ramsés Luna, Aguas Ayala y Jacobo Guerrero, acompañados de visuales creados por Morris Trujillo. Al día siguiente, sábado 3, sube al escenario Joaquín García e invitados de PYL Studio. Finalmente, el domingo 4, ofrece su música Germán Bringas, Alda Arita, Adriana Camacho, Eli Piña, Mariane Yunes y Juan Pantoja.
Espectáculo de cabaret que reflexiona sobre los conservadurismos religiosos y políticos de nuestro país. Narra la historia de las monjas “Madre PAN-dilla” y “Madre PAN-torrilla”, vendedoras de rompo-pito, quienes están encerradas en una cloaca en espera de la venida del señor.
Junto con “Ratito El Ratoncito”, su achichincle, abrirán la caja de PAN-dora y se cuestionarán, desde el humor, los discursos abiertamente antiderechos de la clase política mexicana, sus abusos de poder, la iglesia y su PAN-dilla.
Asimismo, a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política mexicana expondrán sus más grandes deseos de gobernar, ahora que fueron elegidas entre tantas corcholatas.
EL CLÁSICO TEATRO DE REVISTA MEXICANO Y EL THRILLER POLÍTICO EUROPEO SE UNEN EN ÉCHAME A MÍ LA CULPA (Y TODO LO QUE QUIERAS)
Crítica desde el sarcasmo, el buen humor, el teatro y la música a los discursos anti-derechos y plagados de demagogia
Del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Cabaret de Diez presenta su espectáculo Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras), una propuesta que recurre al teatro, al cabaret, al clown y a la música para hacer una crítica, desde el sarcasmo y el buen humor, a los discursos plagados de racismo, demagogia y corrupción que permean la política.
Con una dramaturgia de Carlos Alexis, la propuesta cuenta con las actuaciones del propio autor, así como de Mónica Magdiel y Daniel Berthier, tres artistas egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El clásico teatro de revista mexicano y el thriller político de origen europeo se combinan en el proyecto que se presenta del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La puesta en escena, renovada y actualizada, expone la corrupción, ridiculiza los vicios de personajes de la política y divierte a los asistentes. Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras) cuenta la historia de dos monjas (la Madre PAN-dilla y la Madre PAN-torrilla), tímidas religiosas vendedoras de “rompopito”, quienes están encerradas en una especie de cloaca y sin embargo se mantienen “en espera de la venida del Señor”.
Junto con Ratito El Ratoncito, su achichincle, las hermanas abren la caja de PAN-dora y se cuestionan, desde el humor, los abusos de poder y los discursos abiertamente anti-derechos de la clase política, de las iglesias y de su propia PAN-dilla.
Asimismo, en el escenario y a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política exponen sus deseos de gobernar. Entre improvisaciones, canciones ejecutadas a través de la parodia, coreografías y vestuarios construidos a partir del delirio, el espectáculo busca provocar risas, además de un diálogo directo con el espectador desde el peculiar sello crítico del cabaret.
La escenografía y la iluminación del espectáculo están diseñadas por César Moctezuma, el vestuario es de Hanniel Oyazabal y la coreografía corre a cargo de Sugey Segovia.
Espectáculo de cabaret que reflexiona sobre los conservadurismos religiosos y políticos de nuestro país. Narra la historia de las monjas “Madre PAN-dilla” y “Madre PAN-torrilla”, vendedoras de rompo-pito, quienes están encerradas en una cloaca en espera de la venida del señor.
Junto con “Ratito El Ratoncito”, su achichincle, abrirán la caja de PAN-dora y se cuestionarán, desde el humor, los discursos abiertamente antiderechos de la clase política mexicana, sus abusos de poder, la iglesia y su PAN-dilla.
Asimismo, a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política mexicana expondrán sus más grandes deseos de gobernar, ahora que fueron elegidas entre tantas corcholatas.
EL CLÁSICO TEATRO DE REVISTA MEXICANO Y EL THRILLER POLÍTICO EUROPEO SE UNEN EN ÉCHAME A MÍ LA CULPA (Y TODO LO QUE QUIERAS)
Crítica desde el sarcasmo, el buen humor, el teatro y la música a los discursos anti-derechos y plagados de demagogia
Del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Cabaret de Diez presenta su espectáculo Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras), una propuesta que recurre al teatro, al cabaret, al clown y a la música para hacer una crítica, desde el sarcasmo y el buen humor, a los discursos plagados de racismo, demagogia y corrupción que permean la política.
Con una dramaturgia de Carlos Alexis, la propuesta cuenta con las actuaciones del propio autor, así como de Mónica Magdiel y Daniel Berthier, tres artistas egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El clásico teatro de revista mexicano y el thriller político de origen europeo se combinan en el proyecto que se presenta del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La puesta en escena, renovada y actualizada, expone la corrupción, ridiculiza los vicios de personajes de la política y divierte a los asistentes. Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras) cuenta la historia de dos monjas (la Madre PAN-dilla y la Madre PAN-torrilla), tímidas religiosas vendedoras de “rompopito”, quienes están encerradas en una especie de cloaca y sin embargo se mantienen “en espera de la venida del Señor”.
Junto con Ratito El Ratoncito, su achichincle, las hermanas abren la caja de PAN-dora y se cuestionan, desde el humor, los abusos de poder y los discursos abiertamente anti-derechos de la clase política, de las iglesias y de su propia PAN-dilla.
Asimismo, en el escenario y a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política exponen sus deseos de gobernar. Entre improvisaciones, canciones ejecutadas a través de la parodia, coreografías y vestuarios construidos a partir del delirio, el espectáculo busca provocar risas, además de un diálogo directo con el espectador desde el peculiar sello crítico del cabaret.
La escenografía y la iluminación del espectáculo están diseñadas por César Moctezuma, el vestuario es de Hanniel Oyazabal y la coreografía corre a cargo de Sugey Segovia.
Bajo el concepto de boy band, se desarrolla una narrativa nostálgica de la generación millennial, a través de un solo coreográfico de danza contemporánea que explora el universo de la cultura pop de los años noventa, en el cual la representación de la música eurodance y el uso de objetos típicos de la década, se hace referencia al boom del consumo del plástico.
PLASTIK FANTASTIK, DANZA QUE CRÍTICA EL DESMEDIDO CONSUMO DE PLÁSTICO
A cargo del intérprete Daniel Luis, la propuesta viaja a los años noventa para ubicar el inicio del boom del uso desmedido de productos plásticos
Se presenta del 8 al 11 de febrero, de jueves a domingo, en el Foro A Poco No
El joven bailarín, coreógrafo y director escénico Daniel Luis, quien radica en Monterrey, Nuevo León, y es beneficiario del programa Jóvenes Creadores del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales –emisiones 2020-2021 y 2023-2024–, se ha caracterizado por desarrollar proyectos independientes y explorar nuevas formas de colaboración interdisciplinarias.
Sus creaciones se presentan en diversas plataformas nacionales e internacionales con gran aceptación del público y, entre ellas, destaca Plastik Fantastik, una coreografía que desarrolla una propuesta que se interna en la década de los noventa para realizar un crítica al desmedido cosumo de plástico.
Co-dirección del propio Daniel Luis y Gaby Hernández, Plastik Fantastik ofrece cuatro únicas funciones, del 8 al 11 de febrero, de jueves a domingo, en el Foro A Poco No de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Se trata de un solo coreográfico de danza contemporánea que explora el universo de la cultura pop noventera con música eurodance y uso de objetos típicos de dicha década. La inspiración surge del concepto de la boy band como un constructo de la identidad masculina, así como del interés por desarrollar una pieza “desde el ejercicio de la memoria, a partir de recuerdos que rodean el consumo del plástico en la infancia”.
El propio Daniel Luis explica: “Partimos de una recopilación visual de personajes y acontecimientos históricos para construir un universo del cual tomar información. Por un lado, los personajes de la música pop y, por otro, el concepto boy band, para definir la identidad del personaje en escena”.
La pieza se constituye de cuatro escenas en las que el intérprete nombra todo el plástico que lo constituye. En la primera se aprecia un espacio íntimo con objetos reales que tuvieron una utilidad en la década de los noventa, que ahora se revisitan con nostalgia. Posteriormente, se aprecia una estructuración coreográfica que combina el movimiento y el recurso de la voz para encontrar un contrapunto que habla de los recuerdos personales con un tono agridulce.
Punto climático, en otro momento, se desarrolla el momento en el que el personaje se apropia del movimiento, a través de la música del grupo Vengaboys, para finalizar con la reflexión irónica sobre las cantidades de plástico que se consume en la actualidad en México y el mundo.
Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y el Libro de Job, Beckett exhibió en Final de partida ese don magistral para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, el ritual trágico de la condición humana.
En efecto, Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey, ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre en un mundo muerto no acaba de morirse nunca.
FIN DE PARTIDA, LA CEREMONIA TRÁGICA DE LA CONDICIÓN HUMANA
La propuesta se presenta del 8 al 18 de febrero con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez
Dirección de Agustín Meza, cuenta con la participación como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown
En el Teatro Benito Juárez se presenta la puesta en escena Fin de partida (Endgame), texto clásico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Agustín Meza y la participación especial como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown, líder fundador de la icónica banda de post-punk Tuxedomoon.
Producción de la compañía de teatro El Ghetto y con actuaciones de Luis Alberti (Ariel al Mejor Actor en 2020 por Mano de obra), Adrián Ladrón (Ariel al Mejor Actor en 2017 por La cuarta compañía), Alejandro Obregón, Rosario Sampablo y el propio Steven Brown como El Hombre Invisible. La propuesta se escenifica del 8 al 18 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Fin de partida (Endgame) “es el momento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quien gana y quien pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor?, ¿jugar?, ¿reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte?”, afirma en un texto específico para el presente montaje la crítica teatral Luz Emilia Aguilar Zínser.
La actual propuesta celebra 21 años del estreno de Esperando a Godot, pieza icónica del mismo Beckett, y que fue puesta en escena hace dos décacas por la agrupación, la cual se convirtió en una exitosa pieza en el panorama escénico de principios del siglo XXI.
La propuesta es “una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza en la que el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es, también, la indagación en la esencia del drama”, subraya la crítica teatral.
Producida con apoyo de México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, la puesta en escena muestra “como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados y en medio de un paisaje devastado, no saben si lo que viven es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio?, ¿cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola?”, finaliza Aguilar Zínser.
La obra de Beckett se inspira en El rey Lear, de William Shakespeare, y en el bíblico Libro de Job para exhibir ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana.
Fundada por Agustín Meza, miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y con 28 años de trayectoria, la compañía de teatro El Ghetto cuenta con más de 25 puestas en escena y más de 780 funciones ofrecidas. Ha participado en más de 25 encuentros nacionales e internacionales. Se ha presentado en países como Argentina, Corea del Sur, Cuba, España, Rumania y Uruguay.
Espectáculo de cabaret que reflexiona sobre los conservadurismos religiosos y políticos de nuestro país. Narra la historia de las monjas “Madre PAN-dilla” y “Madre PAN-torrilla”, vendedoras de rompo-pito, quienes están encerradas en una cloaca en espera de la venida del señor.
Junto con “Ratito El Ratoncito”, su achichincle, abrirán la caja de PAN-dora y se cuestionarán, desde el humor, los discursos abiertamente antiderechos de la clase política mexicana, sus abusos de poder, la iglesia y su PAN-dilla.
Asimismo, a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política mexicana expondrán sus más grandes deseos de gobernar, ahora que fueron elegidas entre tantas corcholatas.
EL CLÁSICO TEATRO DE REVISTA MEXICANO Y EL THRILLER POLÍTICO EUROPEO SE UNEN EN ÉCHAME A MÍ LA CULPA (Y TODO LO QUE QUIERAS)
Crítica desde el sarcasmo, el buen humor, el teatro y la música a los discursos anti-derechos y plagados de demagogia
Del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Cabaret de Diez presenta su espectáculo Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras), una propuesta que recurre al teatro, al cabaret, al clown y a la música para hacer una crítica, desde el sarcasmo y el buen humor, a los discursos plagados de racismo, demagogia y corrupción que permean la política.
Con una dramaturgia de Carlos Alexis, la propuesta cuenta con las actuaciones del propio autor, así como de Mónica Magdiel y Daniel Berthier, tres artistas egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El clásico teatro de revista mexicano y el thriller político de origen europeo se combinan en el proyecto que se presenta del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La puesta en escena, renovada y actualizada, expone la corrupción, ridiculiza los vicios de personajes de la política y divierte a los asistentes. Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras) cuenta la historia de dos monjas (la Madre PAN-dilla y la Madre PAN-torrilla), tímidas religiosas vendedoras de “rompopito”, quienes están encerradas en una especie de cloaca y sin embargo se mantienen “en espera de la venida del Señor”.
Junto con Ratito El Ratoncito, su achichincle, las hermanas abren la caja de PAN-dora y se cuestionan, desde el humor, los abusos de poder y los discursos abiertamente anti-derechos de la clase política, de las iglesias y de su propia PAN-dilla.
Asimismo, en el escenario y a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política exponen sus deseos de gobernar. Entre improvisaciones, canciones ejecutadas a través de la parodia, coreografías y vestuarios construidos a partir del delirio, el espectáculo busca provocar risas, además de un diálogo directo con el espectador desde el peculiar sello crítico del cabaret.
La escenografía y la iluminación del espectáculo están diseñadas por César Moctezuma, el vestuario es de Hanniel Oyazabal y la coreografía corre a cargo de Sugey Segovia.
Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y el Libro de Job, Beckett exhibió en Final de partida ese don magistral para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, el ritual trágico de la condición humana.
En efecto, Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey, ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre en un mundo muerto no acaba de morirse nunca.
FIN DE PARTIDA, LA CEREMONIA TRÁGICA DE LA CONDICIÓN HUMANA
La propuesta se presenta del 8 al 18 de febrero con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez
Dirección de Agustín Meza, cuenta con la participación como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown
En el Teatro Benito Juárez se presenta la puesta en escena Fin de partida (Endgame), texto clásico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Agustín Meza y la participación especial como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown, líder fundador de la icónica banda de post-punk Tuxedomoon.
Producción de la compañía de teatro El Ghetto y con actuaciones de Luis Alberti (Ariel al Mejor Actor en 2020 por Mano de obra), Adrián Ladrón (Ariel al Mejor Actor en 2017 por La cuarta compañía), Alejandro Obregón, Rosario Sampablo y el propio Steven Brown como El Hombre Invisible. La propuesta se escenifica del 8 al 18 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Fin de partida (Endgame) “es el momento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quien gana y quien pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor?, ¿jugar?, ¿reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte?”, afirma en un texto específico para el presente montaje la crítica teatral Luz Emilia Aguilar Zínser.
La actual propuesta celebra 21 años del estreno de Esperando a Godot, pieza icónica del mismo Beckett, y que fue puesta en escena hace dos décacas por la agrupación, la cual se convirtió en una exitosa pieza en el panorama escénico de principios del siglo XXI.
La propuesta es “una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza en la que el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es, también, la indagación en la esencia del drama”, subraya la crítica teatral.
Producida con apoyo de México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, la puesta en escena muestra “como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados y en medio de un paisaje devastado, no saben si lo que viven es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio?, ¿cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola?”, finaliza Aguilar Zínser.
La obra de Beckett se inspira en El rey Lear, de William Shakespeare, y en el bíblico Libro de Job para exhibir ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana.
Fundada por Agustín Meza, miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y con 28 años de trayectoria, la compañía de teatro El Ghetto cuenta con más de 25 puestas en escena y más de 780 funciones ofrecidas. Ha participado en más de 25 encuentros nacionales e internacionales. Se ha presentado en países como Argentina, Corea del Sur, Cuba, España, Rumania y Uruguay.
Bajo el concepto de boy band, se desarrolla una narrativa nostálgica de la generación millennial, a través de un solo coreográfico de danza contemporánea que explora el universo de la cultura pop de los años noventa, en el cual la representación de la música eurodance y el uso de objetos típicos de la década, se hace referencia al boom del consumo del plástico.
PLASTIK FANTASTIK, DANZA QUE CRÍTICA EL DESMEDIDO CONSUMO DE PLÁSTICO
A cargo del intérprete Daniel Luis, la propuesta viaja a los años noventa para ubicar el inicio del boom del uso desmedido de productos plásticos
Se presenta del 8 al 11 de febrero, de jueves a domingo, en el Foro A Poco No
El joven bailarín, coreógrafo y director escénico Daniel Luis, quien radica en Monterrey, Nuevo León, y es beneficiario del programa Jóvenes Creadores del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales –emisiones 2020-2021 y 2023-2024–, se ha caracterizado por desarrollar proyectos independientes y explorar nuevas formas de colaboración interdisciplinarias.
Sus creaciones se presentan en diversas plataformas nacionales e internacionales con gran aceptación del público y, entre ellas, destaca Plastik Fantastik, una coreografía que desarrolla una propuesta que se interna en la década de los noventa para realizar un crítica al desmedido cosumo de plástico.
Co-dirección del propio Daniel Luis y Gaby Hernández, Plastik Fantastik ofrece cuatro únicas funciones, del 8 al 11 de febrero, de jueves a domingo, en el Foro A Poco No de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Se trata de un solo coreográfico de danza contemporánea que explora el universo de la cultura pop noventera con música eurodance y uso de objetos típicos de dicha década. La inspiración surge del concepto de la boy band como un constructo de la identidad masculina, así como del interés por desarrollar una pieza “desde el ejercicio de la memoria, a partir de recuerdos que rodean el consumo del plástico en la infancia”.
El propio Daniel Luis explica: “Partimos de una recopilación visual de personajes y acontecimientos históricos para construir un universo del cual tomar información. Por un lado, los personajes de la música pop y, por otro, el concepto boy band, para definir la identidad del personaje en escena”.
La pieza se constituye de cuatro escenas en las que el intérprete nombra todo el plástico que lo constituye. En la primera se aprecia un espacio íntimo con objetos reales que tuvieron una utilidad en la década de los noventa, que ahora se revisitan con nostalgia. Posteriormente, se aprecia una estructuración coreográfica que combina el movimiento y el recurso de la voz para encontrar un contrapunto que habla de los recuerdos personales con un tono agridulce.
Punto climático, en otro momento, se desarrolla el momento en el que el personaje se apropia del movimiento, a través de la música del grupo Vengaboys, para finalizar con la reflexión irónica sobre las cantidades de plástico que se consume en la actualidad en México y el mundo.
Espectáculo de cabaret que reflexiona sobre los conservadurismos religiosos y políticos de nuestro país. Narra la historia de las monjas “Madre PAN-dilla” y “Madre PAN-torrilla”, vendedoras de rompo-pito, quienes están encerradas en una cloaca en espera de la venida del señor.
Junto con “Ratito El Ratoncito”, su achichincle, abrirán la caja de PAN-dora y se cuestionarán, desde el humor, los discursos abiertamente antiderechos de la clase política mexicana, sus abusos de poder, la iglesia y su PAN-dilla.
Asimismo, a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política mexicana expondrán sus más grandes deseos de gobernar, ahora que fueron elegidas entre tantas corcholatas.
EL CLÁSICO TEATRO DE REVISTA MEXICANO Y EL THRILLER POLÍTICO EUROPEO SE UNEN EN ÉCHAME A MÍ LA CULPA (Y TODO LO QUE QUIERAS)
Crítica desde el sarcasmo, el buen humor, el teatro y la música a los discursos anti-derechos y plagados de demagogia
Del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Cabaret de Diez presenta su espectáculo Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras), una propuesta que recurre al teatro, al cabaret, al clown y a la música para hacer una crítica, desde el sarcasmo y el buen humor, a los discursos plagados de racismo, demagogia y corrupción que permean la política.
Con una dramaturgia de Carlos Alexis, la propuesta cuenta con las actuaciones del propio autor, así como de Mónica Magdiel y Daniel Berthier, tres artistas egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El clásico teatro de revista mexicano y el thriller político de origen europeo se combinan en el proyecto que se presenta del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La puesta en escena, renovada y actualizada, expone la corrupción, ridiculiza los vicios de personajes de la política y divierte a los asistentes. Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras) cuenta la historia de dos monjas (la Madre PAN-dilla y la Madre PAN-torrilla), tímidas religiosas vendedoras de “rompopito”, quienes están encerradas en una especie de cloaca y sin embargo se mantienen “en espera de la venida del Señor”.
Junto con Ratito El Ratoncito, su achichincle, las hermanas abren la caja de PAN-dora y se cuestionan, desde el humor, los abusos de poder y los discursos abiertamente anti-derechos de la clase política, de las iglesias y de su propia PAN-dilla.
Asimismo, en el escenario y a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política exponen sus deseos de gobernar. Entre improvisaciones, canciones ejecutadas a través de la parodia, coreografías y vestuarios construidos a partir del delirio, el espectáculo busca provocar risas, además de un diálogo directo con el espectador desde el peculiar sello crítico del cabaret.
La escenografía y la iluminación del espectáculo están diseñadas por César Moctezuma, el vestuario es de Hanniel Oyazabal y la coreografía corre a cargo de Sugey Segovia.
Bajo el concepto de boy band, se desarrolla una narrativa nostálgica de la generación millennial, a través de un solo coreográfico de danza contemporánea que explora el universo de la cultura pop de los años noventa, en el cual la representación de la música eurodance y el uso de objetos típicos de la década, se hace referencia al boom del consumo del plástico.
PLASTIK FANTASTIK, DANZA QUE CRÍTICA EL DESMEDIDO CONSUMO DE PLÁSTICO
A cargo del intérprete Daniel Luis, la propuesta viaja a los años noventa para ubicar el inicio del boom del uso desmedido de productos plásticos
Se presenta del 8 al 11 de febrero, de jueves a domingo, en el Foro A Poco No
El joven bailarín, coreógrafo y director escénico Daniel Luis, quien radica en Monterrey, Nuevo León, y es beneficiario del programa Jóvenes Creadores del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales –emisiones 2020-2021 y 2023-2024–, se ha caracterizado por desarrollar proyectos independientes y explorar nuevas formas de colaboración interdisciplinarias.
Sus creaciones se presentan en diversas plataformas nacionales e internacionales con gran aceptación del público y, entre ellas, destaca Plastik Fantastik, una coreografía que desarrolla una propuesta que se interna en la década de los noventa para realizar un crítica al desmedido cosumo de plástico.
Co-dirección del propio Daniel Luis y Gaby Hernández, Plastik Fantastik ofrece cuatro únicas funciones, del 8 al 11 de febrero, de jueves a domingo, en el Foro A Poco No de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Se trata de un solo coreográfico de danza contemporánea que explora el universo de la cultura pop noventera con música eurodance y uso de objetos típicos de dicha década. La inspiración surge del concepto de la boy band como un constructo de la identidad masculina, así como del interés por desarrollar una pieza “desde el ejercicio de la memoria, a partir de recuerdos que rodean el consumo del plástico en la infancia”.
El propio Daniel Luis explica: “Partimos de una recopilación visual de personajes y acontecimientos históricos para construir un universo del cual tomar información. Por un lado, los personajes de la música pop y, por otro, el concepto boy band, para definir la identidad del personaje en escena”.
La pieza se constituye de cuatro escenas en las que el intérprete nombra todo el plástico que lo constituye. En la primera se aprecia un espacio íntimo con objetos reales que tuvieron una utilidad en la década de los noventa, que ahora se revisitan con nostalgia. Posteriormente, se aprecia una estructuración coreográfica que combina el movimiento y el recurso de la voz para encontrar un contrapunto que habla de los recuerdos personales con un tono agridulce.
Punto climático, en otro momento, se desarrolla el momento en el que el personaje se apropia del movimiento, a través de la música del grupo Vengaboys, para finalizar con la reflexión irónica sobre las cantidades de plástico que se consume en la actualidad en México y el mundo.
Una mujer, Gina, declara que fue violada la noche del funeral de su hermana, mientras el acusado sostiene que ella dio su consentimiento, Max (abogado defensor del caso) está casado con Karen. Sus amigos, Alex y Rita, se están separando. Max y Karen le presentan a Toni (fiscal del mismo caso) a la actriz Sandra, quien, a su vez, estudia para interpretar a Medea.
Tras el encuentro, todas las relaciones se cimbran, principalmente la de Max y Karen, quien después de una tensa discusión acusa a su infiel marido de haberla violado.
CONSENTIMIENTO, UN LLAMADO A LA EMPATÍA Y A LA BÚSQUEDA DE UNA SOCIEDAD MÁS JUSTA Y EQUITATIVA
La puesta en escena cuenta con las actuaciones de Juan Manuel Bernal, Marina de Tavira, Daniela Schmidt, Arturo Barba, Alfonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy
Aborda el tema de la violencia de género y la aplicación de la ley y la impartición de la justicia
Se presenta dos únicas funciones los días 10 y 11 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, es el escenario en el que se presenta, los días 10 y 11 de febrero, la puesta en escena Consentimiento, la cual aborda dos temas fundamentales de la actualidad: la violencia de género y la aplicación de la ley y la impartición de la justicia.
Después de su estreno el año pasado en el Teatro Helénico, la actual versión se convirtió en un éxito de taquilla. Ahora regresa a la cartelera y llega al recinto de Donceles con dos únicas funciones.
Texto de la dramaturga inglesa Nina Raine (traducción y adaptación de Alfredo Michel Modenessi y dirección de Enrique Singer), Consentimiento cuenta con la participación actoral de Marina de Tavira, Juan Manuel Bernal, Daniela Schmidt, Arturo Barba, Alfonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy.
Producción de la compañía Incidente Teatro, la propuesta teatral cautiva por la universalidad de los problemas que aborda y que atañen a sus personajes, además de que ofrece interpretaciones profundas y emotivas que llevan a la audiencia a una reflexión trascendental.
Para todos los creativos, Consentimiento es, de alguna forma, un llamado a la empatía y a la búsqueda de una sociedad más justa y equitativa, se trata –consideran– de una pieza teatral que desafía las perspectivas y lleva a reflexionar sobre la ley, la justicia y las complejidades del mundo contemporáneo.
Un caso judicial nace empañado por las circunstancias y se oscurece más aún por la jerga legal que utlizan los legistas defensores para engañar a la víctima. El encuentro de todos cimbra las relaciones de cada uno de los personajes: Max (abogado defensor de un controvertido caso de violación) está casado con Katty. Sus amigos, Alex y Rita, atraviesan un proceso de separación. Al mismo tiempo, a Toni (fiscal del mismo litigio) le presentan a la actriz Sandra, quien, a su vez, estudia parlamentos para interpretar a Medea.
Con una producción ejecutiva de Daniela Parra, en la puesta en escena participan también Adrián Martínez Frausto en el diseño de escenografía, Adriana Pérez Solís en el diseño de vestuario, Ángel Ancona en el diseño de iluminación, Alejandro Castaños en la música original y diseño sonoro, y Maricela Estrada en el diseño de maquillaje y peinados.
Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y el Libro de Job, Beckett exhibió en Final de partida ese don magistral para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, el ritual trágico de la condición humana.
En efecto, Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey, ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre en un mundo muerto no acaba de morirse nunca.
FIN DE PARTIDA, LA CEREMONIA TRÁGICA DE LA CONDICIÓN HUMANA
La propuesta se presenta del 8 al 18 de febrero con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez
Dirección de Agustín Meza, cuenta con la participación como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown
En el Teatro Benito Juárez se presenta la puesta en escena Fin de partida (Endgame), texto clásico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Agustín Meza y la participación especial como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown, líder fundador de la icónica banda de post-punk Tuxedomoon.
Producción de la compañía de teatro El Ghetto y con actuaciones de Luis Alberti (Ariel al Mejor Actor en 2020 por Mano de obra), Adrián Ladrón (Ariel al Mejor Actor en 2017 por La cuarta compañía), Alejandro Obregón, Rosario Sampablo y el propio Steven Brown como El Hombre Invisible. La propuesta se escenifica del 8 al 18 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Fin de partida (Endgame) “es el momento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quien gana y quien pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor?, ¿jugar?, ¿reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte?”, afirma en un texto específico para el presente montaje la crítica teatral Luz Emilia Aguilar Zínser.
La actual propuesta celebra 21 años del estreno de Esperando a Godot, pieza icónica del mismo Beckett, y que fue puesta en escena hace dos décacas por la agrupación, la cual se convirtió en una exitosa pieza en el panorama escénico de principios del siglo XXI.
La propuesta es “una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza en la que el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es, también, la indagación en la esencia del drama”, subraya la crítica teatral.
Producida con apoyo de México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, la puesta en escena muestra “como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados y en medio de un paisaje devastado, no saben si lo que viven es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio?, ¿cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola?”, finaliza Aguilar Zínser.
La obra de Beckett se inspira en El rey Lear, de William Shakespeare, y en el bíblico Libro de Job para exhibir ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana.
Fundada por Agustín Meza, miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y con 28 años de trayectoria, la compañía de teatro El Ghetto cuenta con más de 25 puestas en escena y más de 780 funciones ofrecidas. Ha participado en más de 25 encuentros nacionales e internacionales. Se ha presentado en países como Argentina, Corea del Sur, Cuba, España, Rumania y Uruguay.
El coro de la Orquesta Típica de la Ciudad de México presentará algunas de las obras propias de su repertorio tradicional, que nos llevan a recorrer el universo sonoro de un país que se caracteriza por su vasto catálogo de música romántica, en el cual el romance se hace presente en cada interpretación.
Acompañados al piano, nos ofrecen una tarde perfecta en vísperas del día del amor y la amistad.
Una mujer, Gina, declara que fue violada la noche del funeral de su hermana, mientras el acusado sostiene que ella dio su consentimiento, Max (abogado defensor del caso) está casado con Karen. Sus amigos, Alex y Rita, se están separando. Max y Karen le presentan a Toni (fiscal del mismo caso) a la actriz Sandra, quien, a su vez, estudia para interpretar a Medea.
Tras el encuentro, todas las relaciones se cimbran, principalmente la de Max y Karen, quien después de una tensa discusión acusa a su infiel marido de haberla violado.
CONSENTIMIENTO, UN LLAMADO A LA EMPATÍA Y A LA BÚSQUEDA DE UNA SOCIEDAD MÁS JUSTA Y EQUITATIVA
La puesta en escena cuenta con las actuaciones de Juan Manuel Bernal, Marina de Tavira, Daniela Schmidt, Arturo Barba, Alfonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy
Aborda el tema de la violencia de género y la aplicación de la ley y la impartición de la justicia
Se presenta dos únicas funciones los días 10 y 11 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, es el escenario en el que se presenta, los días 10 y 11 de febrero, la puesta en escena Consentimiento, la cual aborda dos temas fundamentales de la actualidad: la violencia de género y la aplicación de la ley y la impartición de la justicia.
Después de su estreno el año pasado en el Teatro Helénico, la actual versión se convirtió en un éxito de taquilla. Ahora regresa a la cartelera y llega al recinto de Donceles con dos únicas funciones.
Texto de la dramaturga inglesa Nina Raine (traducción y adaptación de Alfredo Michel Modenessi y dirección de Enrique Singer), Consentimiento cuenta con la participación actoral de Marina de Tavira, Juan Manuel Bernal, Daniela Schmidt, Arturo Barba, Alfonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy.
Producción de la compañía Incidente Teatro, la propuesta teatral cautiva por la universalidad de los problemas que aborda y que atañen a sus personajes, además de que ofrece interpretaciones profundas y emotivas que llevan a la audiencia a una reflexión trascendental.
Para todos los creativos, Consentimiento es, de alguna forma, un llamado a la empatía y a la búsqueda de una sociedad más justa y equitativa, se trata –consideran– de una pieza teatral que desafía las perspectivas y lleva a reflexionar sobre la ley, la justicia y las complejidades del mundo contemporáneo.
Un caso judicial nace empañado por las circunstancias y se oscurece más aún por la jerga legal que utlizan los legistas defensores para engañar a la víctima. El encuentro de todos cimbra las relaciones de cada uno de los personajes: Max (abogado defensor de un controvertido caso de violación) está casado con Katty. Sus amigos, Alex y Rita, atraviesan un proceso de separación. Al mismo tiempo, a Toni (fiscal del mismo litigio) le presentan a la actriz Sandra, quien, a su vez, estudia parlamentos para interpretar a Medea.
Con una producción ejecutiva de Daniela Parra, en la puesta en escena participan también Adrián Martínez Frausto en el diseño de escenografía, Adriana Pérez Solís en el diseño de vestuario, Ángel Ancona en el diseño de iluminación, Alejandro Castaños en la música original y diseño sonoro, y Maricela Estrada en el diseño de maquillaje y peinados.
Bajo el concepto de boy band, se desarrolla una narrativa nostálgica de la generación millennial, a través de un solo coreográfico de danza contemporánea que explora el universo de la cultura pop de los años noventa, en el cual la representación de la música eurodance y el uso de objetos típicos de la década, se hace referencia al boom del consumo del plástico.
PLASTIK FANTASTIK, DANZA QUE CRÍTICA EL DESMEDIDO CONSUMO DE PLÁSTICO
A cargo del intérprete Daniel Luis, la propuesta viaja a los años noventa para ubicar el inicio del boom del uso desmedido de productos plásticos
Se presenta del 8 al 11 de febrero, de jueves a domingo, en el Foro A Poco No
El joven bailarín, coreógrafo y director escénico Daniel Luis, quien radica en Monterrey, Nuevo León, y es beneficiario del programa Jóvenes Creadores del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales –emisiones 2020-2021 y 2023-2024–, se ha caracterizado por desarrollar proyectos independientes y explorar nuevas formas de colaboración interdisciplinarias.
Sus creaciones se presentan en diversas plataformas nacionales e internacionales con gran aceptación del público y, entre ellas, destaca Plastik Fantastik, una coreografía que desarrolla una propuesta que se interna en la década de los noventa para realizar un crítica al desmedido cosumo de plástico.
Co-dirección del propio Daniel Luis y Gaby Hernández, Plastik Fantastik ofrece cuatro únicas funciones, del 8 al 11 de febrero, de jueves a domingo, en el Foro A Poco No de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Se trata de un solo coreográfico de danza contemporánea que explora el universo de la cultura pop noventera con música eurodance y uso de objetos típicos de dicha década. La inspiración surge del concepto de la boy band como un constructo de la identidad masculina, así como del interés por desarrollar una pieza “desde el ejercicio de la memoria, a partir de recuerdos que rodean el consumo del plástico en la infancia”.
El propio Daniel Luis explica: “Partimos de una recopilación visual de personajes y acontecimientos históricos para construir un universo del cual tomar información. Por un lado, los personajes de la música pop y, por otro, el concepto boy band, para definir la identidad del personaje en escena”.
La pieza se constituye de cuatro escenas en las que el intérprete nombra todo el plástico que lo constituye. En la primera se aprecia un espacio íntimo con objetos reales que tuvieron una utilidad en la década de los noventa, que ahora se revisitan con nostalgia. Posteriormente, se aprecia una estructuración coreográfica que combina el movimiento y el recurso de la voz para encontrar un contrapunto que habla de los recuerdos personales con un tono agridulce.
Punto climático, en otro momento, se desarrolla el momento en el que el personaje se apropia del movimiento, a través de la música del grupo Vengaboys, para finalizar con la reflexión irónica sobre las cantidades de plástico que se consume en la actualidad en México y el mundo.
Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y el Libro de Job, Beckett exhibió en Final de partida ese don magistral para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, el ritual trágico de la condición humana.
En efecto, Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey, ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre en un mundo muerto no acaba de morirse nunca.
FIN DE PARTIDA, LA CEREMONIA TRÁGICA DE LA CONDICIÓN HUMANA
La propuesta se presenta del 8 al 18 de febrero con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez
Dirección de Agustín Meza, cuenta con la participación como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown
En el Teatro Benito Juárez se presenta la puesta en escena Fin de partida (Endgame), texto clásico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Agustín Meza y la participación especial como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown, líder fundador de la icónica banda de post-punk Tuxedomoon.
Producción de la compañía de teatro El Ghetto y con actuaciones de Luis Alberti (Ariel al Mejor Actor en 2020 por Mano de obra), Adrián Ladrón (Ariel al Mejor Actor en 2017 por La cuarta compañía), Alejandro Obregón, Rosario Sampablo y el propio Steven Brown como El Hombre Invisible. La propuesta se escenifica del 8 al 18 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Fin de partida (Endgame) “es el momento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quien gana y quien pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor?, ¿jugar?, ¿reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte?”, afirma en un texto específico para el presente montaje la crítica teatral Luz Emilia Aguilar Zínser.
La actual propuesta celebra 21 años del estreno de Esperando a Godot, pieza icónica del mismo Beckett, y que fue puesta en escena hace dos décacas por la agrupación, la cual se convirtió en una exitosa pieza en el panorama escénico de principios del siglo XXI.
La propuesta es “una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza en la que el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es, también, la indagación en la esencia del drama”, subraya la crítica teatral.
Producida con apoyo de México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, la puesta en escena muestra “como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados y en medio de un paisaje devastado, no saben si lo que viven es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio?, ¿cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola?”, finaliza Aguilar Zínser.
La obra de Beckett se inspira en El rey Lear, de William Shakespeare, y en el bíblico Libro de Job para exhibir ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana.
Fundada por Agustín Meza, miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y con 28 años de trayectoria, la compañía de teatro El Ghetto cuenta con más de 25 puestas en escena y más de 780 funciones ofrecidas. Ha participado en más de 25 encuentros nacionales e internacionales. Se ha presentado en países como Argentina, Corea del Sur, Cuba, España, Rumania y Uruguay.
Espectáculo de cabaret que reflexiona sobre los conservadurismos religiosos y políticos de nuestro país. Narra la historia de las monjas “Madre PAN-dilla” y “Madre PAN-torrilla”, vendedoras de rompo-pito, quienes están encerradas en una cloaca en espera de la venida del señor.
Junto con “Ratito El Ratoncito”, su achichincle, abrirán la caja de PAN-dora y se cuestionarán, desde el humor, los discursos abiertamente antiderechos de la clase política mexicana, sus abusos de poder, la iglesia y su PAN-dilla.
Asimismo, a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política mexicana expondrán sus más grandes deseos de gobernar, ahora que fueron elegidas entre tantas corcholatas.
EL CLÁSICO TEATRO DE REVISTA MEXICANO Y EL THRILLER POLÍTICO EUROPEO SE UNEN EN ÉCHAME A MÍ LA CULPA (Y TODO LO QUE QUIERAS)
Crítica desde el sarcasmo, el buen humor, el teatro y la música a los discursos anti-derechos y plagados de demagogia
Del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Cabaret de Diez presenta su espectáculo Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras), una propuesta que recurre al teatro, al cabaret, al clown y a la música para hacer una crítica, desde el sarcasmo y el buen humor, a los discursos plagados de racismo, demagogia y corrupción que permean la política.
Con una dramaturgia de Carlos Alexis, la propuesta cuenta con las actuaciones del propio autor, así como de Mónica Magdiel y Daniel Berthier, tres artistas egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El clásico teatro de revista mexicano y el thriller político de origen europeo se combinan en el proyecto que se presenta del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La puesta en escena, renovada y actualizada, expone la corrupción, ridiculiza los vicios de personajes de la política y divierte a los asistentes. Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras) cuenta la historia de dos monjas (la Madre PAN-dilla y la Madre PAN-torrilla), tímidas religiosas vendedoras de “rompopito”, quienes están encerradas en una especie de cloaca y sin embargo se mantienen “en espera de la venida del Señor”.
Junto con Ratito El Ratoncito, su achichincle, las hermanas abren la caja de PAN-dora y se cuestionan, desde el humor, los abusos de poder y los discursos abiertamente anti-derechos de la clase política, de las iglesias y de su propia PAN-dilla.
Asimismo, en el escenario y a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política exponen sus deseos de gobernar. Entre improvisaciones, canciones ejecutadas a través de la parodia, coreografías y vestuarios construidos a partir del delirio, el espectáculo busca provocar risas, además de un diálogo directo con el espectador desde el peculiar sello crítico del cabaret.
La escenografía y la iluminación del espectáculo están diseñadas por César Moctezuma, el vestuario es de Hanniel Oyazabal y la coreografía corre a cargo de Sugey Segovia.
Conocido como “El Último Bohemio”, Rodrigo de la Cadena le rinde un homenaje al amor en el emblemático recinto de Donceles, acompañado por su piano, músicos y los más románticos boleros.
Un deleite interpretativo de canciones de los compositores y cantantes más destacados de la historia musical, desde Armando Manzanero, Marco Antonio Muñiz, José José, Manuel Alejandro, Alejandro Jaén, Rafael Pérez Botija, Juan Luis Guerra y Rubén Fuentes, entre muchos otros.
Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y el Libro de Job, Beckett exhibió en Final de partida ese don magistral para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, el ritual trágico de la condición humana.
En efecto, Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey, ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre en un mundo muerto no acaba de morirse nunca.
FIN DE PARTIDA, LA CEREMONIA TRÁGICA DE LA CONDICIÓN HUMANA
La propuesta se presenta del 8 al 18 de febrero con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez
Dirección de Agustín Meza, cuenta con la participación como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown
En el Teatro Benito Juárez se presenta la puesta en escena Fin de partida (Endgame), texto clásico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Agustín Meza y la participación especial como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown, líder fundador de la icónica banda de post-punk Tuxedomoon.
Producción de la compañía de teatro El Ghetto y con actuaciones de Luis Alberti (Ariel al Mejor Actor en 2020 por Mano de obra), Adrián Ladrón (Ariel al Mejor Actor en 2017 por La cuarta compañía), Alejandro Obregón, Rosario Sampablo y el propio Steven Brown como El Hombre Invisible. La propuesta se escenifica del 8 al 18 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Fin de partida (Endgame) “es el momento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quien gana y quien pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor?, ¿jugar?, ¿reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte?”, afirma en un texto específico para el presente montaje la crítica teatral Luz Emilia Aguilar Zínser.
La actual propuesta celebra 21 años del estreno de Esperando a Godot, pieza icónica del mismo Beckett, y que fue puesta en escena hace dos décacas por la agrupación, la cual se convirtió en una exitosa pieza en el panorama escénico de principios del siglo XXI.
La propuesta es “una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza en la que el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es, también, la indagación en la esencia del drama”, subraya la crítica teatral.
Producida con apoyo de México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, la puesta en escena muestra “como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados y en medio de un paisaje devastado, no saben si lo que viven es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio?, ¿cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola?”, finaliza Aguilar Zínser.
La obra de Beckett se inspira en El rey Lear, de William Shakespeare, y en el bíblico Libro de Job para exhibir ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana.
Fundada por Agustín Meza, miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y con 28 años de trayectoria, la compañía de teatro El Ghetto cuenta con más de 25 puestas en escena y más de 780 funciones ofrecidas. Ha participado en más de 25 encuentros nacionales e internacionales. Se ha presentado en países como Argentina, Corea del Sur, Cuba, España, Rumania y Uruguay.
Espectáculo de cabaret que reflexiona sobre los conservadurismos religiosos y políticos de nuestro país. Narra la historia de las monjas “Madre PAN-dilla” y “Madre PAN-torrilla”, vendedoras de rompo-pito, quienes están encerradas en una cloaca en espera de la venida del señor.
Junto con “Ratito El Ratoncito”, su achichincle, abrirán la caja de PAN-dora y se cuestionarán, desde el humor, los discursos abiertamente antiderechos de la clase política mexicana, sus abusos de poder, la iglesia y su PAN-dilla.
Asimismo, a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política mexicana expondrán sus más grandes deseos de gobernar, ahora que fueron elegidas entre tantas corcholatas.
EL CLÁSICO TEATRO DE REVISTA MEXICANO Y EL THRILLER POLÍTICO EUROPEO SE UNEN EN ÉCHAME A MÍ LA CULPA (Y TODO LO QUE QUIERAS)
Crítica desde el sarcasmo, el buen humor, el teatro y la música a los discursos anti-derechos y plagados de demagogia
Del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Cabaret de Diez presenta su espectáculo Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras), una propuesta que recurre al teatro, al cabaret, al clown y a la música para hacer una crítica, desde el sarcasmo y el buen humor, a los discursos plagados de racismo, demagogia y corrupción que permean la política.
Con una dramaturgia de Carlos Alexis, la propuesta cuenta con las actuaciones del propio autor, así como de Mónica Magdiel y Daniel Berthier, tres artistas egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El clásico teatro de revista mexicano y el thriller político de origen europeo se combinan en el proyecto que se presenta del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La puesta en escena, renovada y actualizada, expone la corrupción, ridiculiza los vicios de personajes de la política y divierte a los asistentes. Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras) cuenta la historia de dos monjas (la Madre PAN-dilla y la Madre PAN-torrilla), tímidas religiosas vendedoras de “rompopito”, quienes están encerradas en una especie de cloaca y sin embargo se mantienen “en espera de la venida del Señor”.
Junto con Ratito El Ratoncito, su achichincle, las hermanas abren la caja de PAN-dora y se cuestionan, desde el humor, los abusos de poder y los discursos abiertamente anti-derechos de la clase política, de las iglesias y de su propia PAN-dilla.
Asimismo, en el escenario y a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política exponen sus deseos de gobernar. Entre improvisaciones, canciones ejecutadas a través de la parodia, coreografías y vestuarios construidos a partir del delirio, el espectáculo busca provocar risas, además de un diálogo directo con el espectador desde el peculiar sello crítico del cabaret.
La escenografía y la iluminación del espectáculo están diseñadas por César Moctezuma, el vestuario es de Hanniel Oyazabal y la coreografía corre a cargo de Sugey Segovia.
Cuatro piezas dancísticas fueron creadas desde preguntas, sueños, necesidades e inquietudes personales. Tuvieron la capacidad de desdoblarse y expandirse para ser compartidas con generosidad y tocar a otros.
Las escenas tocan temas complejos y profundos sobre nuestra humanidad, la urgencia del amor y del afecto, la relación con el baile-el cuerpo, la necesidad de autoconocimiento, el derecho a expresarse y la búsqueda de la transformación.
LIMINAL LAND, ACARICIA TEMAS COMPLEJOS Y PROFUNDOS SOBRE NUESTRA HUMANIDAD, LA URGENCIA DEL AMOR Y LA IMPORTANTE RELACIÓN CON LA FIESTA Y EL CUERPO
Programa integrado por cuatro coreografías, creadas y dirigidas por Ana Paula Ricalde
Se presenta cuatro únicas funciones, del 15 al 18 de febrero, en el Foro A Poco No
La compañía TierniSalvajeEscena presenta Liminal Land, un programa coreográfico que se caracteriza por invitar al público, sobre todo a los jóvenes, a reflexionar y apostar por la inclusividad en torno de las relaciones interpersonales en el mundo contemporáneo.
Formada por cuatro piezas de danza a manera de postales en movimiento, la propuesta se integra de Cadáveres Exquisitos, Contemplación de algo que cae/ Vértigo, TierniSalvajes / Catwoman y Hasta que el cuerpo aguante/ Tornafiesta, todas creadas y dirigidas por la bailarina y coreógrafa Ana Paula Ricalde, con la participación de las y los creadores escénicos Héctor Valdovinos, Zitaima Peguero, Lizbeth Gómez Rello, Areli Ávila y Ana Paula Ricalde.
Con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, el programa se presenta cuatro únicas funciones del 15 al 18 de febrero, en el Foro A Poco No.
Liminal Land aboga por mejores relaciones interpersonales, no deja de poner un acento especial en la calidad de la relación “con uno mismo” y también “en la complejidad de nuestra condición humana y en cómo podríamos hacer para gestionarnos de forma más amable y sana”, afirma su directora.
La composición coreográfica se llevó a cabo a partir de preguntas, sueños, necesidades e inquietudes personales que tuvieron la capacidad de desdoblarse, resignificarse y expandirse para intentar tocar a otros. La experiencia está construida a partir de una propuesta estética y de lenguaje que se ha explorado y construido durante cada proceso creativo, y lo que sustancialmente se busca con la experiencia escénica es generar conexiones y cercanías.
En ese sentido, Liminal Land es un paseo en el que el espectador transita por cuatro diferentes paisajes, en los cuales hay diversos cuerpos en acción que, a través de su quehacer, comunican, comparten y cuentan pequeñas historias, lo que brinda a los testigos la oportunidad de reflexionar y disfrutar con lo arrojado.
Cada una de las piezas acaricia temas complejos y profundos sobre nuestra humanidad, la urgencia del amor y del afecto, la importante relación con la fiesta, el baile y el cuerpo, la necesidad de autoconocimiento, el derecho a expresarse, la aceptación de nuestras dualidades, la búsqueda de la transformación y la apropiación de todos estos valores, considera Ana Paula Ricalde.
Para la puesta en escena, se convocó a un gran número de creadores como los diseñadores de iluminación Iván Tonaltzi y Araón Mariscales (+), los artistas sonoros Alejandro Ávila y Manuel Estrella, el editor musical Paulino Medina, el diseñador de multimedia Iván Mondragón. El vestuario lo realizó la propia compañía TierniSalvajeEscena.
Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y el Libro de Job, Beckett exhibió en Final de partida ese don magistral para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, el ritual trágico de la condición humana.
En efecto, Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey, ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre en un mundo muerto no acaba de morirse nunca.
FIN DE PARTIDA, LA CEREMONIA TRÁGICA DE LA CONDICIÓN HUMANA
La propuesta se presenta del 8 al 18 de febrero con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez
Dirección de Agustín Meza, cuenta con la participación como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown
En el Teatro Benito Juárez se presenta la puesta en escena Fin de partida (Endgame), texto clásico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Agustín Meza y la participación especial como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown, líder fundador de la icónica banda de post-punk Tuxedomoon.
Producción de la compañía de teatro El Ghetto y con actuaciones de Luis Alberti (Ariel al Mejor Actor en 2020 por Mano de obra), Adrián Ladrón (Ariel al Mejor Actor en 2017 por La cuarta compañía), Alejandro Obregón, Rosario Sampablo y el propio Steven Brown como El Hombre Invisible. La propuesta se escenifica del 8 al 18 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Fin de partida (Endgame) “es el momento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quien gana y quien pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor?, ¿jugar?, ¿reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte?”, afirma en un texto específico para el presente montaje la crítica teatral Luz Emilia Aguilar Zínser.
La actual propuesta celebra 21 años del estreno de Esperando a Godot, pieza icónica del mismo Beckett, y que fue puesta en escena hace dos décacas por la agrupación, la cual se convirtió en una exitosa pieza en el panorama escénico de principios del siglo XXI.
La propuesta es “una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza en la que el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es, también, la indagación en la esencia del drama”, subraya la crítica teatral.
Producida con apoyo de México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, la puesta en escena muestra “como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados y en medio de un paisaje devastado, no saben si lo que viven es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio?, ¿cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola?”, finaliza Aguilar Zínser.
La obra de Beckett se inspira en El rey Lear, de William Shakespeare, y en el bíblico Libro de Job para exhibir ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana.
Fundada por Agustín Meza, miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y con 28 años de trayectoria, la compañía de teatro El Ghetto cuenta con más de 25 puestas en escena y más de 780 funciones ofrecidas. Ha participado en más de 25 encuentros nacionales e internacionales. Se ha presentado en países como Argentina, Corea del Sur, Cuba, España, Rumania y Uruguay.
Espectáculo de cabaret que reflexiona sobre los conservadurismos religiosos y políticos de nuestro país. Narra la historia de las monjas “Madre PAN-dilla” y “Madre PAN-torrilla”, vendedoras de rompo-pito, quienes están encerradas en una cloaca en espera de la venida del señor.
Junto con “Ratito El Ratoncito”, su achichincle, abrirán la caja de PAN-dora y se cuestionarán, desde el humor, los discursos abiertamente antiderechos de la clase política mexicana, sus abusos de poder, la iglesia y su PAN-dilla.
Asimismo, a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política mexicana expondrán sus más grandes deseos de gobernar, ahora que fueron elegidas entre tantas corcholatas.
EL CLÁSICO TEATRO DE REVISTA MEXICANO Y EL THRILLER POLÍTICO EUROPEO SE UNEN EN ÉCHAME A MÍ LA CULPA (Y TODO LO QUE QUIERAS)
Crítica desde el sarcasmo, el buen humor, el teatro y la música a los discursos anti-derechos y plagados de demagogia
Del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Cabaret de Diez presenta su espectáculo Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras), una propuesta que recurre al teatro, al cabaret, al clown y a la música para hacer una crítica, desde el sarcasmo y el buen humor, a los discursos plagados de racismo, demagogia y corrupción que permean la política.
Con una dramaturgia de Carlos Alexis, la propuesta cuenta con las actuaciones del propio autor, así como de Mónica Magdiel y Daniel Berthier, tres artistas egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El clásico teatro de revista mexicano y el thriller político de origen europeo se combinan en el proyecto que se presenta del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La puesta en escena, renovada y actualizada, expone la corrupción, ridiculiza los vicios de personajes de la política y divierte a los asistentes. Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras) cuenta la historia de dos monjas (la Madre PAN-dilla y la Madre PAN-torrilla), tímidas religiosas vendedoras de “rompopito”, quienes están encerradas en una especie de cloaca y sin embargo se mantienen “en espera de la venida del Señor”.
Junto con Ratito El Ratoncito, su achichincle, las hermanas abren la caja de PAN-dora y se cuestionan, desde el humor, los abusos de poder y los discursos abiertamente anti-derechos de la clase política, de las iglesias y de su propia PAN-dilla.
Asimismo, en el escenario y a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política exponen sus deseos de gobernar. Entre improvisaciones, canciones ejecutadas a través de la parodia, coreografías y vestuarios construidos a partir del delirio, el espectáculo busca provocar risas, además de un diálogo directo con el espectador desde el peculiar sello crítico del cabaret.
La escenografía y la iluminación del espectáculo están diseñadas por César Moctezuma, el vestuario es de Hanniel Oyazabal y la coreografía corre a cargo de Sugey Segovia.
Un altar al desamor en un cabaret culto, una atmósfera electrificante y rockera, un viaje en el cual el desamor se convierte en arte. Desde clásicos románticos a composiciones originales con ironía, Rivotrip lleva al territorio del ardor, interactuando en una experiencia íntima y catártica.
El espectáculo lidera una rebelión contra el mes del amor, despejando el tufillo romántico y sumergiéndose en el ardor total. Con risas y melancolía entrelazadas, el concierto es una celebración del desamor. Si has sufrido mil derrotas en el amor, este espectáculo es tu oportunidad de gritar y sanar.
¡Compra tus boletos y únete al movimiento del ardor!
CON GRAN HUMOR E IRONÍA, RIVOTRIP LLEVA POR UN VIAJE SIN RETORNO “AL TERRITORIO DEL ARDOR”
Con Nora Huerta y Tareke Ortiz en la voz, la agrupación celebra diez años de presentaciones, el próximo viernes 16 de febrero a las 20:30 horas
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris festeja “el día mundial del ardido” con canciones en “rock depresivo”
Un espectáculo de cabaret –que se ha vuelto “de culto” para un público ferviente– no apto para los débiles de corazón ni para los enamorados, un viaje emocional que sumerge al público en un universo paralelo en el que el desamor se convierte en un arte, eso es lo que promete Rivotrip en un concierto-cabaret con el que celebra diez años de presentarse, pero también para festejar el Día del Amor y la Amistad y, ya de paso, el día mundial del ardido, con canciones de desamor al estilo gótico-melancólico y muy rockero.
Con la participación de Tareke Ortiz, Nora Huerta, Jorge Fernández, Guillermo Ibarra y Richard López, Rivotrip se presenta en una única función el próximo viernes 16 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Desde hace ya diez años, al más puro estilo del dark cabaret, el concierto ofrece un recorrido por el repertorio “más triste y llegador” de la música de los ochenta y noventa. Nora Huerta y Tareke Ortiz lo crearon desde “su lado más rockero y depresivo” para dar una relectura más oscura a canciones de todos conocidas.
Rivotrip se ha consolidado como una experiencia dicotómica dedicada al goce y a la ardidez, y con ello lamentar, con harto sentimiento, una década de ser la reina indiscutible “en el lodazal infinito donde se revuelcan los ardidos de ayer de hoy y de siempre”, dicen sus protagonistas y así lo anuncian: ¡La fiebre del ardor se apodera del escenario con Rivotrip!
La formación actual de Rivotrip está compuesta por Jorge Fernández en la batería, Guillermo Ibarra en el bajo, Richard López en la guitarra, y Tareke Ortiz y Nora Huerta en la voz. Desde el momento en que el público cruza las puertas del recinto, es parte de una atmósfera electrificante, en la que los tonos oscuros y la energía rockera envuelven. El espectáculo va más allá de un simple concierto: es un viaje emocional que sumerge en un universo paralelo en el que el desamor se convierte en arte.
Para ello, desde interpretaciones magistrales de clásicos románticos hasta la presentación de composiciones originales cargadas de ironía y desencanto, Rivotrip lleva en un viaje sin retorno “al territorio del ardor”.
La banda interactúa con el público de manera única, lo cual crea un lazo que convierte cada presentación en una experiencia íntima y catártica. Además, la puesta se caracteriza por conjurar un mundo en el que las luces, la música y la narrativa se fusionan para crear un espectáculo que despierta los sentidos.
Para Nora Huerta y Tarek Ortiz, en el concierto-cabaret la risa se mezcla con la melancolía, y la música se convierte en el bálsamo para las heridas del corazón, pues es una celebración al desamor que trasciende las barreras del tiempo y el espacio. La banda, con su carisma inigualable, lidera una rebelión contra el mes del amor.
Concierto que alberga la tradición y riqueza musical, dancística y textil de Oaxaca en el que participan las reconocidas cantantes oaxaqueñas María Reyna, Silvia María, Ana Diaz y Natalia Cruz, junto a la Banda Femenil Regional “Mujeres del Viento Florido”. El espectáculo cuenta con la participación de experimentados bailarines, la música tradicional y canciones que han llegado para quedarse en la comunidad oaxaqueña y también melodías originales que son parte de sus proyectos personales.
¡Un espectáculo que se adentra en nuestras raíces que no solamente son oaxaqueñas sino Oaxaqueñísimas!
LA RIQUEZA CULTURAL DE OAXACA PRESENTE EN EL CORAZÓN DE LA REPÚBLICA MEXICANA
María Reyna, Natalia Cruz, Silvia María y Ana Díaz unen sus voces a la Banda Femenil Regional Mujeres del Viento Florido en Oaxaqueñísimas
Por primera vez en la capital del país, se lleva a cabo una única función del espectáculo el próximo sábado 17 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Un espectáculo en el que las artistas no sólo demuestran que son oaxaqueñas, si no Oaxaqueñísimas
Una invitación a recorrer las diferentes regiones de Oaxaca, a través de sus ritmos, cantos, danzas y textiles, con el objetivo de generar una experiencia única que refleja la riqueza del sureste de nuestro país, es la definición de Oaxaqueñísimas, propuesta escénica que conjuga el talento de importantes representantes de la cultura de dicha región.
Orgullosas de sus raíces, las cantantes María Reyna, Natalia Cruz, Silvia María y Ana Díaz unen sus voces a la Banda Femenil Regional Mujeres del Viento Florido para presentar el espectáculo, que integra también el trabajo de bailarines del grupo folclórico Tradiciones Oaxaqueñas.
Con una única presentación, el próximo sábado 17 de febrero, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, la propuesta invita a bailar y corear, ya que cada una de las cantantes y cantautoras hace un recorrido por sus repertorios (que constan de piezas originales, así como también de melodías de la tradición sonora de Oaxaca).
El estilo único de cada una de las artistas se fusiona en el escenario con las "Mujeres del Viento Florido", bajo la dirección de Leticia Gallardo, quienes honran a los compositores y las compositoras que han forjado el patrimonio musical del estado.
Por primera vez en la Ciudad de México se lleva a cabo el espectáculo, el cual en Oaxaca se presentó en los teatros Juárez y Macedonio Alcalá, así como en el Zócalo de dicho estado.
Producción de OaxacaArtístico, el espectáculo cuenta con la participación también del guitarrista Héctor Díaz, el percusionista Oxama y los pianistas Darío García y Joaquín Garzón.
Con el objetivo de impulsar y generar creación artística innovadora y de calidad en, para y desde el estado, OaxacaArtístico surgió en 2019. Ha realizado distintas producciones como Coincidir, ETERNA: Un Homenaje a Silvia María y actualmente Oaxaqueñísimas.
Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y el Libro de Job, Beckett exhibió en Final de partida ese don magistral para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, el ritual trágico de la condición humana.
En efecto, Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey, ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre en un mundo muerto no acaba de morirse nunca.
FIN DE PARTIDA, LA CEREMONIA TRÁGICA DE LA CONDICIÓN HUMANA
La propuesta se presenta del 8 al 18 de febrero con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez
Dirección de Agustín Meza, cuenta con la participación como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown
En el Teatro Benito Juárez se presenta la puesta en escena Fin de partida (Endgame), texto clásico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Agustín Meza y la participación especial como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown, líder fundador de la icónica banda de post-punk Tuxedomoon.
Producción de la compañía de teatro El Ghetto y con actuaciones de Luis Alberti (Ariel al Mejor Actor en 2020 por Mano de obra), Adrián Ladrón (Ariel al Mejor Actor en 2017 por La cuarta compañía), Alejandro Obregón, Rosario Sampablo y el propio Steven Brown como El Hombre Invisible. La propuesta se escenifica del 8 al 18 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Fin de partida (Endgame) “es el momento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quien gana y quien pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor?, ¿jugar?, ¿reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte?”, afirma en un texto específico para el presente montaje la crítica teatral Luz Emilia Aguilar Zínser.
La actual propuesta celebra 21 años del estreno de Esperando a Godot, pieza icónica del mismo Beckett, y que fue puesta en escena hace dos décacas por la agrupación, la cual se convirtió en una exitosa pieza en el panorama escénico de principios del siglo XXI.
La propuesta es “una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza en la que el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es, también, la indagación en la esencia del drama”, subraya la crítica teatral.
Producida con apoyo de México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, la puesta en escena muestra “como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados y en medio de un paisaje devastado, no saben si lo que viven es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio?, ¿cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola?”, finaliza Aguilar Zínser.
La obra de Beckett se inspira en El rey Lear, de William Shakespeare, y en el bíblico Libro de Job para exhibir ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana.
Fundada por Agustín Meza, miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y con 28 años de trayectoria, la compañía de teatro El Ghetto cuenta con más de 25 puestas en escena y más de 780 funciones ofrecidas. Ha participado en más de 25 encuentros nacionales e internacionales. Se ha presentado en países como Argentina, Corea del Sur, Cuba, España, Rumania y Uruguay.
Espectáculo de cabaret que reflexiona sobre los conservadurismos religiosos y políticos de nuestro país. Narra la historia de las monjas “Madre PAN-dilla” y “Madre PAN-torrilla”, vendedoras de rompo-pito, quienes están encerradas en una cloaca en espera de la venida del señor.
Junto con “Ratito El Ratoncito”, su achichincle, abrirán la caja de PAN-dora y se cuestionarán, desde el humor, los discursos abiertamente antiderechos de la clase política mexicana, sus abusos de poder, la iglesia y su PAN-dilla.
Asimismo, a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política mexicana expondrán sus más grandes deseos de gobernar, ahora que fueron elegidas entre tantas corcholatas.
EL CLÁSICO TEATRO DE REVISTA MEXICANO Y EL THRILLER POLÍTICO EUROPEO SE UNEN EN ÉCHAME A MÍ LA CULPA (Y TODO LO QUE QUIERAS)
Crítica desde el sarcasmo, el buen humor, el teatro y la música a los discursos anti-derechos y plagados de demagogia
Del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Cabaret de Diez presenta su espectáculo Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras), una propuesta que recurre al teatro, al cabaret, al clown y a la música para hacer una crítica, desde el sarcasmo y el buen humor, a los discursos plagados de racismo, demagogia y corrupción que permean la política.
Con una dramaturgia de Carlos Alexis, la propuesta cuenta con las actuaciones del propio autor, así como de Mónica Magdiel y Daniel Berthier, tres artistas egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).
El clásico teatro de revista mexicano y el thriller político de origen europeo se combinan en el proyecto que se presenta del 7 al 17 de febrero, de miércoles a sábado, en el Teatro Sergio Magaña como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La puesta en escena, renovada y actualizada, expone la corrupción, ridiculiza los vicios de personajes de la política y divierte a los asistentes. Échame a mí la culpa (y todo lo que quieras) cuenta la historia de dos monjas (la Madre PAN-dilla y la Madre PAN-torrilla), tímidas religiosas vendedoras de “rompopito”, quienes están encerradas en una especie de cloaca y sin embargo se mantienen “en espera de la venida del Señor”.
Junto con Ratito El Ratoncito, su achichincle, las hermanas abren la caja de PAN-dora y se cuestionan, desde el humor, los abusos de poder y los discursos abiertamente anti-derechos de la clase política, de las iglesias y de su propia PAN-dilla.
Asimismo, en el escenario y a través del sagrado “chismecito”, dos peculiares personajes de la política exponen sus deseos de gobernar. Entre improvisaciones, canciones ejecutadas a través de la parodia, coreografías y vestuarios construidos a partir del delirio, el espectáculo busca provocar risas, además de un diálogo directo con el espectador desde el peculiar sello crítico del cabaret.
La escenografía y la iluminación del espectáculo están diseñadas por César Moctezuma, el vestuario es de Hanniel Oyazabal y la coreografía corre a cargo de Sugey Segovia.
Cuatro piezas dancísticas fueron creadas desde preguntas, sueños, necesidades e inquietudes personales. Tuvieron la capacidad de desdoblarse y expandirse para ser compartidas con generosidad y tocar a otros.
Las escenas tocan temas complejos y profundos sobre nuestra humanidad, la urgencia del amor y del afecto, la relación con el baile-el cuerpo, la necesidad de autoconocimiento, el derecho a expresarse y la búsqueda de la transformación.
LIMINAL LAND, ACARICIA TEMAS COMPLEJOS Y PROFUNDOS SOBRE NUESTRA HUMANIDAD, LA URGENCIA DEL AMOR Y LA IMPORTANTE RELACIÓN CON LA FIESTA Y EL CUERPO
Programa integrado por cuatro coreografías, creadas y dirigidas por Ana Paula Ricalde
Se presenta cuatro únicas funciones, del 15 al 18 de febrero, en el Foro A Poco No
La compañía TierniSalvajeEscena presenta Liminal Land, un programa coreográfico que se caracteriza por invitar al público, sobre todo a los jóvenes, a reflexionar y apostar por la inclusividad en torno de las relaciones interpersonales en el mundo contemporáneo.
Formada por cuatro piezas de danza a manera de postales en movimiento, la propuesta se integra de Cadáveres Exquisitos, Contemplación de algo que cae/ Vértigo, TierniSalvajes / Catwoman y Hasta que el cuerpo aguante/ Tornafiesta, todas creadas y dirigidas por la bailarina y coreógrafa Ana Paula Ricalde, con la participación de las y los creadores escénicos Héctor Valdovinos, Zitaima Peguero, Lizbeth Gómez Rello, Areli Ávila y Ana Paula Ricalde.
Con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, el programa se presenta cuatro únicas funciones del 15 al 18 de febrero, en el Foro A Poco No.
Liminal Land aboga por mejores relaciones interpersonales, no deja de poner un acento especial en la calidad de la relación “con uno mismo” y también “en la complejidad de nuestra condición humana y en cómo podríamos hacer para gestionarnos de forma más amable y sana”, afirma su directora.
La composición coreográfica se llevó a cabo a partir de preguntas, sueños, necesidades e inquietudes personales que tuvieron la capacidad de desdoblarse, resignificarse y expandirse para intentar tocar a otros. La experiencia está construida a partir de una propuesta estética y de lenguaje que se ha explorado y construido durante cada proceso creativo, y lo que sustancialmente se busca con la experiencia escénica es generar conexiones y cercanías.
En ese sentido, Liminal Land es un paseo en el que el espectador transita por cuatro diferentes paisajes, en los cuales hay diversos cuerpos en acción que, a través de su quehacer, comunican, comparten y cuentan pequeñas historias, lo que brinda a los testigos la oportunidad de reflexionar y disfrutar con lo arrojado.
Cada una de las piezas acaricia temas complejos y profundos sobre nuestra humanidad, la urgencia del amor y del afecto, la importante relación con la fiesta, el baile y el cuerpo, la necesidad de autoconocimiento, el derecho a expresarse, la aceptación de nuestras dualidades, la búsqueda de la transformación y la apropiación de todos estos valores, considera Ana Paula Ricalde.
Para la puesta en escena, se convocó a un gran número de creadores como los diseñadores de iluminación Iván Tonaltzi y Araón Mariscales (+), los artistas sonoros Alejandro Ávila y Manuel Estrella, el editor musical Paulino Medina, el diseñador de multimedia Iván Mondragón. El vestuario lo realizó la propia compañía TierniSalvajeEscena.
Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y el Libro de Job, Beckett exhibió en Final de partida ese don magistral para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, el ritual trágico de la condición humana.
En efecto, Lear y Job conviven debajo de los harapos milenarios que recubren a ese patético rey, ciego y paralítico, eternamente sentado en un trono absurdo en el que el último hombre en un mundo muerto no acaba de morirse nunca.
FIN DE PARTIDA, LA CEREMONIA TRÁGICA DE LA CONDICIÓN HUMANA
La propuesta se presenta del 8 al 18 de febrero con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez
Dirección de Agustín Meza, cuenta con la participación como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown
En el Teatro Benito Juárez se presenta la puesta en escena Fin de partida (Endgame), texto clásico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Agustín Meza y la participación especial como compositor e intérprete musical en vivo de Steven Brown, líder fundador de la icónica banda de post-punk Tuxedomoon.
Producción de la compañía de teatro El Ghetto y con actuaciones de Luis Alberti (Ariel al Mejor Actor en 2020 por Mano de obra), Adrián Ladrón (Ariel al Mejor Actor en 2017 por La cuarta compañía), Alejandro Obregón, Rosario Sampablo y el propio Steven Brown como El Hombre Invisible. La propuesta se escenifica del 8 al 18 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Fin de partida (Endgame) “es el momento decisivo en el juego de ajedrez: la definición de quien gana y quien pierde. Todo aquel que ha nacido morirá: no hay escapatoria. ¿Qué define el significado de nuestra existencia? Aún en la máxima desolación los personajes de Beckett se aferran a la vida, a la búsqueda de sentido. ¿Qué hacer con el dolor?, ¿jugar?, ¿reírnos de nosotros mismos, de nuestra miseria, de la angustia ante la enfermedad y la muerte?”, afirma en un texto específico para el presente montaje la crítica teatral Luz Emilia Aguilar Zínser.
La actual propuesta celebra 21 años del estreno de Esperando a Godot, pieza icónica del mismo Beckett, y que fue puesta en escena hace dos décacas por la agrupación, la cual se convirtió en una exitosa pieza en el panorama escénico de principios del siglo XXI.
La propuesta es “una reflexión escénica sobre la muerte, el poder, el dolor, la desolación, la fragilidad, la necesidad del otro y la búsqueda de sentido, en una balanza en la que el juego y el humor provocan, angustian y acaso liberan. Fin de partida es, también, la indagación en la esencia del drama”, subraya la crítica teatral.
Producida con apoyo de México en Escena - Grupos Artísticos (MEGA) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, la puesta en escena muestra “como cada fin de partida, Hamm, su hijo adoptivo Clov y sus padres Nell y Nagg, todos mutilados y en medio de un paisaje devastado, no saben si lo que viven es el fin o una pausa hacia un nuevo comienzo. ¿Este momento de nuestra historia es la agonía de la humanidad o el salto a un nuevo inicio?, ¿cuál es la naturaleza de la guerra que hoy nos asola?”, finaliza Aguilar Zínser.
La obra de Beckett se inspira en El rey Lear, de William Shakespeare, y en el bíblico Libro de Job para exhibir ese don magistral suyo para escenificar la ceremonia fúnebre, sin pompa ni palabrería, la ceremonia trágica de la condición humana.
Fundada por Agustín Meza, miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, y con 28 años de trayectoria, la compañía de teatro El Ghetto cuenta con más de 25 puestas en escena y más de 780 funciones ofrecidas. Ha participado en más de 25 encuentros nacionales e internacionales. Se ha presentado en países como Argentina, Corea del Sur, Cuba, España, Rumania y Uruguay.
Cuatro piezas dancísticas fueron creadas desde preguntas, sueños, necesidades e inquietudes personales. Tuvieron la capacidad de desdoblarse y expandirse para ser compartidas con generosidad y tocar a otros.
Las escenas tocan temas complejos y profundos sobre nuestra humanidad, la urgencia del amor y del afecto, la relación con el baile-el cuerpo, la necesidad de autoconocimiento, el derecho a expresarse y la búsqueda de la transformación.
LIMINAL LAND, ACARICIA TEMAS COMPLEJOS Y PROFUNDOS SOBRE NUESTRA HUMANIDAD, LA URGENCIA DEL AMOR Y LA IMPORTANTE RELACIÓN CON LA FIESTA Y EL CUERPO
Programa integrado por cuatro coreografías, creadas y dirigidas por Ana Paula Ricalde
Se presenta cuatro únicas funciones, del 15 al 18 de febrero, en el Foro A Poco No
La compañía TierniSalvajeEscena presenta Liminal Land, un programa coreográfico que se caracteriza por invitar al público, sobre todo a los jóvenes, a reflexionar y apostar por la inclusividad en torno de las relaciones interpersonales en el mundo contemporáneo.
Formada por cuatro piezas de danza a manera de postales en movimiento, la propuesta se integra de Cadáveres Exquisitos, Contemplación de algo que cae/ Vértigo, TierniSalvajes / Catwoman y Hasta que el cuerpo aguante/ Tornafiesta, todas creadas y dirigidas por la bailarina y coreógrafa Ana Paula Ricalde, con la participación de las y los creadores escénicos Héctor Valdovinos, Zitaima Peguero, Lizbeth Gómez Rello, Areli Ávila y Ana Paula Ricalde.
Con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, el programa se presenta cuatro únicas funciones del 15 al 18 de febrero, en el Foro A Poco No.
Liminal Land aboga por mejores relaciones interpersonales, no deja de poner un acento especial en la calidad de la relación “con uno mismo” y también “en la complejidad de nuestra condición humana y en cómo podríamos hacer para gestionarnos de forma más amable y sana”, afirma su directora.
La composición coreográfica se llevó a cabo a partir de preguntas, sueños, necesidades e inquietudes personales que tuvieron la capacidad de desdoblarse, resignificarse y expandirse para intentar tocar a otros. La experiencia está construida a partir de una propuesta estética y de lenguaje que se ha explorado y construido durante cada proceso creativo, y lo que sustancialmente se busca con la experiencia escénica es generar conexiones y cercanías.
En ese sentido, Liminal Land es un paseo en el que el espectador transita por cuatro diferentes paisajes, en los cuales hay diversos cuerpos en acción que, a través de su quehacer, comunican, comparten y cuentan pequeñas historias, lo que brinda a los testigos la oportunidad de reflexionar y disfrutar con lo arrojado.
Cada una de las piezas acaricia temas complejos y profundos sobre nuestra humanidad, la urgencia del amor y del afecto, la importante relación con la fiesta, el baile y el cuerpo, la necesidad de autoconocimiento, el derecho a expresarse, la aceptación de nuestras dualidades, la búsqueda de la transformación y la apropiación de todos estos valores, considera Ana Paula Ricalde.
Para la puesta en escena, se convocó a un gran número de creadores como los diseñadores de iluminación Iván Tonaltzi y Araón Mariscales (+), los artistas sonoros Alejandro Ávila y Manuel Estrella, el editor musical Paulino Medina, el diseñador de multimedia Iván Mondragón. El vestuario lo realizó la propia compañía TierniSalvajeEscena.
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
Juana, la nueva de la escuela, descubre una red de acoso que amenaza a las alumnas con exponer fotografías íntimas de ellas. Ella utiliza el rap como su principal herramienta en la lucha contra la sextorsión y el ciberbullying.
Juana Cachonda busca difundir “Ley Olimpia”, que se refiere a un conjunto de reformas legislativas encaminadas a reconocer la violencia digital, las cuales fueron aprobadas en 2018 para tipificar como delito el hecho de compartir material íntimo de una persona sin su consentimiento. Esta no busca moralizar, sino alertar e informar sobre los derechos digitales.
Ciudad de México, febrero de 2024
JUANA CACHONDA RAPEA EN CONTRA DEL CIBERBULLYNG, LA SEXTORSIÓN, EL SHAMING, EL DOXING, EL GROOMING
Una puesta en escena de Teatro Bezbeco para promover y difundir la Ley Olimpia, ante la proliferación de acoso sexual a través de las redes sociales
Del 22 de febrero al 3 de marzo se escenifica en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Teatro Bezbeco regresa para presentar su puesta en escena Juana Cachonda, un texto de Josué Almanza dirigido por Ixchel Flores Machorro, en la que el teatro, la música, la danza y el rap se conjugan para promover la Ley Olimpia, serie de reformas legislativas aprobadas en los años recientes encaminadas a sancionar la violencia digital, la cual perjudica, en mayor grado, a las mujeres y niñas.
Juana Cachonda –que también pone en entredicho el significado actual de esta palabra– hace una temporada de presentaciones del 22 de febrero al 3 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La propuesta cuenta la historia de Juana, una joven estudiante que ingresa por primera vez a la escuela preparatoria. Con los días, descubre que las alumnas se enfrentan cotidianamente a prácticas de ciberbullyng, sextorsión y acoso por parte de sus compañeros, quienes todo lo justifican con el argumento del “amor romántico”.
A través del rap, Juana y sus compañeras exponen al acosador, quien convive con ellas en la misma preparatoria. La acción genera lazos profundos entre el grupo de jóvenes que se convierten en una red de apoyo solidario. De acuerdo a la crítica, la puesta visibiliza y proporciona herramientas para la prevención de situaciones de violencia de género al que se ven expuestas muchas adolescentes de nivel secundaria y preparatoria: prácticas como ciberbullyng, sextorsión, shaming, doxing, grooming (acoso sexual de adultos a menores de edad) que disfrazan de “amor”.
Igualmente, la pieza invita a reelaborar la palabra “cachonda” para nombrar a las chicas que son aguerridas y dueñas de su sensualidad, sin un enfoque moralizante, ya que consideran que todo “cuerpo merece respeto y tiene derecho a explotar su sexualidad sin recriminaciones”.
Desde el tono de comedia dramática, transcurre de manera detectivesca y vertiginosa por diversos escenarios que se crean con el movimiento de escenografía, música y la danza de los actores.
La compañía de teatro Bezbeco se fundó en 2016 en la Ciudad de México y se ha especializado en teatro para niños y niñas y jóvenes audiencias. En marzo del 2021, el Centro Cultural El Hormiguero convocó a la primera edición de su programa Larvas Creativas, con la cual ofreció residencias artísticas con el objetivo de fomentar el desarrollo y la profesionalización de los nuevos artistas mexicanos.
Para ello, las residencias incluyeron el acompañamiento y asesoría de los especialistas de la Coordinación de Talleres de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y vínculos con la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para apoyar la formación de los miembros de la compañía.
Del proyecto interinstitucional surgió la obra Juana Cachonda, con una duración de una hora, dirigida especialmente a jóvenes de 15 a 18 años de edad.
El vestuario es de Miranda López, escenografía de Abigail Puebla e iluminación de Juan Pablo Aguayo. La asesoría en rap es de Cynthia Franco y Marie V y en breaking de Raúl Ramírez. La producción ejecutiva y asistencia de dirección es de Humberto Trejo.
Gramma: Geometría del Encuentro es un espectáculo coreográfico que, a modo de un caleidoscopio, transita por los vicios y las virtudes de lo humano. Lo superficial y lo profundo se toman de la mano para danzar un ritual contemporáneo en el que la moda, la geometría, la fiesta y lo sagrado se atraviesan para invitar al espectador a una celebración.
GRAMMA: GEOMETRÍA DEL ENCUENTRO, EL CUERPO COMO GENERADOR DE DISCURSOS POÉTICOS
Con el proyecto Plataforma PM, bajo la dirección de Mauricio Rico, la propuesta tiene dos únicas funciones, los días 22 y 23 de febrero, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Plataforma PM es un proyecto interdisciplinar independiente que presenta la propuesta GRAMMA: Geometría del Encuentro, ópera prima coreográfica de gran formato del artista multidisciplinario y director escénico Mauricio Rico.
“El cuerpo es capaz de generar discursos poéticos” es la premisa de la que parten Rico y y el dramaturgista Antonio Salinas. La propuesta alternativa se presenta el jueves 22 y el viernes 23 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
GRAMMA: Geometría del Encuentro se alimenta de elementos del teatro contemporáneo, la danza y el performance. En un principio –dice el coreógrafo– la pieza surgió del estudio de la figura geométrica del eneagrama y su derivación al ámbito de la psicología conocida como Eneatipos de la Personalidad, sistema de clasificación utilizada como herramienta de autoconocimiento, el cual divide las personalidades en nueve tipos (el reformador, el ayudador, el exitoso, el individualista, el investigador, el leal, el entusiasta, el desafiador y el pacificador).
El eje rector de la investigación es un pretexto para indagar en las complejidades de las relaciones humanas. De ahí surgió un proceso creativo integrado por tres etapas: un seminario teórico-práctico, un taller-laboratorio y un proceso de montaje que derivó en la puesta en escena.
La pieza se divide en nueve capítulos que, a modo de caleidoscopio, durante 70 minutos, lleva al espectador por los vicios y virtudes de lo humano, por los cuales lo superficial y lo profundo se toman de la mano para danzar en un ritual contemporáneo en el que la geometría, la moda, la fiesta y lo sagrado se atraviesan para invitar al espectador a la celebración, explica el autor.
En el proceso creativo se manifiestan los mecanismos de personalidad de los propios artistas, lo cual funcionó como provocación para la construcción de la pieza, que genera reflexiones que van de lo individual a lo colectivo y de ahí a lo expandido, con el fin de reverberar en las miradas y cuerpos del espectador.
No se cuenta una historia lineal –especifica Mauricio Rico– porque no es una representación en el sentido estricto, sino cuerpos que generan un propio idioma de comunicación, diseñado para conectar desde el movimiento y la mirada, una lectura abierta para el espectador.
En la multiplicidad de lenguajes artísticos que convergen, destaca el dispositivo escenográfico y diseño de iluminación de Sergio Écatl, el diseño de vestuario de María Ponce, la composición musical y el diseño sonoro de Sebastián Espinosa y Alejandro Ávila, quien acompaña en vivo la propuesta, y la dramaturgia y asesoría creativa de Antonio Salinas.
Todos ellos, crean una experiencia que reinventa, a nivel de movimiento, el mismo espacio, y que se agranda con las ejecuciones de Ana Paula Ricalde, Dionisia Isadora / Nancy Arroyo Toledo, Sebastián Dante / Luis Ángel Cerón, Meraqui Pradis, Juan Pablo Zavala, José Ángel Rochín, Patricia Marín, Claudia Guerrero, Erandi Mondragón y Daniela Plaza.
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
Juana, la nueva de la escuela, descubre una red de acoso que amenaza a las alumnas con exponer fotografías íntimas de ellas. Ella utiliza el rap como su principal herramienta en la lucha contra la sextorsión y el ciberbullying.
Juana Cachonda busca difundir “Ley Olimpia”, que se refiere a un conjunto de reformas legislativas encaminadas a reconocer la violencia digital, las cuales fueron aprobadas en 2018 para tipificar como delito el hecho de compartir material íntimo de una persona sin su consentimiento. Esta no busca moralizar, sino alertar e informar sobre los derechos digitales.
Ciudad de México, febrero de 2024
JUANA CACHONDA RAPEA EN CONTRA DEL CIBERBULLYNG, LA SEXTORSIÓN, EL SHAMING, EL DOXING, EL GROOMING
Una puesta en escena de Teatro Bezbeco para promover y difundir la Ley Olimpia, ante la proliferación de acoso sexual a través de las redes sociales
Del 22 de febrero al 3 de marzo se escenifica en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Teatro Bezbeco regresa para presentar su puesta en escena Juana Cachonda, un texto de Josué Almanza dirigido por Ixchel Flores Machorro, en la que el teatro, la música, la danza y el rap se conjugan para promover la Ley Olimpia, serie de reformas legislativas aprobadas en los años recientes encaminadas a sancionar la violencia digital, la cual perjudica, en mayor grado, a las mujeres y niñas.
Juana Cachonda –que también pone en entredicho el significado actual de esta palabra– hace una temporada de presentaciones del 22 de febrero al 3 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La propuesta cuenta la historia de Juana, una joven estudiante que ingresa por primera vez a la escuela preparatoria. Con los días, descubre que las alumnas se enfrentan cotidianamente a prácticas de ciberbullyng, sextorsión y acoso por parte de sus compañeros, quienes todo lo justifican con el argumento del “amor romántico”.
A través del rap, Juana y sus compañeras exponen al acosador, quien convive con ellas en la misma preparatoria. La acción genera lazos profundos entre el grupo de jóvenes que se convierten en una red de apoyo solidario. De acuerdo a la crítica, la puesta visibiliza y proporciona herramientas para la prevención de situaciones de violencia de género al que se ven expuestas muchas adolescentes de nivel secundaria y preparatoria: prácticas como ciberbullyng, sextorsión, shaming, doxing, grooming (acoso sexual de adultos a menores de edad) que disfrazan de “amor”.
Igualmente, la pieza invita a reelaborar la palabra “cachonda” para nombrar a las chicas que son aguerridas y dueñas de su sensualidad, sin un enfoque moralizante, ya que consideran que todo “cuerpo merece respeto y tiene derecho a explotar su sexualidad sin recriminaciones”.
Desde el tono de comedia dramática, transcurre de manera detectivesca y vertiginosa por diversos escenarios que se crean con el movimiento de escenografía, música y la danza de los actores.
La compañía de teatro Bezbeco se fundó en 2016 en la Ciudad de México y se ha especializado en teatro para niños y niñas y jóvenes audiencias. En marzo del 2021, el Centro Cultural El Hormiguero convocó a la primera edición de su programa Larvas Creativas, con la cual ofreció residencias artísticas con el objetivo de fomentar el desarrollo y la profesionalización de los nuevos artistas mexicanos.
Para ello, las residencias incluyeron el acompañamiento y asesoría de los especialistas de la Coordinación de Talleres de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y vínculos con la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para apoyar la formación de los miembros de la compañía.
Del proyecto interinstitucional surgió la obra Juana Cachonda, con una duración de una hora, dirigida especialmente a jóvenes de 15 a 18 años de edad.
El vestuario es de Miranda López, escenografía de Abigail Puebla e iluminación de Juan Pablo Aguayo. La asesoría en rap es de Cynthia Franco y Marie V y en breaking de Raúl Ramírez. La producción ejecutiva y asistencia de dirección es de Humberto Trejo.
Concierto de música mexicana y rock creado por la cantautora Elo Vit, los temas narran historias de seres que forman parte del imaginario de nuestra cultura mexicana tales como El Charro Negro, La Siguanaba, El Chupacabras, La Llorona y Los animales fantásticos, entre otros.
A través de las rondas y expresiones musicales tradicionales y populares fusionadas con rock, las leyendas de míticos personajes se acercan a las nuevas generaciones para promover nuestro gran acervo musical y cultural.
Ciudad de México, febrero de 2024
ELO VIT EN LA SIGUANABA Y OTRAS RONDAS MEXICANAS FUSIONA SU PASIÓN POR LA MÚSICA CON UN GRAN ORGULLO POR LA HERENCIA CULTURAL MEXICANA
Homenaje, desde una fusión de música tradicional con rock, a la larga tradición narrativa de mitos y leyendas de las culturas mexicana y latinoamericana
Se presenta tres únicas funciones en el Foro A Poco No
La joven cantante y compositora Elo Vit ofrece un concierto en el que integra la riqueza de la música mexicana con el poderoso sonido del rock para realizar un tributo a la rica tradición narrativa –oral y escrita– de las culturas latinoamericanas. La Siguanaba y otras rondas mexicanas es el título del espectáculo músico-teatral que se lleva a cabo los días 23, 24 y 25 de febrero en el Foro A Poco No de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Homenaje a la rica tradición narrativa de México con música contemporánea, el espectáculo explora la huella de personajes legendarios y seres fantásticos que han cautivado la imaginación del pueblo mexicano durante siglos.
Con el acompañamiento de la música como un puente entre lo tradicional y lo moderno, el evento presenta al público una serie de historias cautivadoras sobre seres míticos del folclor mexicano, como el Charro Negro, La Siguanaba, El Chupacabras, La Llorona y otros seres fantásticos como los nahuales y los espíritus de la noche.
La esencia del concierto radica en el uso de rondas, expresiones musicales tradicionales fusionadas con el vibrante ritmo del rock para generar un enfoque dinámico y fresco acerca de leyendas y personajes populares, mientras promueve una parte importante del legado cultural y musical de nuestro país.
Elo Vit lidera el viaje musical acompañada por un talentoso elenco de músicos: Alfonso Garcés en las percusiones, Manuel Ruiz en el violoncello, Mindi Xhan en la guitarra eléctrica, Paulina Parga en las voces, y Leo Campos en el bajo. Juntos, crean una experiencia sonora única que trasciende géneros y fronteras musicales. Además, como artistas invitadas suben al escenario Leticia Servin y Nancy Zamher, quienes con sus mágicas voces dan vida a algunos de los temas musicales.
Originaria de la Ciudad de México, la cantautora Elo Vit (Eloísa Gómez Vital) es egresada de la cuarta generación 2017-2019 de la Escuela de Composición de la Sociedad de Autores y Compositores de México. Ha lanzado tres EPs de música original bajo los nombres de Xiuhcóatl, despierta (2022), El fuego perdido (2021) y Lamento del campo (2019), además de contar con dos sencillos de su autoría con artistas invitadas en los que predomina la música mexicana junto con estilos diferentes como el rap y la cumbia: Un canto a mi América Latina (con Maga Ney y Rocío Ruiz, 2021) y La diabla (acompañada de Las Luz y Fuerza, 2021).
Cuatro piezas dancísticas fueron creadas desde preguntas, sueños, necesidades e inquietudes personales. Tuvieron la capacidad de desdoblarse y expandirse para ser compartidas con generosidad y tocar a otros.
Las escenas tocan temas complejos y profundos sobre nuestra humanidad, la urgencia del amor y del afecto, la relación con el baile-el cuerpo, la necesidad de autoconocimiento, el derecho a expresarse y la búsqueda de la transformación.
LIMINAL LAND, ACARICIA TEMAS COMPLEJOS Y PROFUNDOS SOBRE NUESTRA HUMANIDAD, LA URGENCIA DEL AMOR Y LA IMPORTANTE RELACIÓN CON LA FIESTA Y EL CUERPO
Programa integrado por cuatro coreografías, creadas y dirigidas por Ana Paula Ricalde
Se presenta cuatro únicas funciones, del 15 al 18 de febrero, en el Foro A Poco No
La compañía TierniSalvajeEscena presenta Liminal Land, un programa coreográfico que se caracteriza por invitar al público, sobre todo a los jóvenes, a reflexionar y apostar por la inclusividad en torno de las relaciones interpersonales en el mundo contemporáneo.
Formada por cuatro piezas de danza a manera de postales en movimiento, la propuesta se integra de Cadáveres Exquisitos, Contemplación de algo que cae/ Vértigo, TierniSalvajes / Catwoman y Hasta que el cuerpo aguante/ Tornafiesta, todas creadas y dirigidas por la bailarina y coreógrafa Ana Paula Ricalde, con la participación de las y los creadores escénicos Héctor Valdovinos, Zitaima Peguero, Lizbeth Gómez Rello, Areli Ávila y Ana Paula Ricalde.
Con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, el programa se presenta cuatro únicas funciones del 15 al 18 de febrero, en el Foro A Poco No.
Liminal Land aboga por mejores relaciones interpersonales, no deja de poner un acento especial en la calidad de la relación “con uno mismo” y también “en la complejidad de nuestra condición humana y en cómo podríamos hacer para gestionarnos de forma más amable y sana”, afirma su directora.
La composición coreográfica se llevó a cabo a partir de preguntas, sueños, necesidades e inquietudes personales que tuvieron la capacidad de desdoblarse, resignificarse y expandirse para intentar tocar a otros. La experiencia está construida a partir de una propuesta estética y de lenguaje que se ha explorado y construido durante cada proceso creativo, y lo que sustancialmente se busca con la experiencia escénica es generar conexiones y cercanías.
En ese sentido, Liminal Land es un paseo en el que el espectador transita por cuatro diferentes paisajes, en los cuales hay diversos cuerpos en acción que, a través de su quehacer, comunican, comparten y cuentan pequeñas historias, lo que brinda a los testigos la oportunidad de reflexionar y disfrutar con lo arrojado.
Cada una de las piezas acaricia temas complejos y profundos sobre nuestra humanidad, la urgencia del amor y del afecto, la importante relación con la fiesta, el baile y el cuerpo, la necesidad de autoconocimiento, el derecho a expresarse, la aceptación de nuestras dualidades, la búsqueda de la transformación y la apropiación de todos estos valores, considera Ana Paula Ricalde.
Para la puesta en escena, se convocó a un gran número de creadores como los diseñadores de iluminación Iván Tonaltzi y Araón Mariscales (+), los artistas sonoros Alejandro Ávila y Manuel Estrella, el editor musical Paulino Medina, el diseñador de multimedia Iván Mondragón. El vestuario lo realizó la propia compañía TierniSalvajeEscena.
Gramma: Geometría del Encuentro es un espectáculo coreográfico que, a modo de un caleidoscopio, transita por los vicios y las virtudes de lo humano. Lo superficial y lo profundo se toman de la mano para danzar un ritual contemporáneo en el que la moda, la geometría, la fiesta y lo sagrado se atraviesan para invitar al espectador a una celebración.
GRAMMA: GEOMETRÍA DEL ENCUENTRO, EL CUERPO COMO GENERADOR DE DISCURSOS POÉTICOS
Con el proyecto Plataforma PM, bajo la dirección de Mauricio Rico, la propuesta tiene dos únicas funciones, los días 22 y 23 de febrero, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Plataforma PM es un proyecto interdisciplinar independiente que presenta la propuesta GRAMMA: Geometría del Encuentro, ópera prima coreográfica de gran formato del artista multidisciplinario y director escénico Mauricio Rico.
“El cuerpo es capaz de generar discursos poéticos” es la premisa de la que parten Rico y y el dramaturgista Antonio Salinas. La propuesta alternativa se presenta el jueves 22 y el viernes 23 de febrero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
GRAMMA: Geometría del Encuentro se alimenta de elementos del teatro contemporáneo, la danza y el performance. En un principio –dice el coreógrafo– la pieza surgió del estudio de la figura geométrica del eneagrama y su derivación al ámbito de la psicología conocida como Eneatipos de la Personalidad, sistema de clasificación utilizada como herramienta de autoconocimiento, el cual divide las personalidades en nueve tipos (el reformador, el ayudador, el exitoso, el individualista, el investigador, el leal, el entusiasta, el desafiador y el pacificador).
El eje rector de la investigación es un pretexto para indagar en las complejidades de las relaciones humanas. De ahí surgió un proceso creativo integrado por tres etapas: un seminario teórico-práctico, un taller-laboratorio y un proceso de montaje que derivó en la puesta en escena.
La pieza se divide en nueve capítulos que, a modo de caleidoscopio, durante 70 minutos, lleva al espectador por los vicios y virtudes de lo humano, por los cuales lo superficial y lo profundo se toman de la mano para danzar en un ritual contemporáneo en el que la geometría, la moda, la fiesta y lo sagrado se atraviesan para invitar al espectador a la celebración, explica el autor.
En el proceso creativo se manifiestan los mecanismos de personalidad de los propios artistas, lo cual funcionó como provocación para la construcción de la pieza, que genera reflexiones que van de lo individual a lo colectivo y de ahí a lo expandido, con el fin de reverberar en las miradas y cuerpos del espectador.
No se cuenta una historia lineal –especifica Mauricio Rico– porque no es una representación en el sentido estricto, sino cuerpos que generan un propio idioma de comunicación, diseñado para conectar desde el movimiento y la mirada, una lectura abierta para el espectador.
En la multiplicidad de lenguajes artísticos que convergen, destaca el dispositivo escenográfico y diseño de iluminación de Sergio Écatl, el diseño de vestuario de María Ponce, la composición musical y el diseño sonoro de Sebastián Espinosa y Alejandro Ávila, quien acompaña en vivo la propuesta, y la dramaturgia y asesoría creativa de Antonio Salinas.
Todos ellos, crean una experiencia que reinventa, a nivel de movimiento, el mismo espacio, y que se agranda con las ejecuciones de Ana Paula Ricalde, Dionisia Isadora / Nancy Arroyo Toledo, Sebastián Dante / Luis Ángel Cerón, Meraqui Pradis, Juan Pablo Zavala, José Ángel Rochín, Patricia Marín, Claudia Guerrero, Erandi Mondragón y Daniela Plaza.
Ante la extraña y repentina ausencia de su padre, Simón y Lolo siguen las pistas que han encontrado en una carta y comienzan un viaje con destino a la Luna para descubrir ¿por qué el amor es invisible?
Serán los lunáticos, habitantes de la roca de plata, quienes le ayudarán a encontrar a su padre y les enseñarán por qué el amor es el gran motor oculto del planeta Tierra.
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
Adanowsky presenta su más reciente álbum, The Fool, con una nueva propuesta escénica que incluye sus más grandes éxitos y novedades.
La presentación en vivo no será solo un concierto, sino una experiencia envolvente, un universo sonoro único, en el cual la música se entrelaza con visuales cautivadores. Una inmersión en la creatividad y la autenticidad de uno de los artistas más innovadores de la escena actual.
ADANOWSKY PRESENTA SU NUEVO DISCO CON UNA INMERSIÓN EN LA CREATIVIDAD Y LA AUTENTICIDAD DE UNO DE LOS ARTISTAS MÁS INNOVADORES DE LA ESCENA ACTUAL
Como parte de The Fool Tour, el próximo sábado 24 de febrero, el músico sube al escenario del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
En el álbum, el compositor y cantante cuenta con la colaboración de Karen O y Beck
El sábado 24 de febrero, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, el compositor y cantante chileno-francés Adanowsky ofrece un concierto para presentar su más reciente grabación titulada The Fool, como parte de su gira The Fool Tour.
La presentación en vivo del nuevo álbum promete ser inolvidable, ya que Adanowsky, conocido por su ecléctica expresión artística, prepara el escenario para un espectáculo que fusiona sus éxitos ya consagrados con las adiciones de su última creación musical.
Adanowsky es un músico, actor y director de cine chileno-francés. Es hijo del famoso cineasta y escritor chileno Alejandro Jodorowsky. El artista ha desarrollado una carrera multifacética, en la que explora diferentes formas de expresión creativa. En el ámbito musical, ha lanzado varios álbumes que unen una variedad de estilos, que incluyen pop, rock y elementos de música latina.
Además de su carrera musical, ha incursionado en la actuación y la dirección cinematográfica. Ha participado en películas como The Dance of Reality (2013), dirigida por su padre, y también ha realizado sus propios filmes, como La telenovela errante (2017).
Con un estilo único y ecléctico, Adanowsky ha ganado reconocimiento por su originalidad en el ámbito artístico, estableciéndose como una figura destacada en la escena cultural contemporánea.
En cuanto a su más reciente grabación, The Fool es un testimonio de la alquimia y sanación musical que Adanowsky ha experimentado a través de los años recientes. Con once cautivadoras canciones, el trabajo sonoro evoca lo nocturno, una cueva, el calor y la sensualidad, con el objetivo de transmitir sensaciones que solo se disfrutan plenamente en momentos de calma.
Además, la presentación en vivo es una experiencia envolvente. Adanowsky promete llevar al público a un viaje a través de las capas sonoras de The Fool. El álbum cuenta con colaboraciones especiales con Karen O y Beck, que elevan aún más la experiencia auditiva.
El evento en vivo es una oportunidad para que la audiencia experimente la esencia misma del artista. El público debe prepararse para ser transportados a un universo sonoro único, en el que la música de Adanowsky se entrelaza con visuales cautivadores. Este no será solo un concierto, sino una inmersión en la creatividad y la autenticidad de uno de los artistas más innovadores de la escena actual.
Concierto de música mexicana y rock creado por la cantautora Elo Vit, los temas narran historias de seres que forman parte del imaginario de nuestra cultura mexicana tales como El Charro Negro, La Siguanaba, El Chupacabras, La Llorona y Los animales fantásticos, entre otros.
A través de las rondas y expresiones musicales tradicionales y populares fusionadas con rock, las leyendas de míticos personajes se acercan a las nuevas generaciones para promover nuestro gran acervo musical y cultural.
Ciudad de México, febrero de 2024
ELO VIT EN LA SIGUANABA Y OTRAS RONDAS MEXICANAS FUSIONA SU PASIÓN POR LA MÚSICA CON UN GRAN ORGULLO POR LA HERENCIA CULTURAL MEXICANA
Homenaje, desde una fusión de música tradicional con rock, a la larga tradición narrativa de mitos y leyendas de las culturas mexicana y latinoamericana
Se presenta tres únicas funciones en el Foro A Poco No
La joven cantante y compositora Elo Vit ofrece un concierto en el que integra la riqueza de la música mexicana con el poderoso sonido del rock para realizar un tributo a la rica tradición narrativa –oral y escrita– de las culturas latinoamericanas. La Siguanaba y otras rondas mexicanas es el título del espectáculo músico-teatral que se lleva a cabo los días 23, 24 y 25 de febrero en el Foro A Poco No de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Homenaje a la rica tradición narrativa de México con música contemporánea, el espectáculo explora la huella de personajes legendarios y seres fantásticos que han cautivado la imaginación del pueblo mexicano durante siglos.
Con el acompañamiento de la música como un puente entre lo tradicional y lo moderno, el evento presenta al público una serie de historias cautivadoras sobre seres míticos del folclor mexicano, como el Charro Negro, La Siguanaba, El Chupacabras, La Llorona y otros seres fantásticos como los nahuales y los espíritus de la noche.
La esencia del concierto radica en el uso de rondas, expresiones musicales tradicionales fusionadas con el vibrante ritmo del rock para generar un enfoque dinámico y fresco acerca de leyendas y personajes populares, mientras promueve una parte importante del legado cultural y musical de nuestro país.
Elo Vit lidera el viaje musical acompañada por un talentoso elenco de músicos: Alfonso Garcés en las percusiones, Manuel Ruiz en el violoncello, Mindi Xhan en la guitarra eléctrica, Paulina Parga en las voces, y Leo Campos en el bajo. Juntos, crean una experiencia sonora única que trasciende géneros y fronteras musicales. Además, como artistas invitadas suben al escenario Leticia Servin y Nancy Zamher, quienes con sus mágicas voces dan vida a algunos de los temas musicales.
Originaria de la Ciudad de México, la cantautora Elo Vit (Eloísa Gómez Vital) es egresada de la cuarta generación 2017-2019 de la Escuela de Composición de la Sociedad de Autores y Compositores de México. Ha lanzado tres EPs de música original bajo los nombres de Xiuhcóatl, despierta (2022), El fuego perdido (2021) y Lamento del campo (2019), además de contar con dos sencillos de su autoría con artistas invitadas en los que predomina la música mexicana junto con estilos diferentes como el rap y la cumbia: Un canto a mi América Latina (con Maga Ney y Rocío Ruiz, 2021) y La diabla (acompañada de Las Luz y Fuerza, 2021).
Juana, la nueva de la escuela, descubre una red de acoso que amenaza a las alumnas con exponer fotografías íntimas de ellas. Ella utiliza el rap como su principal herramienta en la lucha contra la sextorsión y el ciberbullying.
Juana Cachonda busca difundir “Ley Olimpia”, que se refiere a un conjunto de reformas legislativas encaminadas a reconocer la violencia digital, las cuales fueron aprobadas en 2018 para tipificar como delito el hecho de compartir material íntimo de una persona sin su consentimiento. Esta no busca moralizar, sino alertar e informar sobre los derechos digitales.
Ciudad de México, febrero de 2024
JUANA CACHONDA RAPEA EN CONTRA DEL CIBERBULLYNG, LA SEXTORSIÓN, EL SHAMING, EL DOXING, EL GROOMING
Una puesta en escena de Teatro Bezbeco para promover y difundir la Ley Olimpia, ante la proliferación de acoso sexual a través de las redes sociales
Del 22 de febrero al 3 de marzo se escenifica en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Teatro Bezbeco regresa para presentar su puesta en escena Juana Cachonda, un texto de Josué Almanza dirigido por Ixchel Flores Machorro, en la que el teatro, la música, la danza y el rap se conjugan para promover la Ley Olimpia, serie de reformas legislativas aprobadas en los años recientes encaminadas a sancionar la violencia digital, la cual perjudica, en mayor grado, a las mujeres y niñas.
Juana Cachonda –que también pone en entredicho el significado actual de esta palabra– hace una temporada de presentaciones del 22 de febrero al 3 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La propuesta cuenta la historia de Juana, una joven estudiante que ingresa por primera vez a la escuela preparatoria. Con los días, descubre que las alumnas se enfrentan cotidianamente a prácticas de ciberbullyng, sextorsión y acoso por parte de sus compañeros, quienes todo lo justifican con el argumento del “amor romántico”.
A través del rap, Juana y sus compañeras exponen al acosador, quien convive con ellas en la misma preparatoria. La acción genera lazos profundos entre el grupo de jóvenes que se convierten en una red de apoyo solidario. De acuerdo a la crítica, la puesta visibiliza y proporciona herramientas para la prevención de situaciones de violencia de género al que se ven expuestas muchas adolescentes de nivel secundaria y preparatoria: prácticas como ciberbullyng, sextorsión, shaming, doxing, grooming (acoso sexual de adultos a menores de edad) que disfrazan de “amor”.
Igualmente, la pieza invita a reelaborar la palabra “cachonda” para nombrar a las chicas que son aguerridas y dueñas de su sensualidad, sin un enfoque moralizante, ya que consideran que todo “cuerpo merece respeto y tiene derecho a explotar su sexualidad sin recriminaciones”.
Desde el tono de comedia dramática, transcurre de manera detectivesca y vertiginosa por diversos escenarios que se crean con el movimiento de escenografía, música y la danza de los actores.
La compañía de teatro Bezbeco se fundó en 2016 en la Ciudad de México y se ha especializado en teatro para niños y niñas y jóvenes audiencias. En marzo del 2021, el Centro Cultural El Hormiguero convocó a la primera edición de su programa Larvas Creativas, con la cual ofreció residencias artísticas con el objetivo de fomentar el desarrollo y la profesionalización de los nuevos artistas mexicanos.
Para ello, las residencias incluyeron el acompañamiento y asesoría de los especialistas de la Coordinación de Talleres de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y vínculos con la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para apoyar la formación de los miembros de la compañía.
Del proyecto interinstitucional surgió la obra Juana Cachonda, con una duración de una hora, dirigida especialmente a jóvenes de 15 a 18 años de edad.
El vestuario es de Miranda López, escenografía de Abigail Puebla e iluminación de Juan Pablo Aguayo. La asesoría en rap es de Cynthia Franco y Marie V y en breaking de Raúl Ramírez. La producción ejecutiva y asistencia de dirección es de Humberto Trejo.
Juana, la nueva de la escuela, descubre una red de acoso que amenaza a las alumnas con exponer fotografías íntimas de ellas. Ella utiliza el rap como su principal herramienta en la lucha contra la sextorsión y el ciberbullying.
Juana Cachonda busca difundir “Ley Olimpia”, que se refiere a un conjunto de reformas legislativas encaminadas a reconocer la violencia digital, las cuales fueron aprobadas en 2018 para tipificar como delito el hecho de compartir material íntimo de una persona sin su consentimiento. Esta no busca moralizar, sino alertar e informar sobre los derechos digitales.
Ciudad de México, febrero de 2024
JUANA CACHONDA RAPEA EN CONTRA DEL CIBERBULLYNG, LA SEXTORSIÓN, EL SHAMING, EL DOXING, EL GROOMING
Una puesta en escena de Teatro Bezbeco para promover y difundir la Ley Olimpia, ante la proliferación de acoso sexual a través de las redes sociales
Del 22 de febrero al 3 de marzo se escenifica en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Teatro Bezbeco regresa para presentar su puesta en escena Juana Cachonda, un texto de Josué Almanza dirigido por Ixchel Flores Machorro, en la que el teatro, la música, la danza y el rap se conjugan para promover la Ley Olimpia, serie de reformas legislativas aprobadas en los años recientes encaminadas a sancionar la violencia digital, la cual perjudica, en mayor grado, a las mujeres y niñas.
Juana Cachonda –que también pone en entredicho el significado actual de esta palabra– hace una temporada de presentaciones del 22 de febrero al 3 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La propuesta cuenta la historia de Juana, una joven estudiante que ingresa por primera vez a la escuela preparatoria. Con los días, descubre que las alumnas se enfrentan cotidianamente a prácticas de ciberbullyng, sextorsión y acoso por parte de sus compañeros, quienes todo lo justifican con el argumento del “amor romántico”.
A través del rap, Juana y sus compañeras exponen al acosador, quien convive con ellas en la misma preparatoria. La acción genera lazos profundos entre el grupo de jóvenes que se convierten en una red de apoyo solidario. De acuerdo a la crítica, la puesta visibiliza y proporciona herramientas para la prevención de situaciones de violencia de género al que se ven expuestas muchas adolescentes de nivel secundaria y preparatoria: prácticas como ciberbullyng, sextorsión, shaming, doxing, grooming (acoso sexual de adultos a menores de edad) que disfrazan de “amor”.
Igualmente, la pieza invita a reelaborar la palabra “cachonda” para nombrar a las chicas que son aguerridas y dueñas de su sensualidad, sin un enfoque moralizante, ya que consideran que todo “cuerpo merece respeto y tiene derecho a explotar su sexualidad sin recriminaciones”.
Desde el tono de comedia dramática, transcurre de manera detectivesca y vertiginosa por diversos escenarios que se crean con el movimiento de escenografía, música y la danza de los actores.
La compañía de teatro Bezbeco se fundó en 2016 en la Ciudad de México y se ha especializado en teatro para niños y niñas y jóvenes audiencias. En marzo del 2021, el Centro Cultural El Hormiguero convocó a la primera edición de su programa Larvas Creativas, con la cual ofreció residencias artísticas con el objetivo de fomentar el desarrollo y la profesionalización de los nuevos artistas mexicanos.
Para ello, las residencias incluyeron el acompañamiento y asesoría de los especialistas de la Coordinación de Talleres de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y vínculos con la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para apoyar la formación de los miembros de la compañía.
Del proyecto interinstitucional surgió la obra Juana Cachonda, con una duración de una hora, dirigida especialmente a jóvenes de 15 a 18 años de edad.
El vestuario es de Miranda López, escenografía de Abigail Puebla e iluminación de Juan Pablo Aguayo. La asesoría en rap es de Cynthia Franco y Marie V y en breaking de Raúl Ramírez. La producción ejecutiva y asistencia de dirección es de Humberto Trejo.
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
Concierto de música mexicana y rock creado por la cantautora Elo Vit, los temas narran historias de seres que forman parte del imaginario de nuestra cultura mexicana tales como El Charro Negro, La Siguanaba, El Chupacabras, La Llorona y Los animales fantásticos, entre otros.
A través de las rondas y expresiones musicales tradicionales y populares fusionadas con rock, las leyendas de míticos personajes se acercan a las nuevas generaciones para promover nuestro gran acervo musical y cultural.
Ciudad de México, febrero de 2024
ELO VIT EN LA SIGUANABA Y OTRAS RONDAS MEXICANAS FUSIONA SU PASIÓN POR LA MÚSICA CON UN GRAN ORGULLO POR LA HERENCIA CULTURAL MEXICANA
Homenaje, desde una fusión de música tradicional con rock, a la larga tradición narrativa de mitos y leyendas de las culturas mexicana y latinoamericana
Se presenta tres únicas funciones en el Foro A Poco No
La joven cantante y compositora Elo Vit ofrece un concierto en el que integra la riqueza de la música mexicana con el poderoso sonido del rock para realizar un tributo a la rica tradición narrativa –oral y escrita– de las culturas latinoamericanas. La Siguanaba y otras rondas mexicanas es el título del espectáculo músico-teatral que se lleva a cabo los días 23, 24 y 25 de febrero en el Foro A Poco No de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Homenaje a la rica tradición narrativa de México con música contemporánea, el espectáculo explora la huella de personajes legendarios y seres fantásticos que han cautivado la imaginación del pueblo mexicano durante siglos.
Con el acompañamiento de la música como un puente entre lo tradicional y lo moderno, el evento presenta al público una serie de historias cautivadoras sobre seres míticos del folclor mexicano, como el Charro Negro, La Siguanaba, El Chupacabras, La Llorona y otros seres fantásticos como los nahuales y los espíritus de la noche.
La esencia del concierto radica en el uso de rondas, expresiones musicales tradicionales fusionadas con el vibrante ritmo del rock para generar un enfoque dinámico y fresco acerca de leyendas y personajes populares, mientras promueve una parte importante del legado cultural y musical de nuestro país.
Elo Vit lidera el viaje musical acompañada por un talentoso elenco de músicos: Alfonso Garcés en las percusiones, Manuel Ruiz en el violoncello, Mindi Xhan en la guitarra eléctrica, Paulina Parga en las voces, y Leo Campos en el bajo. Juntos, crean una experiencia sonora única que trasciende géneros y fronteras musicales. Además, como artistas invitadas suben al escenario Leticia Servin y Nancy Zamher, quienes con sus mágicas voces dan vida a algunos de los temas musicales.
Originaria de la Ciudad de México, la cantautora Elo Vit (Eloísa Gómez Vital) es egresada de la cuarta generación 2017-2019 de la Escuela de Composición de la Sociedad de Autores y Compositores de México. Ha lanzado tres EPs de música original bajo los nombres de Xiuhcóatl, despierta (2022), El fuego perdido (2021) y Lamento del campo (2019), además de contar con dos sencillos de su autoría con artistas invitadas en los que predomina la música mexicana junto con estilos diferentes como el rap y la cumbia: Un canto a mi América Latina (con Maga Ney y Rocío Ruiz, 2021) y La diabla (acompañada de Las Luz y Fuerza, 2021).
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
A sus 4 años, Lun posee una sabiduría que pareciera una persona anciana. En su camino conoce al número 3, al 4, al 8, a ¿Dios?, a la música, al Epígrafe y a otros conceptos que le acompañarán a responder la pregunta: ¿qué es eso de la existencia?
La función se desarrolla aquí. Aunque también podría desarrollarse allá.
En Lun, gracias a la magia del teatro, no hay cuarta pared. Ni segunda, ni tercera.
Escrita bajo el género de lo absurdo, es una historia que probablemente no tenga ningún sentido porque la Humanidad es insignificante y ridícula. Pero qué bonito. Por cierto, está es la tercera llamada: comenzamos más o menos.
LUN, EMPATÍA, PACIENCIA Y TOLERANCIA HACIA QUIEN PADECE DEMENCIA SENIL O ALZHEIMER Y PARA QUIENES LE ACOMPAÑAN
Bajo la dirección de Jesús Díaz, la compañía ¡Pamplinas! Teatro escenifica la propuesta del 21 de febrero al 3 de marzo en el Teatro Benito Juárez
Protagonizada por Félix Vanessa, ganadora del Premio a Revelación Femenina ACPT 2023
A sus cuatro años de edad, la niña Lun posee una sabiduría que pareciera ser una persona adulta, inclusive una anciana. En su camino descubre al número 3, al 4, al 8; conoce a la música, al epígrafe, a Dios y conceptos que le acompañan a responder una pregunta que le parece de vital importancia: ¿qué es eso de la existencia?
Lun es una propuesta de teatro escrita por Valeria Fabbri, con dirección escénica de Jesús Díaz, a cargo de la compañía ¡Pamplinas! Teatro, la cual se presenta del 21 de febrero al 3 de marzo, (excepto el 25 de febrero), en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Escrita bajo el género del absurdo, es una historia que “probablemente no tenga ningún sentido”, porque “la Humanidad es insignificante y ridícula”. ¡Pero, qué bonito!, afirma la protagonista.
Al principio, parece una puesta en escena muy “onírica” o sin sentido, ya que está llena de personajes que por primera vez toman voz, como los números, las acotaciones o los objetos. Sin embargo –afirma la autora–, todo el sinsentido lleva a un tema más profundo: la demencia y perdida de la memoria que pasan algunas personas al envejecer.
En el rompecabezas escénico que toma vuelo hacia lo metafórico, el público acompaña a Lun y lo hace cuestionarse sobre lo que es la fe, los códigos de comunicación, la esencia de lo humano, su existencia y si esta tiene algún sentido.
Aunque pareciera que la puesta habla de muchas cosas, lleva a una reflexión sobre la necesidad de empatía, paciencia y tolerancia hacia quien transita la crisis de la demencia senil o el Alzheimer y para quienes le acompañan en el proceso.
Parece que Lun es una puesta para infancias, por la estética y el tono que toma inicialmente, “pero hay que hacer notar que también expone la pérdida de la inocencia que sufren algunas personas al vivir un trauma en su juventud y que llevan estos dolorosos recuerdos a rincones ocultos; pero, también, sin duda alguna, esas memorias volverán a asomarse en algún momento de la vida”.
En cuanto a la dirección, se destacan algunos aspectos típicos del clown: no hay cuarta pared, los personajes se construyen de manera fantasiosa y excéntrica, y toda la narrativa y las acciones son expresadas por medio de gags.
Participan los actores y las actrices Félix Vanessa, Jesús Díaz, Diego Santana, Mónica Magdiel, Mel Fuentes, Nohemí Espinosa y Aldo Estrada, con escenografía de César Moctezuma, iluminación de Roblui, vestuario de Hanniel Oyarzabal y diseño sonoro de Tonatiúh Márquez y Aldo Estrada. La producción ejecutiva es de Héctor López.
La vedette Montserrat Cabaré presenta un concierto tutti-frutti, en el cual la sonoridad emerge de manera muy estimulante, mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador.
El humor envuelve cada uno de los actos haciendo de éste su herramienta más fuerte.
DISFRUTA LA FRUTA, ESPECTÁCULO ÚNICO DE CABARET HECHO EN EL LENGUAJE UNIVERSAL DE LAS FRUTAS
Una propuesta en tres actos, a manera de “canto sanador y reconciliador”, se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo en el Foro A Poco No
El requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”
Tres actos musicales componen el espectáculo de teatro-cabaret Disfruta la fruta, que presenta la actriz, directora y productora mexicana Montserrat Ángeles Peralta, mejor conocida como Monserrat Cabaré. Se trata de “un concierto tutti frutti”, en el que las sonoridades emergen de manera estimulante mientras la ingenuidad y la desfachatez sonrojan y liberan al espectador, así como el humor envuelve cada uno de los actos.
Disfruta la fruta se presenta del 29 de febrero al 10 de marzo (excepto el día 8), con funciones de miércoles a domingo, en el Foro A Poco No, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Con la musicalización de Mariana Vega “MAPO”, iluminación de Mauricio Arizona y fotografía de Cibelle Gaidus, Disfruta la fruta es una respuesta a ese “mundo de desigualdades, de constantes opresiones y de cánones de belleza inalcanzables”, en el que “la mayoría de las mujeres no encajamos”, dice la creadora escénica.
Y agrega: Ahí emerge Disfruta la fruta como “un canto sanador y reconciliador para la aceptación de nuestras cuerpas y el disfrute de nuestra sexualidad”. En la puesta se exploran cada una de las frutas, con todas sus cualidades sonoras, gustativas y visuales.
La propuesta compone una gran melodía y un concierto fuera de lo convencional que, sin duda, echa a volar la imaginación de los asistentes. Se trata –señala la actriz– de un espectáculo único de cabaret hecho en el lenguaje universal de las frutas, por lo que el requerimiento principal para los espectadores es que les guste el “despapaye”.
Montserrat Ángeles Peralta es una actriz, directora, cabaretera y cantante de origen mexicano. Egresada de la licenciatura en Actuación por la Escuela Nacional de Arte Teatral en México y del Máster de Creación en Artes de Calle en Cataluña. Con 26 años de experiencia en los escenarios, ha desarrollado su carrera en teatro, cine, televisión, circo, musicales, intervenciones en el espacio público, experiencias inmersivas y en cabaret, especializándose en éste por los últimos 13 años.
Primer unipersonal de Montserrat Ángeles Peralta, la puesta se presenta desde 2021 y ha sido invitada a foros y festivales realizados en Brasil, Colombia, España, Portugal y México.
Juana, la nueva de la escuela, descubre una red de acoso que amenaza a las alumnas con exponer fotografías íntimas de ellas. Ella utiliza el rap como su principal herramienta en la lucha contra la sextorsión y el ciberbullying.
Juana Cachonda busca difundir “Ley Olimpia”, que se refiere a un conjunto de reformas legislativas encaminadas a reconocer la violencia digital, las cuales fueron aprobadas en 2018 para tipificar como delito el hecho de compartir material íntimo de una persona sin su consentimiento. Esta no busca moralizar, sino alertar e informar sobre los derechos digitales.
Ciudad de México, febrero de 2024
JUANA CACHONDA RAPEA EN CONTRA DEL CIBERBULLYNG, LA SEXTORSIÓN, EL SHAMING, EL DOXING, EL GROOMING
Una puesta en escena de Teatro Bezbeco para promover y difundir la Ley Olimpia, ante la proliferación de acoso sexual a través de las redes sociales
Del 22 de febrero al 3 de marzo se escenifica en el Teatro Sergio Magaña
La compañía Teatro Bezbeco regresa para presentar su puesta en escena Juana Cachonda, un texto de Josué Almanza dirigido por Ixchel Flores Machorro, en la que el teatro, la música, la danza y el rap se conjugan para promover la Ley Olimpia, serie de reformas legislativas aprobadas en los años recientes encaminadas a sancionar la violencia digital, la cual perjudica, en mayor grado, a las mujeres y niñas.
Juana Cachonda –que también pone en entredicho el significado actual de esta palabra– hace una temporada de presentaciones del 22 de febrero al 3 de marzo, de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la colonia Santa María La Ribera, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
La propuesta cuenta la historia de Juana, una joven estudiante que ingresa por primera vez a la escuela preparatoria. Con los días, descubre que las alumnas se enfrentan cotidianamente a prácticas de ciberbullyng, sextorsión y acoso por parte de sus compañeros, quienes todo lo justifican con el argumento del “amor romántico”.
A través del rap, Juana y sus compañeras exponen al acosador, quien convive con ellas en la misma preparatoria. La acción genera lazos profundos entre el grupo de jóvenes que se convierten en una red de apoyo solidario. De acuerdo a la crítica, la puesta visibiliza y proporciona herramientas para la prevención de situaciones de violencia de género al que se ven expuestas muchas adolescentes de nivel secundaria y preparatoria: prácticas como ciberbullyng, sextorsión, shaming, doxing, grooming (acoso sexual de adultos a menores de edad) que disfrazan de “amor”.
Igualmente, la pieza invita a reelaborar la palabra “cachonda” para nombrar a las chicas que son aguerridas y dueñas de su sensualidad, sin un enfoque moralizante, ya que consideran que todo “cuerpo merece respeto y tiene derecho a explotar su sexualidad sin recriminaciones”.
Desde el tono de comedia dramática, transcurre de manera detectivesca y vertiginosa por diversos escenarios que se crean con el movimiento de escenografía, música y la danza de los actores.
La compañía de teatro Bezbeco se fundó en 2016 en la Ciudad de México y se ha especializado en teatro para niños y niñas y jóvenes audiencias. En marzo del 2021, el Centro Cultural El Hormiguero convocó a la primera edición de su programa Larvas Creativas, con la cual ofreció residencias artísticas con el objetivo de fomentar el desarrollo y la profesionalización de los nuevos artistas mexicanos.
Para ello, las residencias incluyeron el acompañamiento y asesoría de los especialistas de la Coordinación de Talleres de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y vínculos con la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para apoyar la formación de los miembros de la compañía.
Del proyecto interinstitucional surgió la obra Juana Cachonda, con una duración de una hora, dirigida especialmente a jóvenes de 15 a 18 años de edad.
El vestuario es de Miranda López, escenografía de Abigail Puebla e iluminación de Juan Pablo Aguayo. La asesoría en rap es de Cynthia Franco y Marie V y en breaking de Raúl Ramírez. La producción ejecutiva y asistencia de dirección es de Humberto Trejo.
