Nativos Digitales es una puesta que conjuga el teatro, el rap y el trabajo multimedia para ser testigos de cómo cuatro jóvenes se confrontan a un mundo que les parece cada vez más inaccesible.
El cuerpo como un objeto imperfecto que debe ser corregido, la desaparición del otro detrás de la pantalla y el borramiento del cuerpo en los rituales cotidianos de una vida automatizada son los reveladores de una identidad flotante y de la necesidad de construir una corporalidad que ayude a tejer el sentido de la existencia.
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NATIVOS DIGITALES, UNA COLABORACIÓN INTERDISCIPLINARIA ENTRE ACTORES, RAPEROS Y CREATIVOS MULTIMEDIA
Bajo la dirección de Natalia Gracia Medrano, la compañía Metamorfina Teatro, de Querétaro, presenta el espectáculo de teatro hip-hop del 16 al 26 de febrero
Como punto de referencia, la vida de los nativos digitales –aquellas generaciones nacidas después de los años noventa en el auge de las tecnologías digitales–, es explorada por la compañía Metamorfina Teatro, de Querétaro, para crear el espectáculo teatral y multimedia Nativos digitales, bajo la dirección escénica de Natalia Gracia Medrano.
Dicha propuesta interdisciplinaria surgió de una colaboración entre actores, raperos y creativos multimedia para llevar a escena cuatro monólogos que abordan los conflictos identitarios de una generación hypermediatizada y con la profunda necesidad de resignificar la noción de "cuerpo" para reinventar su posicionamiento ante el mundo.
La propuesta, en la que participan los actores y actrices Manya Loría, Francisco Bahena Fonseca, Addi Jacobo Nahúm y Mariana Vega "Mapo", se presentará en el Foro A Poco No del 16 al 26 de febrero, de jueves a domingo, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
Nativos digitales indaga en aquellas chicas y chicos que transitan por la vida cargados de diversos dispositivos como pantallas, consolas, cámaras o teléfonos celulares, y ahonda en las interacciones cotidianas con estos dispositivos que influyen en los procesos de construcción identitaria y, con ello, en la manera de vincularnos con los otros y con ellos mismos.
La propuesta escénica es un diálogo abierto con el teatro, el rap y el trabajo multimedia, e invita al público a ser testigo de cómo cuatro jóvenes se confrontan con un mundo que les parece cada vez más inaccesible.
El cuerpo como objeto imperfecto y que debe ser corregido; la desaparición “del otro” detrás de la pantalla, y el “borramiento” del cuerpo en los rituales cotidianos de una vida automatizada, son los reveladores de una identidad flotante y una necesidad de construirse un cuerpo que les ayude a tejer el sentido de su existencia, plantea la compañía.
En el montaje participan también el Beat Maker: Doped Mind, quien realizó la música original que se interpreta en vivo, y el compositor y violinista Rafael Rentería. La escritura de cuentos es obra de Manya Loría, Francisco Bahena Fonseca y Addi Jacobo Nahúm y la adaptación al verso en hip hop es de Charlot T.M. y Erick Fiesco.
Para Doped Mind, los personajes habitan un presente en el que la nostalgia, evocada por el uso de sintetizadores y teclados análogos, coexiste con una mirada constante hacia el futuro transmitido por medio de ritmos electrónicos.
A la par, Rafael Rentería interviene la voz en tiempo real de los actores en vivo, por medio del uso de diferentes efectos como distorsión, delay, ecos y loops station, y explora voces que transitan entre lo real y lo imaginario.
Los elementos técnicos de la obra se encuentran en la escena y al descubierto con una finalidad tanto práctica, al poder ser manipulados manualmente por los actores, como estética, al exponer cuerpos que se desenvuelven entre cables, conexiones y múltiples dispositivos, adoptándolos como parte de su entorno cotidiano.
Partiendo de la danza butoh, la danza ritual y la danza contemporánea se presenta un programa que se compone por TD Comienza / versión 20.22, Cielo-arena comienzan la función, ジャスミン y YIN-YANG Duet) piezas las cuales hablan de los procesos de cambio y conflicto que atraviesan las personas para alcanzar la condición humana.
TD Comienza / versión 20.22 y Cielo-arena comienzan la función se interna en un espacio efímero y ritual en el que la fuerza y el deseo de un cuerpo femenino se muestra en movimiento, pero con una dificultad para seguir su caminar. Dos solos expresivos e intensos interpretados por Liliana Ordoñez con música de Galo González.
ジャスミン (Jaz-Myn), creada por Juan Antonio Suinaga, es un solo en el cual se explora la dualidad del ser que se rige en diferentes estados emocionales, totalmente contrarios uno del otro, de lo moldeado de su propia naturaleza en contra de su parte libre y no contaminada.
Y finalmente, YIN-YANG Duet, un dueto que refiere a la figura tradicional del yin yang en el círculo del Tao. Aspectos complementarios que buscan su relación armónica, su interacción y no su lucha. Propuestas que desean propiciar en el espectador una experiencia sensible e introspectiva.
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ALIENTO, PULSO, TRANSFORMACIÓN, LA DANZA SURGIDA DEL SER AUTÉNTICO
La compañía AJNA Danza – Transformación en Movimiento se presentará del 17 al 19 de febrero con una propuesta coreográfica desde “el ser auténtico”
La compañía AJNA Danza - Transformación en Movimiento, que conforman Liliana Ordoñez Hidalgo y Juan Antonio Suinaga, llevará una muestra de danzas entre el butoh y la danza contemporanea, a través del programa coreográfico titulado Aliento, pulso, transformación.
Con dirección, coreografías e interpretación de Ordoñez y Suinaga, el espectáculo se presentará los días viernes 17, sábado 18 y el domingo 19 de febrero en el Teatro Benito Juárez, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
AJNA Danza - Transformación en Movimiento es un grupo de individuos-cómplices que, parten de la vivencia del butoh, la danza contemporánea y la improvisación para construir un lenguaje propio “para transformarse” en escena.
La agrupación se fundó en Cuernavaca, Morelos, en mayo de 2015 por Luli Amaya, Liliana Ordoñez y Juan Antonio Suinaga. “Nuestro objetivo principal es crear y experimentar la danza desde el ser auténtico, así como compartir nuestra propuesta escénica con un sentido ritual, humano y creativo. Nos interesa promover y propiciar espacios para la danza en un espectro más amplio de libertad y autoconocimiento”, afirman Ordoñez y Suinaga.
De ese interés, surge Aliento, pulso, transformación, una propuesta escénica que reúne el trabajo creativo de ambos integrantes de la compañía, y que tiene el propósito de llevar a un público cada vez más amplio la danza surgida “del ser auténtico”, sin límite de edad, condición o técnica.
El programa reúne tres piezas que abordan los cambio y conflictos que enfrenta el individuo en su inevitable proceso de transformación. En primera instancia, TD Comienza. Versión 20.22 - Cielo-arena es un doble solo de danza, expresivo e intenso, interpretado por Liliana Ordoñez con música de Galo González. Se trata de una coreografía que presenta el arrastrar de unas piedras en silencio, en medio de un espacio efímero y ritual en el que la fuerza y el deseo de un cuerpo femenino se muestra en movimiento, pero con una dificultad para seguir su caminar.
La segunda coreografía es ジャスミン (Jaz-Myn), un solo de Juan Antonio Suinaga, quien explora la dualidad del ser que se rige por diferentes estados emocionales, totalmente contrarios uno del otro, y por lo moldeado de su propia naturaleza en contra de su parte libre y no contaminada.
Y la tercera, Yin-Yang Duet se refiere a la figura tradicional del yin-yang, en el círculo del Tao, es decir, a esos aspectos complementarios que buscan su relación armónica, su interacción y no su lucha; propuesta coreográfica que desean propiciar en el espectador una experiencia sensible e introspectiva.
En conjunto, Aliento, pulso, transformación se suma a los numerosos espectáculos que desde 2015 ha presentado AJNA Danza en diversos teatros, festivales y espacios culturales, nacionales e internacionales, en su afán de difundir la danza butoh. En julio de 2022, recibió el apoyo del Circuito Nacional de Artes Escénicas Chapultepec: Danza y Espacios Autogestivos, gracias al cual realiza varias presentaciones por Guerrero, Morelos, Puebla y Tlaxcala.
La última cinta de Krapp es considerado el monólogo con más tintes autobiográficos de Samuel Beckett escrita en 1958. Conmovedora, lírica y sentimental, el autor nos muestra a un hombre que tiene mucho del propio Beckett: de sus amores, de sus pérdidas, de su regreso a Irlanda, de las mujeres de su vida y la crisis que vivió a los 39, para hablarnos de la vulnerabilidad y la fragilidad humana, del paso del tiempo y de la crudeza de la vejez a través de un hombre mayor que recurre a su pasado y se confronta con sus imperfecciones, tanto las de entonces como las de ahora, tal como lo hacemos nosotros cuando volteamos a nuestras memorias.
SAMUEL BECKETT Y LUIS DE TAVIRA UNIDOS EN LA ÚLTIMA CINTA DE KRAPP
Bajo la dirección de Sandra Félix, se escenificarán dos únicas funciones en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, abrirá sus puertas a la puesta en escena La última cinta de Krapp, de Samuel Beckett, bajo la dirección de Sandra Félix y la actuación del maestro Luis de Tavira.
La propuesta escénica, que reúne a varios de los más destacados protagonistas del teatro mexicano contemporáneo, se presentará dos únicas funciones (el viernes 17 y el sábado 18) en el recinto de Donceles 36.
De uno de los grandes dramaturgos universales, La última cinta de Krapp es considerada el monólogo con más tintes autobiográficos de su autor. Escrito en 1958, se trata de una obra conmovedora, lírica y sentimental, en la que Beckett presenta a un hombre que tiene mucho de él mismo.
Habla de sus amores, de sus pérdidas, de su regreso a Irlanda, de las mujeres de su vida y de la crisis que vivió décadas atrás, y todo ello para reflexionar acera de la vulnerabilidad y la fragilidad humana, del paso del tiempo y de la crudeza de la vejez. La historia se cuenta a través de un hombre que recurre a su pasado y se confronta con sus imperfecciones, tanto las de entonces como las de ahora, tal como se hace cuando se voltea a ver las memorias propias.
Refugiado en la soledad de su oscuro aposento, Krapp celebra su cumpleaños número 69. De pronto, siente la necesidad de escuchar una vieja grabación que hizo 30 años atrás, cuando celebraba su cumpleaños 39.
Busca ansiosamente en el desorden de sus cosas la cinta precisa que contiene la memoria de una noche decisiva en su vida; al localizarla, la oye, la detiene, la adelanta… los recuerdos despiertan una interlocución de su memoria en tres planos temporales: su juventud, su adultez y su vejez.
¿Qué papel juegan los archivos en nuestra existencia actual? hace recordar al filósofo francés Jacques Derrida y su teoría sobre “el mal de archivo”, en la que reflexiona sobre la relación que el ser humano establece con el tiempo, con el olvido y con ese imperativo de preservar el pasado.
Lo paradójico del asunto es que al archivar existe por la conciencia de la finitud, por saber que el tiempo se acaba como la vida en la vejez. En otras palabras, no podría existir el deseo de recordar si no existiera el peligro de perder esos recuerdos.
El ser humano y sus circunstancias, su presencia en el mundo, sus metas y sus fracasos, temas abordados abundantemente en escena por Luis de Tavira, ganador del Premio Nacional de Ciencias y Artes 2006, Premio Universidad Nacional y Premio Álvaro Custodio 2018, además de creador emérito del Sistema Nacional de Creadores del Arte y miembro de número de la Academia de Artes de México.
La puesta en escena corre bajo la dirección de Sandra Félix –miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2019-2022–, con un diseño de escenografía e iluminación de Philippe Amand, vestuario de Jerildy Bosch, y diseño sonoro de Rodrigo Castillo Filomarino.
